La prédisposition innée des humains à exprimer la beauté de la nature qui nous entoure nous a conduits à travers les siècles à découvrir et à définir la Beauté. Des plus petits artefacts aux monuments publics les plus emblématiques, notre quête de la Beauté a été le noyau et la force motrice des civilisations égéennes, et de l’émergence de l’Art européen.
Ce document est le premier d’une série de cinq articles qui emmèneront le lecteur dans un voyage à travers les anciennes civilisations grecques et la manifestation et l’évolution de l’Art tel qu’il s’exprime dans les artefacts qui ont survécu aux millénaires et ornent les Musées du monde entier.
Depuis les civilisations cycladiques et minoennes de l’âge du bronze qui débutent la série, nous passerons à l’ère de l’Art mycénien, à l’époque des grands royaumes, d’Homère et de la guerre de Troie, une époque de héros et de dieux. Le troisième article s’efforcera de présenter les vastes réalisations de l’âge classique – âge d’or, l’ère qui a fixé les normes de l’Art, comme elle a également jeté les bases de nombreuses sciences, tendances philosophiques et politiques.
Le phénomène de la Grèce classique s’est répandu dans le monde connu, principalement par les conquêtes d’Alexandre le Grand, la période hellénistique a marqué l’expansion de l’art, des sciences, de la philosophie grecque mais aussi son déclin et sa septicémie finale. Sur les ruines des chefs-d’œuvre classiques, sur les têtes sculptées païennes des dieux brutalement décapités par les zélateurs de la nouvelle religion, les chrétiens fondèrent l’Empire byzantin, un tout nouveau monde de l’Art émergea, resserré et confiné par l’austérité imposée par la religion, néanmoins rebelle dans son approche innovante de l’Art.
Les civilisations égéennes
Dans l’archipel de la mer Égée, au sud-est de la Grèce continentale, un groupe de 220 îles forme les Cyclades. Le nom « Cyclades » se traduirait par cercle d’îles, formant un cercle autour de l’île sacrée de Délos. Delos était le lieu de naissance du dieu Apollon, si sacré que si les humains pouvaient y vivre, personne ne pouvait naître ou mourir sur son sol. Jusqu’à aujourd’hui, l’île a conservé son caractère sacré et ne compte que 14 habitants, les gardiens du site archéologique. Selon la mythologie grecque, Poséidon, Dieu de la mer, furieux contre les nymphes des Cyclades les transforma en îles, positionnées pour adorer le dieu Apollon.
Aujourd’hui les Cyclades sont des destinations touristiques les plus populaires en Grèce, les îles de Santorin, Mykonos, Naxos, Paros, Milos, Sifnos, Syros et Koufonisia. Deux de ces îles sont volcaniques à savoir Santorin et Milos.
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L’art cycladique – Un prélude au post-modernisme
L’ancienne culture cycladique s’est épanouie de 3300 à 1100 av. J.-C. environ. Avec la civilisation minoenne de Crète et la mycénienne de la Grèce continentale, la civilisation et l’art cycladiques sont les principales civilisations de l’âge du bronze en Grèce.
Le type d’œuvre d’art le plus important qui a survécu est la figurine en marbre, le plus souvent une seule figure féminine en pleine longueur avec les bras croisés sur le devant. Les archéologues appellent ces figurines « FAF » pour « folded-arm figure ».
À part un nez proéminent, les visages sont un blanc lisse, fortement suggéré par les preuves existantes que les détails du visage étaient initialement peints. Les fouilles illégales à une échelle sans précédent au siècle dernier, le pillage des cimetières de la région, ont été la principale cause qu’un grand nombre de ces figurines se retrouvent dans des collections privées, non répertoriées dans un contexte archéologique, mais il est évident qu’elles étaient surtout utilisées comme offrandes funéraires. Ce déplacement violent a également affecté négativement l’étude de la civilisation cycladique.
Au 19ème siècle où l’art classique était idéal et fixait les règles esthétiques, ces figurines n’étaient pas attirantes car primitives et grossières. Paul H.A. Wolters, un archéologue classique allemand, décrit en 1891 les figurines comme » repoussantes et odieuses « . Ce n’est qu’au cours du siècle dernier avec les tendances émergentes du modernisme et du post-modernisme qui ont attaché une valeur esthétique particulière aux figurines cycladiques, où elles sont devenues des objets d’étude de l’art et d’imitation.
Les grands musées du monde entier ont des collections et des expositions dédiées à l’art cycladique, cependant, sur environ 1400 figurines connues, seulement 40% proviennent de fouilles systématiques.
Le Metropolitan Museum de New York possède une vaste collection d’art cycladique, exposée en permanence dans la galerie 151.
La figure représente un type rare connu sous le nom de stéatopygous signifiant l’accumulation de graisse dans et autour des fesses, une caractéristique sans doute indicative de la fertilité.
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Tête en marbre provenant de la figure d’une femme, début de la période Cycladique II (2800-2300 BC). Le visage, le nez, la bouche et les oreilles sont rendus en relief, tandis que la couleur rend les yeux, les lignes verticales sur les joues, les bandes sur le front et les cheveux. L’un des objets les mieux conservés où les techniques de peinture décorative sont évidentes.
Un personnage masculin jouant d’un instrument à cordes est assis sur une chaise à haut dossier. Cette œuvre est l’une des plus anciennes (2800-2700 av. J.-C.) du petit nombre de représentations connues de musiciens. Notez le modelage distinctif et sensible des bras et des mains.
De grandes collections d’art cycladique sont exposées au Musée d’art cycladique et au Musée archéologique national d’Athènes où l’on peut naviguer virtuellement et explorer davantage cette forme d’art.
En guise de dernière note sur l’art cycladique, et certainement digne de mention, sont les mosaïques de Delos. En tant que grand centre de culte, égal à Delphes et Olympie, l’île possédait plusieurs complexes de bâtiments et en 1990, l’UNESCO a inscrit Délos sur la liste du patrimoine mondial, le citant comme le site archéologique « exceptionnellement étendu et riche » qui « véhicule l’image d’un grand port méditerranéen cosmopolite ».
Les mosaïques de Délos constituent un ensemble important de l’art de la mosaïque grecque antique. Elles datent de la dernière moitié du 2e siècle avant JC et du début du 1er siècle avant JC, pendant la période hellénistique. Parmi les sites archéologiques de la Grèce hellénistique, Délos contient l’une des plus fortes concentrations d’œuvres en mosaïque encore existantes. Environ la moitié de toutes les mosaïques grecques tessellées survivantes de la période hellénistique proviennent de Délos.
L’ART MINOEN – L’ÉMERGENCE DE LA BEAUTÉ DANS LA CRÉATION
Au sud du complexe insulaire des Cyclades, à l’extrême sud de la mer Égée, se trouve l’île de Crète.
Vers la fin du XIXe siècle, l’archéologue britannique Arthur Evans commença des fouilles à Cnossos. Il découvrit une structure qui lui rappela le légendaire Labyrinthe où le roi Minos avait emprisonné le Minotaure. En conséquence, Evans a décidé de nommer la civilisation de l’âge du bronze en Crète « minoenne », le nom a persisté depuis lors, et il la considérait comme « le berceau de la civilisation européenne ».
Des études et des recherches récentes renforcent les notions d’Evans. En 2018, Ilse Schoep, l’auteur de The Administration of Neopalatial Crete, a écrit : » Le récit d’Evans était de promouvoir la Crète comme le berceau de la civilisation européenne, les implications de cette observation pour les concepts qu’il a construits et les interprétations qu’il a faites n’ont pas été entièrement explorées. Bien que nous ayons maintenant, en théorie, dépassé un grand récit … dans l’évolution de la civilisation, dans la pratique, la rhétorique d’Evans vit, non seulement dans la littérature populaire, comme on pouvait s’y attendre, mais aussi dans le discours académique dominant.’
La civilisation s’étend sur plusieurs millénaires et est classée en :
- Minoan précoce : 3650-2160 BC
- Moyen Minoen : 2160-1600 BC
- Fort Minoen : 1600-1170 av. J.-C.
Palais et fresques
Les palais minoens, jusqu’à présent fouillés en Crète sont :
- Knossos, le palais minoen de Knossos en Crète
- Phaistos, le palais minoen de Phaistos en Crète
- Palais de Malia, le palais minoen de Malia en Crète orientale
- Palais de Zakros, le palais minoen de Zakros en Crète orientale
L’art de la civilisation minoenne de la Crète de l’âge du bronze expose un amour de la nature, de la vie animale, marine et végétale, utilisée pour décorer les fresques, la poterie, et il a inspiré des formes dans les bijoux, les récipients en pierre et la sculpture. Les artistes minoens expriment leur art dans des formes et des dessins fluides et naturalistes, et l’art minoen présente une vitalité qui n’était pas présente dans l’Orient contemporain. En dehors de ses qualités esthétiques, l’art minoen donne également un aperçu précieux des pratiques religieuses, communautaires et funéraires de l’une des premières cultures de la Méditerranée antique.
Les Minoens, étaient une nation maritime leur culture a été influencée par le Proche-Orient, Babylone, et les influences égyptiennes qui peuvent être trouvées dans leur art précoce. Les artistes minoens étaient constamment exposés à de nouvelles idées et à de nouveaux matériaux qu’ils pouvaient utiliser dans leur art unique. Les palais et les maisons de l’aristocratie étaient décorés de véritables peintures à fresque (buon fresco),
L’art minoen n’était pas seulement fonctionnel et décoratif mais avait aussi un but politique, en particulier, les peintures murales des palais représentaient les dirigeants dans leur fonction religieuse, ce qui renforçait leur rôle de chef de la communauté. L’art était le privilège de la classe dirigeante ; la population générale était composée d’agriculteurs, d’artisans et de marins.
La « salle du trône » de Cnossos, directement sous la galerie de fresques ; fortement restaurée par Evans, date de l’âge du bronze tardif. Le trône asseyait un roi, une reine ou une prêtresse ; les griffons sont associés aux prêtresses. La forme ondulée à l’arrière du trône pourrait faire référence aux montagnes.
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Poterie minoenne
La poterie minoenne a connu différents stades de développement. Elle a évolué au cours des millénaires, passant de formes géométriques simples à des représentations impressionnistes élaborées de la nature, ainsi qu’à des figures humaines abstraites. Parfois, des coquillages et des fleurs décoraient le récipient en relief. Les formes courantes sont des cruches à bec, des coupes, des pyxides (petites boîtes), des calices et des pithoi (très grands vases faits à la main, parfois de plus de 1,7 m de haut, utilisés pour le stockage des aliments).
La dernière étape de l’évolution de la poterie, connue sous le nom de style marin, caractérisée par des représentations détaillées et naturalistes de pieuvres, d’argonautes, d’étoiles de mer, de coquilles de triton, d’éponges, de coraux, de rochers et d’algues. En outre, les Minoens ont tiré pleinement parti de la fluidité de ces créatures marines pour remplir et entourer les surfaces courbes de leurs poteries. Les têtes de taureau, les doubles haches et les nœuds sacrés apparaissaient aussi fréquemment sur les poteries, également.
Rhyton Minoan
Un rhyton est un récipient à peu près conique pour boire ou verser des liquides. Principalement utilisé comme récipient à libations-offrandes, le rhyton, en particulier, était courant dans les rituels religieux, les banquets et les festivals. Les libations de vin, d’eau, d’huile, de lait ou de miel étaient utilisées pour adorer un dieu ou honorer les morts.
Le rhyton à tête de taureau est l’une des découvertes les plus célèbres des fouilles de Sir Arthur Evan en Crète en 1900. Il est en effet spectaculaire. Naturalisme et attention aux détails exemplifiés dans ce buste portrait presque individualisé d’un taureau. Le naturalisme est évident dans la courbure du nez, les oreilles arrondies et saillantes, et le dépôt de graisse qui pend à la base du cou du taureau. Au sommet de la tête du taureau, des touffes de poils bouclés et des motifs de forelock sont évidents et des paillettes décorent le cou. Cette pose plus vraie que nature n’apparaîtra à nouveau dans l’art qu’à l’époque de la Grèce classique, un millénaire plus tard.
Ce rhyton se targue des matériaux les plus exquis. Le vaisseau principal est en pierre de stéatite tandis que le museau est incrusté de coquillages blancs et les yeux sont en cristal de roche et en jaspe rouge. Les cornes sont en bois avec des feuilles d’or et sont des reconstitutions de l’original. Artisanalement, les yeux sont en cristal de roche peints à l’arrière avec des pupilles rouges et des iris noirs, puis enchâssés dans du jaspe rouge pour un aspect sanguin dramatique et incrustés dans la stéatite.
Sculpture minoenne
La sculpture de figurines est rare dans l’art minoen, mais plusieurs petites figurines survivent pour exemplifier que les artistes minoens étaient aussi capables de capturer le mouvement et la grâce en trois dimensions que dans d’autres formes d’art. Les premières figurines en argile et en bronze représentent généralement des adorateurs mais aussi des animaux, en particulier des bœufs.
Les œuvres plus tardives sont plus sophistiquées ; parmi les plus significatives se trouve une figurine en ivoire d’un homme sautant en l’air, au-dessus d’un taureau qui est une figure séparée. Les cheveux étaient en fil de bronze et les vêtements en feuille d’or. Datant de 1600-1500 av. J.-C., il s’agit peut-être de la plus ancienne tentative connue en sculpture de capturer un mouvement libre dans l’espace.
Une autre pièce représentative est la figure saisissante d’une déesse brandissant un serpent dans chacune de ses mains levées. Rendue en faïence, la figurine date d’environ 1600 avant notre ère. Ses seins nus représentent son rôle de déesse de la fertilité, et les serpents et le chat sur sa tête sont des symboles de sa domination sur la nature sauvage.
Les deux figurines se trouvent au musée archéologique d’Héraklion, en Crète.
Bijoux minoens
La technologie de la fonte en Crète antique permettait de raffiner les métaux précieux tels que l’or, l’argent, le bronze et le bronze plaqué or. Des pierres semi-précieuses étaient utilisées comme le cristal de roche, la cornaline, le grenat, le lapis-lazuli, l’obsidienne et le jaspe rouge, vert et jaune.
Les bijoutiers minoens possédaient le répertoire complet des techniques de travail du métal (à l’exception de l’émaillage) qui transformaient la matière première précieuse en un éventail stupéfiant d’objets et de motifs.
Ce célèbre pendentif, l’un des exemples les plus fins et les plus connus de l’art minoen, représente deux abeilles ou guêpes stockant une goutte de miel dans un rayon de miel. La composition s’articule autour d’une goutte circulaire, les deux insectes se font face, leurs pattes soutenant la goutte, leur corps et leurs ailes étant finement détaillés. Des disques d’or pendent de leurs ailes, tandis qu’une sphère ajourée et un anneau de suspension se dressent au sommet de leur tête. Ce chef-d’œuvre de la bijouterie minoenne, brillamment conçu et rendu de façon naturaliste, illustre la finesse de l’artisanat.
L’or était le matériau le plus prisé et était battu, gravé, gaufré, moulé et poinçonné, parfois avec des timbres. Les pièces étaient attachées à la pièce principale à l’aide d’un mélange de colle et de sel de cuivre qui, chauffé, se transformait en cuivre pur, soudant les deux pièces ensemble.
L’héritage minoen
Les artistes minoens ont grandement influencé l’art des autres îles de la Méditerranée, notamment Rhodes et les Cyclades, en particulier Théra. Les artistes minoens étaient eux-mêmes employés en Égypte et au Levant pour embellir les palais des souverains de ces pays. Les Minoens ont également fortement influencé l’art de la civilisation mycénienne ultérieure basée sur la Grèce continentale.
Leur approche impressionniste de l’Art était en effet la première étape d’une longue lignée d’Art européen qui, à travers les millénaires, a évolué dans ses nombreuses formes et ordres.
Mieux décrite ici par l’historien de l’art R. Higgins,
‘….Peut-être que la plus grande contribution de l’âge du bronze à la Grèce classique était quelque chose de moins tangible ; mais tout à fait possiblement héritée : une attitude d’esprit qui pouvait emprunter les arts formels et hiératiques de l’Orient et les transformer en quelque chose de spontané et de joyeux ; un mécontentement divin qui a conduit le Grec à toujours développer et améliorer son héritage.’
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