De când oamenii s-au târât pe suprafața pământului, am fost fascinați de artă și mișcare. Desenele timpurii din peșteri arată că până și omul primitiv încerca să dea iluzia mișcării prin poziționarea membrelor pe schițele lor de animale.

Avansând până în anii 1800 și chiar înainte de inventarea camerei de filmat, Edward Muybridge folosea fotografii făcute secvențial pentru a ajuta la studierea mișcării oamenilor și animalelor, imagini care sunt încă frecvent folosite până în ziua de azi.

Îmbunătățiți-vă abilitățile

În zilele noastre suntem înconjurați de animație sub o formă sau alta, fie că este vorba de film, televiziune sau metode mai tradiționale. Așadar, cu animația care ne înconjoară, cum poți, ca animator, să ieși în evidență din mulțime și să îți îmbunătățești propriile abilități?

Ceea ce urmează sunt 15 sfaturi pentru a-ți îmbunătăți animația personajelor. Deși unele dintre acestea vizează animația 3D, majoritatea pot fi aplicate și la alte genuri mai fizice.

Observați personajele din viața reală

Suflarea vieții într-un obiect cândva inanimat poate părea o sarcină simplă, dar sunt acele nuanțe subtile care pot ajuta la reprezentarea emoțiilor și pot da un adevărat sentiment de gândire și considerație în spatele fiecărei mișcări.

Observarea oamenilor, modul în care interacționează, modul în care se exprimă și chiar modul în care se deplasează este esențial pentru a vă ajuta să obțineți o bună înțelegere, nu numai a mișcării, ci și a sincronizării și a greutății. De ce să nu vă faceți timp să ieșiți afară, să vă luați o cafea și să observați lumea din jurul vostru? (Nu săriți peste muncă – este vorba de cercetare!)

Studiați psihologia mișcării

Pentru a imita cu adevărat pe cineva trebuie mai întâi să-i înțelegeți mișcările, nu doar procesul de mișcare, ci și în intenție. Nu vă sugerez să lăsați totul baltă și să vă înscrieți la universitatea locală, dar, în schimb, faceți puțină cercetare.

Toate lucrurile pe care le facem au un scop, iar modul în care ne așezăm și ne ținem poate spune multe. Înțelegerea proceselor de gândire din spatele motivelor pentru care facem ceea ce facem și când, vă va ajuta să împărtășiți acest lucru prin animația dvs.

Căutați referințe din lumea reală

Când animați fața, este esențial să aveți ceva solid la care să vă referiți. Atunci când lucrați cu artiști voiceover, majoritatea studiourilor de animație de top îi vor înregistra în timp ce stabilesc sunetul pentru personajele lor. Această înregistrare video este apoi transmisă unui animator pentru a se referi la ea în timp ce lucrează, permițându-i să capteze expresiile actorilor în timp ce vorbesc și emoționează.

Dacă acest lucru nu este o opțiune, atunci de ce să nu vă folosiți propria față ca referință? Luați o oglindă și repetați cuvintele, sau chiar și doar recreați expresiile cheie pentru a vă oferi un bun punct de plecare de la care să lucrați.

Filmați-vă singur

Niciodată nu veți putea simți bine modul în care ar trebui să se desfășoare o anumită animație stând la un birou, iar referințele online vă pot ajuta doar până la un anumit punct. Pentru a înțelege cum și de ce un personaj ar trebui să se miște așa cum o face, de ce să nu vă înregistrați executând acea acțiune?

Toți avem acces la camere video în zilele noastre, de fapt majoritatea dintre noi le avem în buzunar. Așa că, în loc să vă folosiți telefoanele doar pentru selfie-uri și Facebook, de ce să nu vă ridicați de pe scaun și să vă înregistrați în acțiune?

Realizați voi înșivă scena și, indiferent cât de dură și jenantă ar putea părea, această înregistrare vă va oferi o bază de pornire esențială pe care să lucrați apoi. Având posibilitatea de a pune pauză, de a derula înapoi și de a o revedea cu încetinitorul, vă asigurați că veți surprinde toate subtilitățile care altfel ar fi ratate.

Păstrați-vă echipamentul simplu

Animarea cu succes în 3D nu se reduce doar la talentul animatorului. Cea mai mare parte din ceea ce pot realiza se bazează foarte mult pe rig-ul pe care îl folosesc. Un sistem rapid și generic vă va oferi principalele instrumente pe care să le folosiți, dar pentru a da personajului dvs. acel avantaj, rig-ul trebuie să fie adaptat la nevoile specifice ale animatorului.

Un rig neprofesionist poate, de asemenea, să adauge la volumul de muncă al animatorului. Dacă o mare parte din mecanismele și sistemele care stau la bază sunt ușor accesibile, acestea ar putea fi modificate din greșeală, rezultând un rig stricat.

Cele mai bune rig-uri sunt cele care îl lasă pe animator să anime. Aceștia pur și simplu iau personajul și îl mișcă de colo-colo, fără sisteme complicate cu care să se confrunte, sau drumuri constante la artistul tehnic pentru că falca se află brusc în cealaltă parte a scenei și nu știu de ce.

Formați mai întâi posturile cheie

Vederea unei grămezi de poligoane sau lut care dintr-o dată prinde viață și arată emoție este cu adevărat plină de satisfacții, dar asta nu înseamnă că trebuie să vă grăbiți înainte și să vă concentrați pe fiecare postură în detaliu, rafinând-o înainte de a trece la următoarea. Lucrând la câte o zonă mică la un moment dat va însemna că nu vedeți imaginea de ansamblu și acest lucru poate duce la faptul că secvența nu va fi atât de fluidă sau naturală pe cât ar trebui să fie.

Să urmați un sistem de stratificare vă asigură că nu pierdeți timp prețios. Primul strat ar trebui să fie poze rapide la anumite cadre, pentru a avea o idee despre sincronizare. Apoi, odată ce le-ați prins pe acelea, puteți trece și repeta procesul, adăugând din ce în ce mai multe detalii cu fiecare nouă trecere.

Conduceți cu ochii

Dacă urmăriți oamenii în timp ce își duc viața de zi cu zi (nu într-un mod de tip stalker, ci doar în treacăt), veți observa că, cu fiecare mișcare intenționată, vine o secvență specifică.

Primii ochii se deplasează acolo unde vor să ajungă, apoi urmează capul și apoi gâtul. Acest lucru continuă în josul corpului până când, în cele din urmă, se deplasează acolo unde le-a fost atrasă atenția.

Ochii sunt ceea ce ne atrage cel mai mult atunci când ne uităm la cineva și, în cele mai multe cazuri, ei sunt, de asemenea, primul lucru care se mișcă înaintea restului corpului.

Studiază efectele gravitației

Gravitația afectează totul, cu excepția cazului în care ești în spațiu. Pe măsură ce îmbătrânim, suntem într-o luptă constantă pentru a ne menține în poziție verticală, ceea ce nu este niciodată mai vizibil decât prin bucățile noastre slăbite și șubrede. Este această atracție gravitațională, combinată cu propria noastră masă fizică, care este crucială pentru a fi captată în fiecare mișcare.

Mersul pe jos, de exemplu, este o mișcare simplă – dar mare parte din modul în care ne mișcăm este dictat de propria noastră constituție fizică. Dacă sunteți înalt și subțire, atunci s-ar putea să fiți mai ușor în picioare, în timp ce cineva cu o siluetă mai plină va avea o cădere a piciorului mai grea, cu talia mai adâncită pe măsură ce încearcă apoi să-și ridice partea superioară a corpului.

Acesta poate părea un sfat evident, dar este unul important. Nu uitați să dați greutate animației dumneavoastră.

Cronometrați mișcările personajului dumneavoastră

Lumea este guvernată de timp. Chiar dacă zilele noastre sunt diferite, cu toții ne mișcăm după sunetul aceluiași ceas. În ceea ce privește animația, acest timp este sub controlul dumneavoastră. Cu toate acestea, folosiți-l în mod iresponsabil și rezultatele pot fi greu de citit și sfârșesc prin a da spectatorului o impresie greșită.

Mișcările mai fericite și mai vesele sunt de obicei rapide și ascuțite; acesta este motivul pentru care funcționează bine în desenele animate. Ele pot ajuta, de asemenea, să adauge exagerare unei mișcări și, de asemenea, să adauge accent atunci când eroul se retrage încet pentru a potența pumnul, care se termină într-o clipă.

Mișcările mai lente pot însemna opusul și sunt adesea folosite pentru a arăta că personajul se simte deprimat sau supărat.

Păstrează-ți personajul echilibrat

Unul dintre primele lucruri pe care le învățăm când suntem copii este cum să ne urcăm în picioare și să facem primii pași. Pentru a face acest lucru nu este un lucru ușor, deoarece este nevoie de forță și, cel mai important, de echilibru. Cu fiecare pas înveți să îți schimbi centrul de greutate pentru a te asigura că nu cazi. Centrul de greutate este un element important de adus și în animație.

Încercați să stați în picioare cu picioarele depărtate și ridicați piciorul drept de pe podea, dar faceți acest lucru păstrând talia nemișcată. Este dificil să rezistați impulsului de a vă mișca talia peste piciorul stâng, pentru a vă împiedica să cădeți.

Când faceți acest lucru, vă deplasați centrul de greutate pentru a vă menține echilibrul. Și, bineînțeles, dacă trebuie să o faci în viața reală, va trebui să te asiguri că și personajele tale o fac.

Reciclați animațiile de bază

Acest sfat special funcționează cu adevărat doar atunci când animați în lumea virtuală, dar este important să salvați animațiile de bază și să păstrați un stoc sănătos de animații la îndemână.

Chiar dacă este un ciclu de bază de mers sau de alergare, îl puteți aduce într-o scenă atunci când lucrați la un nou personaj și vă puteți da un avans.

După ce aveți această mișcare de bază aplicată, cu toate ipostazele principale și cadrele cheie la locul lor, puteți apoi să vă dedicați mai mult timp pentru a ajusta sincronizarea, greutatea și stilul pentru a se potrivi cu personalitatea acelui personaj particular.

Utilizați un model de bază

Manipularea unui model de înaltă rezoluție în viewport poate sfârși prin a vă suprasolicita sistemul, în special atunci când modelul trebuie să se deformeze și să se miște cu un schelet sau cu alte deformatoare complexe. Acest lucru este mai vizibil atunci când încercați să redați animația în timp real și descoperiți că vedeți doar fiecare al zecelea cadru.

Când lucrați cu mișcarea generală a personajului, ascundeți modelul de înaltă rezoluție și, în schimb, animați cu un model proxy mult mai simplu.

Aceasta ar putea fi o versiune redusă a personajului, sau chiar câteva cutii scalate pentru a se potrivi vag proporțiilor, dar această versiune vă va permite să lucrați în mod fluid la principalele zone de mișcare înainte de a readuce apoi modelul cu detalii înalte pentru lucrul la detaliile mai fine.

Anticipare, acțiune, reacție

Când descompuneți fiecare mișcare majoră, aceasta poate fi împărțită în trei zone principale – Anticipare, Acțiune și Reacție. Dacă luăm ca exemplu o simplă săritură, personajul se apleacă mai întâi pentru a acumula putere, aceasta este Anticiparea. Saltul în sine este Acțiunea, iar apoi aterizarea, cu impulsul care îi împinge înainte, este Reacția.

Acest principiu funcționează cu multe mișcări, cum ar fi aruncarea unui pumn sau lovirea unei bâte. Poate fi, de asemenea, folosit la animația facială și chiar exagerat pentru un efect mai comic.

Offset your keys

Realizarea fluxului natural al unui element care se târăște în spatele personajului dumneavoastră, cum ar fi o coadă, poate fi dificilă. Rădăcina rămâne fixată pe bazin, dar mișcarea trebuie apoi să urmeze până la vârf ca un val.

O modalitate rapidă de a realiza această mișcare este de a anima baza, iar apoi de a copia această animație la restul articulațiilor. Inițial, acest lucru le va da tuturor aceeași acțiune, dar apoi puteți intra și edita cadrele cheie de pe fiecare articulație, deplasându-le înainte cu un cadru sau două.

Acest lucru, în esență, întârzie acea acțiune inițială pe articulațiile superioare, oferindu-vă mișcarea asemănătoare unui val.

Nu formați fiecare literă în vorbire

Când animați fața și, în special, gura, este o idee bună să încercați să nu includeți fiecare literă a cuvântului pe care îl spune personajul. Acest lucru poate face ca gura să se miște prea repede și, adesea, să dea un aspect neregulat.

Dacă observați oamenii în timp ce vorbesc, veți vedea că buzele lor nu formează fizic fiecare literă, în schimb, ceea ce obțineți este o mișcare mai generală și organică care curge prin propoziție.

Să luăm ca exemplu un simplu „Bună ziua”. Dacă rostiți acest salut în timp ce vă uitați în oglindă, veți vedea că buzele voastre formează mai mult un H-E-O, cu limba făcând o scurtă apariție pentru a face sunetul L.

Mai multe de la Ant la Vertex

Ant Ward va fi la Vertex pentru a răspunde la întrebările voastre, ca parte a secțiunii noastre „Întrebați un artist”. Aceste sesiuni sunt o oportunitate fantastică de a discuta individual cu un artist veteran, care vă poate ajuta să depășiți un blocaj în munca dumneavoastră sau să discutați despre o zonă problematică.

Ant este un artist cu o experiență uriașă în multe domenii ale CG. El a fost un obișnuit al paginilor 3D World timp de mulți ani și a scris numeroase tutoriale, precum și a făcut parte din echipa noastră de experți în întrebări și răspunsuri.

Pentru a rezerva un bilet pentru Vertex 2018, accesați site-ul Vertex, unde veți găsi informații despre toate activitățile zilei, de la discursurile principale la discuțiile de grup și târgul de recrutare.

• Etica oamenilor digitali
• Mocap-ul din spatele lui Steppenwolf din Justice League
• Scott Ross va vorbi la Vertex