Die angeborene Veranlagung des Menschen, die Schönheit der uns umgebenden Natur zum Ausdruck zu bringen, hat uns über die Jahrhunderte dazu gebracht, Schönheit zu entdecken und zu definieren. Von den kleinsten Artefakten bis hin zu den emblematischsten öffentlichen Monumenten war unser Streben nach Schönheit der Kern und die treibende Kraft hinter den ägäischen Zivilisationen und der Entstehung der europäischen Kunst.

Dies ist der erste einer Reihe von fünf Artikeln, die den Leser auf eine Reise durch die antiken griechischen Zivilisationen und die Manifestation und Entwicklung der Kunst mitnehmen, wie sie in den Artefakten zum Ausdruck kommt, die die Jahrtausende überlebt haben und Museen auf der ganzen Welt schmücken.

Ausgehend von den kykladischen und minoischen Zivilisationen der Bronzezeit, mit denen die Reihe beginnt, geht es weiter zur mykenischen Kunstepoche, der Zeit der großen Königreiche, Homers und des Trojanischen Krieges, einer Zeit der Helden und Götter. Der dritte Artikel wird sich bemühen, die enormen Errungenschaften des Klassischen – Goldenen Zeitalters vorzustellen, der Epoche, die Maßstäbe für die Kunst setzte, da sie auch die Grundlagen für viele Wissenschaften, philosophische und politische Trends legte.

Das Phänomen des klassischen Griechenlands verbreitete sich in der bekannten Welt, vor allem durch die Eroberungen Alexanders des Großen, die hellenistische Periode kennzeichnete die Ausbreitung der griechischen Kunst, der Wissenschaften, der Philosophie, aber auch ihren schließlichen Niedergang und ihre Sepsis. Aus den Ruinen der klassischen Meisterwerke, aus den heidnischen Götterköpfen, die von den Eiferern der neuen Religion brutal enthauptet wurden, gründeten die Christen das Byzantinische Reich, und es entstand eine ganz neue Welt der Kunst, die durch die von der Religion auferlegte Strenge eingeengt und begrenzt war, aber dennoch rebellisch in ihrem innovativen Ansatz zur Kunst.

Die ägäischen Zivilisationen

Im ägäischen Archipel, südöstlich des griechischen Festlands, bildet eine Gruppe von 220 Inseln die Kykladen. Der Name „Kykladen“ bedeutet so viel wie Inselkreis, der sich um die heilige Insel Delos dreht. Delos war der Geburtsort des Gottes Apollo und so heilig, dass dort zwar Menschen leben konnten, aber niemand auf dem Boden der Insel geboren werden oder sterben durfte. Die Insel hat bis heute ihre Heiligkeit bewahrt und zählt nur 14 Einwohner, die Verwalter der archäologischen Stätte. Der griechischen Mythologie zufolge verwandelte Poseidon, der Gott des Meeres, aus Wut über die Kykladen-Nymphen diese in Inseln, die dem Gott Apollo geweiht waren.

Heute gehören die Kykladen zu den beliebtesten Reisezielen Griechenlands: die Inseln Santorin, Mykonos, Naxos, Paros, Milos, Sifnos, Syros und Koufonisia. Zwei dieser Inseln sind vulkanisch, nämlich Santorin und Milos.

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Die kykladische Kunst – ein Vorspiel zur Postmoderne

Die antike kykladische Kultur blühte von ca. 3300 bis 1100 v. Chr.. Zusammen mit der minoischen Kultur auf Kreta und der mykenischen auf dem griechischen Festland sind die Kykladen und ihre Kunst die wichtigsten bronzezeitlichen Zivilisationen Griechenlands.

Die bedeutendste Art von Kunstwerken, die erhalten geblieben ist, ist die Marmorfigur, meist eine einzelne weibliche Figur in voller Länge mit über der Vorderseite verschränkten Armen. Archäologen bezeichnen diese Figuren als „FAF“ für „folded-arm figure“ (Figur mit gefalteten Armen).

Abgesehen von einer hervorstehenden Nase sind die Gesichter glatt und leer, was stark darauf hindeutet, dass die Gesichtsdetails ursprünglich gemalt waren. Illegale Ausgrabungen in einem noch nie dagewesenen Ausmaß im letzten Jahrhundert, die Plünderung von Friedhöfen in der Region, waren die Hauptursache dafür, dass viele dieser Figuren in Privatsammlungen zu finden sind, ohne in einem archäologischen Kontext erfasst zu werden, aber es ist offensichtlich, dass sie meist als Grabbeigaben verwendet wurden. Diese gewaltsame Entfernung wirkte sich auch negativ auf die Erforschung der kykladischen Zivilisation aus.

Im 19. Jahrhundert, in dem die klassische Kunst als Ideal galt und die ästhetischen Regeln vorgab, waren diese Figuren als primitiv und roh nicht ansprechend. Paul H.A. Wolters, ein deutscher Klassischer Archäologe, beschreibt 1891 die Figuren als „abstoßend und widerwärtig“. Erst im letzten Jahrhundert, mit den aufkommenden Strömungen der Moderne und Postmoderne, wurde den kykladischen Figuren ein besonderer ästhetischer Wert beigemessen, und sie wurden zu Objekten des Kunststudiums und der Nachahmung.

Große Museen auf der ganzen Welt haben kykladische Sammlungen und Ausstellungen, doch von den etwa 1400 bekannten Figuren sind nur 40 % durch systematische Ausgrabungen bekannt.

Das New Yorker Metropolitan Museum hat eine umfangreiche Sammlung kykladischer Kunst, die ständig in der Galerie 151 ausgestellt wird.

Die Figur repräsentiert einen seltenen Typus, der als steatopygous bekannt ist, was Fettansammlung in und um das Gesäß bedeutet, ein Merkmal, das zweifellos auf Fruchtbarkeit hindeutet.

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Marmorkopf von der Figur einer Frau, frühe Kykladen II-Periode (2800-2300 v. Chr.). Das Gesicht, die Nase, der Mund und die Ohren sind als Relief dargestellt, während die Augen, die vertikalen Linien auf den Wangen, die Bänder auf der Stirn und das Haar mit Farbe wiedergegeben werden. Eines der am besten erhaltenen Objekte, bei dem die dekorativen Maltechniken offensichtlich sind.

Eine männliche Figur, die ein Saiteninstrument spielt, sitzt auf einem hochlehnigen Stuhl. Dieses Werk ist eine der frühesten (2800-2700 v. Chr.) der wenigen bekannten Darstellungen von Musikern. Man beachte die ausgeprägte und feinfühlige Modellierung der Arme und Hände.

Große Sammlungen kykladischer Kunst sind im Museum für kykladische Kunst und im Archäologischen Nationalmuseum in Athen ausgestellt, wo man virtuell stöbern und mehr von dieser Kunstform erkunden kann.

Als letzte Anmerkung zur kykladischen Kunst und sicherlich erwähnenswert sind die Mosaike von Delos. Als großes Kultzentrum, das Delphi und Olympia ebenbürtig war, verfügte die Insel über mehrere Gebäudekomplexe, und 1990 nahm die UNESCO Delos in die Liste des Weltkulturerbes auf und bezeichnete es als „außergewöhnlich umfangreiche und reiche“ archäologische Stätte, die „das Bild eines großen kosmopolitischen Mittelmeerhafens vermittelt“.

Die Mosaike von Delos sind ein bedeutender Teil der antiken griechischen Mosaikkunst. Sie stammen aus der letzten Hälfte des 2. Jahrhunderts v. Chr. und dem frühen 1. Jahrhundert v. Chr., also aus der hellenistischen Zeit. Unter den archäologischen Stätten des hellenistischen Griechenlands weist Delos eine der höchsten Konzentrationen erhaltener Mosaikkunstwerke auf. Etwa die Hälfte aller erhaltenen Mosaike aus der hellenistischen Periode stammt aus Delos.

MINOISCHE KUNST – DIE ENTSTEHUNG DER SCHÖNHEIT IN DER SCHÖPFUNG

Südlich des Inselkomplexes der Kykladen, am südlichsten Punkt der Ägäis, liegt die Insel Kreta.

Gegen Ende des neunzehnten Jahrhunderts begann der britische Archäologe Arthur Evans mit Ausgrabungen in Knossos. Er entdeckte ein Bauwerk, das ihn an das legendäre Labyrinth erinnerte, in dem König Minos den Minotaurus gefangen gehalten hatte. Daraufhin beschloss Evans, die bronzezeitliche Zivilisation auf Kreta „minoisch“ zu nennen; dieser Name hat sich bis heute gehalten, und er betrachtete sie als „die Wiege der europäischen Zivilisation“.

Neuere Studien und Forschungen bestätigen Evans‘ Vorstellungen. Im Jahr 2018 schrieb Ilse Schoep, die Autorin von The Administration of Neopalatial Crete: „Evans‘ Erzählung war es, Kreta als Wiege der europäischen Zivilisation zu fördern, die Auswirkungen dieser Beobachtung auf die Konzepte, die er konstruierte, und die Interpretationen, die er machte, sind nicht vollständig erforscht worden. Obwohl wir in der Theorie nun über eine große Erzählung … in der Entwicklung der Zivilisation hinausgegangen sind, lebt Evans‘ Rhetorik in der Praxis weiter, nicht nur in der populären Literatur, wie man erwarten könnte, sondern auch im akademischen Mainstream-Diskurs.‘

Die Zivilisation erstreckt sich über mehrere Jahrtausende und wird unterteilt in:

• Frühminoisch: 3650-2160 v. Chr.
• Mittelminoisch: 2160-1600 v. Chr.
• Spätminoisch: 1600-1170 v. Chr.

Paläste und Fresken

Minoische Paläste, die bisher auf Kreta ausgegraben wurden, sind:

• Knossos, der minoische Palast von Knossos auf Kreta
• Phaistos, der minoische Palast von Phaistos auf Kreta
• Malia-Palast, der minoische Palast von Malia im Osten Kretas
• Zakros-Palast, der minoische Palast von Zakros im östlichen Kreta

Die Kunst der minoischen Zivilisation des bronzezeitlichen Kretas zeigt eine Liebe zur Natur, zur Tier-, Meeres- und Pflanzenwelt, die zur Verzierung von Fresken und Töpferwaren verwendet wurde und Formen in Schmuck, Steingefäßen und Skulpturen inspirierte. Minoische Künstler drücken ihre Kunst in fließenden, naturalistischen Formen und Designs aus, und die minoische Kunst hat eine Lebendigkeit, die im zeitgenössischen Osten nicht vorhanden war. Abgesehen von ihren ästhetischen Qualitäten gibt die minoische Kunst auch wertvolle Einblicke in die religiösen, kommunalen und Bestattungspraktiken einer der frühesten Kulturen des antiken Mittelmeers.

Die Minoer waren ein Seefahrervolk, dessen Kultur von nahöstlichen, babylonischen und ägyptischen Einflüssen geprägt war, die sich in ihrer frühen Kunst wiederfinden. Die minoischen Künstler waren ständig mit neuen Ideen und Materialien konfrontiert, die sie für ihre eigene, einzigartige Kunst verwenden konnten. Paläste und Häuser der Aristokratie wurden mit echter Freskomalerei (buon fresco) geschmückt,

Minoische Kunst war nicht nur funktional und dekorativ, sondern hatte auch einen politischen Zweck, insbesondere die Wandmalereien der Paläste stellten Herrscher in ihrer religiösen Funktion dar, was ihre Rolle als Oberhaupt der Gemeinschaft unterstrich. Kunst war das Privileg der herrschenden Klasse; die allgemeine Bevölkerung bestand aus Bauern, Handwerkern und Seeleuten.

Der „Thronsaal“ in Knossos, direkt unter der Freskengalerie; von Evans stark restauriert, stammt aus der späten Bronzezeit. Auf dem Thron saß ein König, eine Königin oder eine Priesterin; die Greifen werden den Priesterinnen zugeordnet. Die wellenförmige Form auf der Rückseite des Throns könnte auf Berge hinweisen.

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Minoanische Keramik

Minoanische Töpferwaren durchliefen verschiedene Entwicklungsstadien. Sie entwickelte sich im Laufe der Jahrtausende von einfachen geometrischen Formen zu aufwendigen impressionistischen Darstellungen der Natur und abstrakten menschlichen Figuren. Manchmal schmückten Muscheln und Blumen die Gefäße als Relief. Gängige Formen sind Schnabelkrüge, Becher, Pyxiden (kleine Dosen), Kelche und Pithoi (sehr große handgefertigte Vasen, manchmal über 1,7 m hoch, die zur Aufbewahrung von Lebensmitteln verwendet wurden).

Die letzte Stufe der Keramikentwicklung, bekannt als Marinestil, zeichnet sich durch detaillierte, naturalistische Darstellungen von Tintenfischen, Argonauten, Seesternen, Tritonenmuscheln, Schwämmen, Korallen, Felsen und Algen aus. Darüber hinaus nutzten die Minoer die Fließfähigkeit dieser Meeresbewohner, um die gewölbten Oberflächen ihrer Töpferwaren zu füllen und zu umgeben. Stierköpfe, Doppeläxte und sakrale Knoten erschienen ebenfalls häufig auf Töpferwaren.

Minoan Rhyton

Ein Rhyton ist ein grob konischer Behälter zum Trinken oder Ausgießen von Flüssigkeiten. Der Stierkopf wurde meist als Trankopfergefäß verwendet und war vor allem bei religiösen Ritualen, Banketten und Festen üblich. Trankopfer aus Wein, Wasser, Öl, Milch oder Honig wurden zur Verehrung eines Gottes oder zu Ehren der Toten verwendet.

Das stierköpfige Rhyton ist einer der berühmtesten Funde von Sir Arthur Evans Ausgrabungen auf Kreta im Jahr 1900. Er ist in der Tat spektakulär. Naturalismus und Liebe zum Detail werden in dieser fast individualisierten Porträtbüste eines Stiers deutlich. Der Naturalismus zeigt sich in der Krümmung der Nase, den abstehenden, abgerundeten Ohren und dem Fettpolster, das am unteren Ende des Stiernackens hängt. Auf dem Kopf des Stieres sind krause Haarbüschel und Stirnlockendesigns zu erkennen, und der Hals ist mit Tupfen verziert. Diese lebensechte Pose wird erst ein Jahrtausend später in der Kunst der klassischen griechischen Epoche wieder auftauchen.

Dieses Rhyton rühmt sich der exquisitesten Materialien. Das Hauptgefäß ist aus Steatitstein gefertigt, die Schnauze hat weiße Muscheleinlagen, die Augen sind aus Bergkristall und rotem Jaspis gefertigt. Die Hörner sind aus Holz mit Blattvergoldung und sind Rekonstruktionen des Originals. Die Augen sind aus Bergkristall, der auf der Rückseite mit roten Pupillen und schwarzer Iris bemalt ist, dann in rotem Jaspis für ein dramatisches, blutunterlaufenes Aussehen gefasst und in den Steatit eingelegt.

Minoanische Skulptur

Figurale Bildhauerei ist in der minoischen Kunst selten, aber es sind mehrere kleine Figuren erhalten, die zeigen, dass die minoischen Künstler ebenso fähig waren, Bewegung und Anmut in drei Dimensionen darzustellen, wie sie es in anderen Kunstformen taten. Frühe Figuren aus Ton und Bronze stellen typischerweise Anbeter dar, aber auch Tiere, vor allem Ochsen.

Spätere Werke sind anspruchsvoller; zu den bedeutendsten gehört eine Elfenbeinfigur eines Mannes, der in die Luft springt, über einen Stier, der eine separate Figur ist. Die Haare waren aus Bronzedraht und die Kleidung aus Blattgold. Sie wird auf 1600-1500 v. Chr. datiert und ist vielleicht der früheste bekannte Versuch in der Bildhauerei, die freie Bewegung im Raum darzustellen.

Ein weiteres repräsentatives Stück ist die eindrucksvolle Figur einer Göttin, die in jeder ihrer erhobenen Hände eine Schlange schwingt. Die aus Fayence gefertigte Figur stammt aus der Zeit um 1600 v. Chr. Ihre nackten Brüste stellen ihre Rolle als Fruchtbarkeitsgöttin dar, und die Schlangen und die Katze auf ihrem Kopf sind Symbole für ihre Herrschaft über die wilde Natur.

Beide Figuren befinden sich im Archäologischen Museum von Heraklion, Kreta.

Minoischer Schmuck

Die Schmelztechnik im antiken Kreta ermöglichte die Raffination von Edelmetallen wie Gold, Silber, Bronze und vergoldeter Bronze. Es wurden Halbedelsteine wie Bergkristall, Karneol, Granat, Lapislazuli, Obsidian und roter, grüner und gelber Jaspis verwendet.

Minoische Juweliere verfügten über das gesamte Repertoire an Metallbearbeitungstechniken (außer Emaillieren), die kostbares Rohmaterial in eine erstaunliche Vielfalt von Objekten und Designs verwandelten.

Dieser berühmte Anhänger, eines der schönsten und bekanntesten Beispiele minoischer Kunst, stellt zwei Bienen oder Wespen dar, die einen Honigtropfen in einer Honigwabe aufbewahren. Die Komposition dreht sich um einen kreisförmigen Tropfen, die beiden Insekten sind einander zugewandt, ihre Beine stützen den Tropfen, ihre Körper und Flügel sind fein und detailliert ausgearbeitet. An ihren Flügeln hängen goldene Scheiben, während auf ihren Köpfen eine durchbrochene Kugel und ein Tragering stehen. Dieses Meisterwerk des minoischen Schmucks, brillant konzipiert und naturalistisch wiedergegeben, veranschaulicht die hohe Kunstfertigkeit.

Gold war das wertvollste Material und wurde geschlagen, graviert, geprägt, geformt und gestanzt, manchmal mit Stempeln. Die Teile wurden mit einem Gemisch aus Leim und Kupfersalz am Hauptstück befestigt, das sich beim Erhitzen in reines Kupfer verwandelte und die beiden Teile zusammenlötete.

Das minoische Erbe

Minoische Künstler hatten großen Einfluss auf die Kunst anderer Mittelmeerinseln, vor allem auf Rhodos und den Kykladen, insbesondere auf Thera. Minoische Künstler wurden auch in Ägypten und in der Levante eingesetzt, um die Paläste der dortigen Herrscher zu verschönern. Die Minoer beeinflussten auch stark die Kunst der späteren mykenischen Zivilisation auf dem griechischen Festland.

Ihr impressionistischer Ansatz in der Kunst war in der Tat der erste Schritt in einer langen Reihe europäischer Kunst, die sich im Laufe der Jahrtausende in ihren vielen Formen und Ordnungen entwickelt hat.

Am besten beschreibt dies der Kunsthistoriker R. Higgins,

‚.Vielleicht war der größte Beitrag der Bronzezeit zum klassischen Griechenland etwas, das weniger greifbar war, aber möglicherweise vererbt wurde: eine Geisteshaltung, die die formalen und hieratischen Künste des Ostens entlehnen und in etwas Spontanes und Heiteres umwandeln konnte; eine göttliche Unzufriedenheit, die den Griechen dazu brachte, sein Erbe immer weiter zu entwickeln und zu verbessern.‘