Als Al Pacino für die Hauptrolle des Michael Corleone in „Der Pate“ im Gespräch war, sträubte sich das Studio, ihn zu besetzen. Nicht nur, weil er ein relativ Unbekannter war (Paramount wollte Warren Beatty, Robert Redford oder Ryan O’Neal, je nachdem, wem man glaubt), sondern auch, weil Pacino so weit von ihrem traditionellen Bild eines großen Idols entfernt war. Der junge Method-Schauspieler, klein, glotzäugig und intensiv, hatte am Broadway und in dem 1971 gedrehten Film The Panic in Needle Park, einem kompromisslosen Blick auf die Heroinsucht, der Francis Ford Coppola aufgefallen war, Eindruck gemacht.

Aber die Produzenten waren nicht so sehr an Pacino interessiert. Er sah zu seltsam aus, war zu „blutarm“. Coppola kämpfte darum, ihn zu engagieren und sagte später: „Seine Intelligenz ist das, was mir zuerst aufgefallen ist … diese auffallende magnetische Qualität, diese schwelende Ausstrahlung.“ Der Rest ist natürlich Geschichte. Fast 50 Jahre nach dem Beginn seiner Hollywood-Karriere wird Pacino mit einer Retrospektive im New Yorker Quad Cinema gefeiert, die sich mit den Hits, den Flops und seiner Entwicklung vom glühenden Nachwuchstalent zum A-Listen-Star zur geliebten, oft verspotteten, überlebensgroßen Legende befasst.

Die Entwicklung von Pacinos Karriere ist ein faszinierendes Spiegelbild des Wachstums und der Rückschritte der Filmindustrie seit den 1970er Jahren, als die freilaufende New-Hollywood-Bewegung in den kommerziellen Mainstream eindrang und dann zu einer breiteren und mehr auf Blockbuster ausgerichteten Bewegung erstarrte. Pacino war ein erfolgreicher Star, ein abgewrackter Schinken, eine Koryphäe und eine lebende Pointe – und er arbeitet auch mit 77 Jahren immer noch. Die Durchsicht seiner gesamten Filmografie ist eine lohnende Reise durch die Höhen und Tiefen des amerikanischen Kinos; hier sind einige (kaum umfassende) Highlights von beiden Seiten.

Der Pate (1972)

Pacino knüpfte an seine unglaubliche Arbeit als Mafiaboss Michael Corleone in Der Pate Teil II von 1974 an, aber es gibt nicht viele Darstellungen im Hollywood-Kanon, die so fesselnd sind wie die, die er im ersten Film gab. Michaels Weg vom idealistischen Veteranen des Zweiten Weltkriegs zum hartherzigen Gangster ist der emotionale Kern von Coppolas Verbrechenssaga, und Pacino überzeugt, indem er nie vor Wut explodiert oder irgendetwas tut, um die Verwandlung offensichtlich zu machen. Michael dominiert jeden Raum, in dem er sich aufhält, indem er sehr wenig spricht und jedes Wort und jeden Befehl wie eine Waffe einsetzt.

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Es ist eine gigantische Leistung – er ist gleichzeitig beängstigend gottgleich und erkennbar menschlich – aber es ist eine, die Pacino außerhalb der anderen Godfathers nicht wirklich erfolgreich wiedergegeben hat. Mit dieser Rolle trug er dazu bei, ein dunkleres, innerlicheres männliches Ideal in Hollywood zu definieren, und hob sich damit von den WASP-Idolen ab, die er für die Rolle ausgeschlagen hatte. Zusammen mit seinen Method-Kollegen wie Robert De Niro und Dustin Hoffman war Pacino eine ganz andere Art von Star, und er baute seine kraftvolle Leinwandpersönlichkeit mit Filmen wie Sidney Lumets Serpico (1973) und Jerry Schatzbergs Scarecrow (1973) schnell aus und zementierte sie dann mit Der Pate Teil II.

Dog Day Afternoon (1975)

Wenn Der Pate auch Pacinos berühmteste Leistung bleibt (bei seiner Veröffentlichung war er der umsatzstärkste Film der Geschichte, vom Winde verweht), so ist seine Darstellung eines Amateur-Bankräubers in Sidney Lumets Dog Day Afternoon seine „Pacino“-Darstellung, die von nervöser Energie und verrückten Schreien geprägt ist. Die „Attica!“-Konfrontation (die aus dem Stegreif gesprochen wurde) ist jedoch ein Beispiel dafür, wie viel größer Pacino in seinen späteren Jahren werden würde. Er baut diesen Ausbruch langsam auf und lässt Sonny Wortziks Ängste wachsen, bis sie sich in Wut und Paranoia entladen. Er will das Publikum mit den Schwächen seiner Figur vertraut machen, weil er weiß, dass sich dadurch jede überraschende Wendung der Handlung natürlich anfühlt. Pacino, der 1971 praktisch unbekannt war, erhielt für Dog Day Afternoon seine vierte Oscar-Nominierung; von Needle Park bis zu diesem Film ist eine in der Geschichte Hollywoods beispiellose Reihe von schauspielerischen Leistungen zu verzeichnen.

Bobby Deerfield (1977)

Danach machte Pacino zwei Jahre Pause, bevor er sich mit einem anderen bedeutenden Regisseur (Sydney Pollack) für ein romantisches Drama zusammentat, das in der Welt des Rennsports angesiedelt war, an der Seite von Marthe Keller, mit der er damals zusammen war. Es war eine kolossale Bombe, ein seltsam gedämpftes Werk, das eigentlich nur sehr wenig mit dem Rennsport zu tun hatte und von den Kritikern als plumpe Nachahmung des zeitgenössischen europäischen Kunstkinos verspottet wurde. Deerfield ist interessant, wenn auch nur bedingt lohnend, wenn man ihn sich noch einmal anschaut (es ist einer der Flops, die nach Pacinos Meinung in die Retrospektive aufgenommen werden sollten), auch weil es eines der wenigen Male ist, in denen der Schauspieler der zugeknöpften Intensität von Michael Corleone nahe kommt. „Es war keine Performance, die auf einen zukommt, aber es war etwas Persönliches, und das zeigte sich“, sagte Pacino kürzlich über den Film, für den er Jahre brauchte, um ihn zu schätzen. „

Cruising (1980)

Bobby Deerfield kam im selben Jahr heraus, in dem Star Wars Hollywood im Sturm eroberte und das Zeitalter der Blockbuster richtig begann. Pacino, der in seinen frühen Jahren ein Arbeitstier war, wurde zu einer sporadischen Leinwandpräsenz, die ihm in den 1980er Jahren nur eine einzige Oscar-Nominierung einbrachte (für seinen rechtschaffen wütenden Verteidiger in Norman Jewisons …And Justice for All). Einige Filme, insbesondere William Friedkins Cruising, könnten ihn gerade deshalb angesprochen haben, weil sie für das Mainstream-Publikum so transgressiv und abstoßend waren. Hier war es Pacino, der trotzig einen Zickzackkurs einschlug, während Hollywood sich wieder auf Sci-Fi und Action-Epen konzentrierte.

Ein Drama über einen Undercover-Cop (Pacino), der sich auf der Jagd nach einem Serienmörder in die New Yorker Schwulen-Fetisch-Szene einschleust, ist schockierend explizit und manchmal zutiefst dumm; der Film wurde während der Produktion von Schwulen-Aktivisten ins Visier genommen und nach der Veröffentlichung allgemein als homophob verurteilt. Pacino sagte, es habe ihn gelehrt, die Bedeutung der Rollen, die er auswählte, besser zu verstehen: „Man muss wissen, was man repräsentiert und was man tut und wie es die Welt um einen herum beeinflusst. Ein bisschen muss man das wissen“, sagte er dieses Jahr der Village Voice. Bei nochmaliger Betrachtung wirkt Cruising eher unbeholfen als bösartig, ein fremder Blick in eine Welt, die selbst Friedkin kaum zu verstehen scheint. Aber Pacino wirkt im Film etwas verloren, reduziert auf einen teilnahmslosen Blick, während der Film nur die spärlichsten Hinweise auf die eigene Sexualität und den sich verändernden Geisteszustand seiner Figur gibt (es gibt eine Wendung am Ende, die verwirrenderweise andeutet, dass Pacino die ganze Zeit der Mörder gewesen sein könnte).

Scarface (1983)

Die 80er Jahre waren ruhig für Pacino (er drehte nur fünf Filme, darunter die großen Flops Cruising und Revolution), aber sie brachten ihm auch Scarface, das Gangsterepos von Brian De Palma, das als Kultklassiker für Generationen von College-Studenten und bekifften Teenagern Bestand hat. Vielleicht halte ich Scarface für zu kurz gegriffen, aber der Komiker John Mulaney hat sich einmal trefflich über die Vorstellung lustig gemacht, jemand würde sagen, seine Lieblingsfilme seien Der Pate und Scarface, als ob die beiden auch nur annähernd von ähnlichem Kaliber wären: „Ach ja? Nun, mein Lieblingsessen ist Hummer … und Skittles. Die sind in meinen Augen gleichwertig!“

Die Geschichte des Aufstiegs eines kubanischen Mafioso zur Macht und seines Sturzes in Ungnade, Scarface, ist ein Riesenspaß, aber es ist der definitive Beginn von Pacinos „Skittles“-Phase, einer Phase, in der keine Wahl zu unverschämt war, in der das Schreien direkt in die Kamera praktisch eine Selbstverständlichkeit war. Es ist der Pacino, der vielen jüngeren Zuschauern vertrauter ist. „Ich glaube, ich bin manchmal dorthin gegangen, weil ich mich selbst als Tenor sehe“, sagte Pacino. „Und ein Tenor muss ab und zu diese hohen Töne treffen. Auch wenn sie falsch sind. Ich sah diese Figur als überlebensgroß an, ich sah sie nicht als dreidimensional.“

Sea of Love (1989)

Nach einer vierjährigen Pause von der Leinwand kehrte Pacino mit Harold Beckers Thriller zum Ruhm zurück, in dem er einen Polizisten spielte, der einen Serienmörder jagt, der Menschen über Kontaktanzeigen ermordet. Pacino war pleite und sagte, er brauche das Geld, aber das Drehbuch des Schriftstellers Richard Price hatte es ihm angetan, und so entschied er sich für dieses besondere Projekt. Auch ich habe Sea of Love immer gemocht; es ist ein unaufdringlicher New Yorker Film mit einem echten Gefühl für die Upper West Side in den 1980er Jahren, ein Viertel, das noch von Block zu Block zwischen gehoben und gefährlich schwankte. Glücklicherweise dreht Pacino bei seiner großen Rückkehr auf die Leinwand nicht durch – sein Detektiv Frank Keller ist ein charmanter, aber wankelmütiger Versager, ein perfekter Noir-Held in einer soliden Genreübung. Damit war das Muster für die 1990er Jahre vorgegeben, die vollgestopft waren mit B-Movies wie Dick Tracy (1990), Carlito’s Way (1993), City Hall (1996) und The Devil’s Advocate (1997).

Glengarry Glen Ross (1992)

Carlito’s Way könnte die beste Pacino-Darstellung der 90er Jahre sein, da sie eine natürliche Weiterentwicklung seiner bombastischen Gangland-Helden früherer Jahrzehnte zu jemandem ist, der von den Exzessen der Ära erschöpft ist. Aber ich mag auch seine Nebenrolle in Glengarry Glen Ross, James Foleys Verfilmung des Theaterstücks von David Mamet, in der Pacino für seine Rolle als schnell sprechender Verkäufer Ricky Roma für den Oscar nominiert wurde: Es ist eine der wenigen Gelegenheiten, in denen Pacino sein Charisma wirklich ausspielen kann. Pacino sollte schließlich seinen Oscar gewinnen, allerdings für einen anderen Film aus dem Jahr 1992, Scent of a Woman, der den Höhepunkt seiner schauspielerischen Leistungen darstellt. Während es sich dabei um eine vollständig in die Kamera geschrieene Darstellung handelt, die von der ersten Minute an an Peinlichkeit grenzt, ist seine Arbeit in Glengarry weitaus subtiler und einprägsamer.

Heat (1995)

Wenn ich einen großspurigen Pacino will, wende ich mich an Michael Manns großartiges L.A.-Kriminalitätsepos, eine Geschichte von Cops und Räubern, die wie ein Kampf zwischen himmlischen Göttern wirkt. Der Hype vor der Veröffentlichung des Films drehte sich um die Vereinigung der 70er-Jahre-Ikonen Pacino (in der Rolle des LAPD-Lt. Vincent Hanna) und De Niro (als professioneller Dieb Neil McCauley), aber natürlich haben sie nur eine einzige gemeinsame Szene, ein Gespräch bei einem Kaffee, in dem sie als Gleichberechtigte auftreten und wieder verschwinden. De Niro ist in Heat ganz und gar verschlossen und cool, während Pacino seine Figur so spielt, als wäre er ständig high auf Kokain. Aber es ist einer dieser Filme, in denen der Tenor tatsächlich seine hohen Töne trifft, anstatt sie nur zu erreichen; Manns Filme haben schließlich eine symphonische Qualität, und Pacinos Bombast passt perfekt dazu.

Donnie Brasco (1997)

Obwohl in so vielen seiner Filme aus dieser Ära, darunter The Insider und Any Given Sunday (beide 1999), Pacino als Boss zu sehen ist, der seinen Kollegen Befehle ins Gesicht bellt, ist Mike Newells Donnie Brasco ein unterschätzter Eintrag in den Mafia-Filmkanon des Schauspielers. Als Mafia-Soldat Benjamin „Lefty“ Ruggiero spielt Pacino einen Mann der mittleren Führungsebene, der versucht, sich bei seinen Vorgesetzten beliebt zu machen, indem er sie mit dem Juwelendieb Donnie Brasco (Johnny Depp) bekannt macht. Obwohl Depp die Hauptrolle spielt, gibt Pacino in Donnie Brasco ein melancholisches Gefühl dafür, wie die Zeit vergeht und wie alte, erfahrene Schauspieler wie er von jüngeren Stars überholt werden.

Insomnia (2002)

Dieses tragische Gefühl, dass die Zeit vergeht, bleibt auch in Christopher Nolans großartigem hartgesottenen Detektivthriller bestehen, der so wirkt, als folge er Pacinos Figur aus Heat, nur Jahrzehnte nach seinen besten Tagen als Polizist. Will Dormer ist ein verblasster Star-Ermittler, der nach Alaska geschickt wird, um einen ungewöhnlichen Mordfall zu bearbeiten. Er erschießt versehentlich seinen Partner und wird dann in ein Katz-und-Maus-Spiel mit dem Mörder hineingezogen, den er jagt (gespielt von einem eiskalten Robin Williams). Hier zeigt sich Pacino in den 2000er Jahren von seiner besten Seite und spielt eine Figur, die in der endlosen Sonne Nordalaskas (der Film spielt im Sommer, wenn es immer hell ist) immer müder wird, bis er sich nur noch nach Schlaf sehnt. Es ist eine der seltenen Darbietungen, die Pacinos eigenen schwindenden Ruhm ausnutzt, indem er seinen Ruhm ausspielt und gleichzeitig zugibt, dass er mit einer erschöpften Trickkiste arbeitet.

Angels in America (2003)

Im 21. Jahrhundert wurden viele von Pacinos denkwürdigsten Auftritten im Fernsehen gegeben, alle für HBO, wobei er oft kontroverse Figuren der jüngeren amerikanischen Geschichte wie Jack Kevorkian, Phil Spector und Joe Paterno (in dem kommenden Barry Levinson-Film Paterno, der am 7. April ausgestrahlt wird) spielte. Die bei weitem beste Rolle war die des Roy Cohn in Mike Nichols‘ Miniserie nach Tony Kushners Angels in America. Es ist ein übergroßer Pacino, um sicher zu sein, aber Cohns Monologe in diesem Stück persiflieren auf brillante Weise das zügellose amerikanische Id, ein ideales Thema für Pacino, um seine Zähne darin zu versenken.

Jack and Jill (2011)

Und was wäre ein besserer Kontrapunkt zu Angels in America als Pacinos bizarre Nebenrolle als er selbst in Dennis Dugans Jack and Jill, einer unzüchtigen Familienkomödie, in der Adam Sandler sowohl einen entspannten Werbefachmann aus L.A., Jack, als auch seine Zwillingsschwester Jill, eine freche Jüdin aus der Bronx, spielt. Pacino verliebt sich in Jill und versucht, sie mit immer dreisteren Taktiken zu umwerben. Schließlich verkleidet er sich als Don Quijote und singt „The Impossible Dream“ aus Der Mann von La Mancha; es gibt auch eine Sequenz, in der er einen Werbeslogan von Dunkin‘ Donuts rappt. Der Film behandelt Pacino ehrfürchtig, aber der Schauspieler scheut sich nicht, sein eigenes Getöse als Pointe zu verwenden.

Für alle Höhen und Tiefen seiner Karriere hat sich Pacino ein unglaubliches Selbstbewusstsein bewahrt, das für solche Ikonen ungewöhnlich ist, wie die nachdenklichen Interviews zeigen, die er im Zusammenhang mit der Quad-Retrospektive gegeben hat. Er ist heute noch genauso ungewöhnlich wie damals, als er in die Branche eintrat, und er hat sich nie gescheut, seine Unsicherheiten durch eine Darbietung zu offenbaren. Während New Hollywood zu einem eher traditionellen, von Stars und Studios gesteuerten System versteinert ist, hat Pacino seine Unabhängigkeit bewahrt und neue, herausfordernde Projekte verfolgt. In diesem Jahr arbeitet er zum ersten Mal mit Martin Scorsese zusammen, in dem kommenden Netflix-Drama The Irishman. Eine weitere kühne neue Ära für Pacino könnte uns also bevorstehen.