African rock art
A arte rupestre é a prática de gravar, desenhar ou pintar imagens em superfícies rochosas imóveis, e é uma das mais antigas formas materiais de expressão humana no mundo, datando de há 30.000 anos na África.
Os investigadores de arte rupestre debatem-se com questões sobre o significado da arte rupestre, que histórias as imagens contam e como podemos interpretá-las e compreendê-las. Em alguns casos, o significado por trás dessas imagens enigmáticas é difícil de interpretar, mas às vezes elas transmitem narrativas e mensagens claras sobre a vida social das pessoas.
A imagem abaixo vem das montanhas Acacus na Líbia e mostra um momento íntimo entre duas pessoas, um indivíduo com um penteado ornamentado lavando ou cuidando do cabelo de outro. É parte de uma cena maior interpretada como preparação para um casamento. Esta imagem belamente pintada retrata um momento pessoal e familiar que ressoa.
Outro exemplo do Game Pass Shelter nas Montanhas Drakensberg, África do Sul, retrata um antílope eland com o rosto voltado para o espectador, representado como se estivesse tropeçando para a frente. Agarrando a cauda do elande está um antílope (uma figura mitológica parcialmente humana, parcialmente animal).
Durante muitos anos esta imagem foi difícil de interpretar até que o pesquisador de arte rupestre David Lewis-Williams usou as narrativas orais do povo San|Bushman da África Austral para dar sentido à imagem. Em vez de serem simplesmente ilustrativas, as imagens de elandes e therianthropes transmitem histórias metafóricas sobre os xamãs interagindo com o mundo espiritual.
Você pode descobrir mais arte rupestre africana através do nosso grande projeto de pesquisa aqui.
Alívio de palácios assírios
A Assíria Antiga era uma das grandes civilizações do mundo antigo, cujo coração estava localizado na região norte do atual Iraque.
Os reis assírios construídos numa escala pródiga. Ashurnasirpal II (883-859 AC) foi o primeiro rei assírio a decorar extensivamente o seu palácio com painéis de pedra esculpida.
A maioria representa figuras mágicas de proteção, tais como gênios alados, que protegiam o rei de forças sobrenaturais nocivas. Algumas salas palacianas também foram decoradas com cenas narrativas. Os temas principais incluem a caça real, campanhas militares e rituais de estado. Os painéis das paredes foram pintados com cores vibrantes, mas poucos vestígios de pigmento sobrevivem hoje em dia.
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As cenas narrativas retratadas nas esculturas do palácio de Ashurnasirpal transmitem a base política e ideológica do império assírio. Como o divinamente nomeado protetor da Assíria, era dever do rei manter a ordem no mundo, derrotando as forças do caos. Ashurnasirpal mostra a sua capacidade de proteger o reino matando animais perigosos e derrotando os inimigos da Assíria.
Os painéis de parede são tipicamente divididos em registos, como uma banda desenhada moderna, que pode ser lida da esquerda para a direita, ou da direita para a esquerda. Eventos que ocorreram em diferentes momentos no tempo são frequentemente representados dentro do mesmo espaço narrativo para que o espectador possa acompanhar cada etapa da história na ordem certa.
Espelho de bronze chinês
Na China, cenas narrativas com figuras históricas começaram a ser usadas da dinastia Han (202-220 a.C.) para decoração em espelhos. Com quatro grupos de figuras, este espelho conta a história de um episódio decisivo durante os anos de guerra épica entre dois estados poderosos do sudeste da China – Wu e Yue, no período entre 770-476 a.C.
A figura à esquerda que parece estar em profundo pesar e indignação (com os seus olhos e boca bem abertos e barba voadora) é Wu Zixu, um heróico general do estado de Wu. Ele é mostrado segurando uma lâmina cometendo suicídio e o motivo é revelado nos outros três quartos do espelho.
Após anos de conflito, o rei do estado Yue e sua ministra (as duas figuras à esquerda de Wu Zixu) têm uma idéia para comprometer o estado Wu, enviando lindas mulheres para o rei de Wu. As belas Yue foram aceitas pelo rei Wu, que se senta em seu trono flanqueado e apoiado com painéis finamente decorados, enquanto aperta suas mãos para recusar o conselho de Wu Zixu de rejeitar as Yue. Enquanto Wu Zixu protesta, ele recebeu uma espada do rei Wu e foi ordenado a cometer suicídio por ofender seu rei.
A morte terrível deste leal general também sinaliza o destino inevitável do estado Wu. Com seu rei e outros cargos sendo corrompidos, o estado foi finalmente anexado pelo Yue em 473 AC, apenas nove anos após a morte de Wu Zixu.
Painel de calcário esculpido do Grande Santuário de Amaravati
Entre as obras mais importantes da literatura budista antiga estão as histórias de 550 vidas anteriores do Buda, conhecidas como jātakas.
Nessas histórias, o Buda toma várias formas como reis abnegados, filhos obedientes e em alguns casos animais como elefantes, macacos e cabras. Com paralelos às fábulas de Ésopo, o jātakas ofereceu orientação moral às massas, enquanto ilustrava os ensinamentos budistas de forma convincente e dramática. O culminar do jātakas foi a existência final do Buda como Príncipe Siddhartha Gautama, que precedeu a sua eventual iluminação.
Um exemplo da final do Buda jātaka é um painel de calcário esculpido do Grande Santuário de Amaravati, que foi um dos mais antigos, maiores e mais importantes monumentos budistas da Índia antiga, fundado por volta de 200 a.C. no que é hoje o estado de Andhra Pradesh, no sudeste da Índia.
O painel data do primeiro século AD, quando as representações do Buda permaneceram ‘anicônicas’ (não retratáveis na forma humana). Apresenta uma narrativa da sua concepção e nascimento com cenas ou ‘células’ que podem ser lidas como uma banda desenhada de cima-direita a baixo-esquerda.
A primeira cena no canto superior direito retrata a mãe de Buda, a rainha Māyā, sonhando felizmente com um elefante branco a entrar do seu lado, representando a concepção de Buda. Ao ouvir isso, o rei exige que o sonho seja interpretado pelo sábio da corte, que prevê que a criança crescerá ou para se tornar um grande imperador ou um grande líder espiritual. Isto pode ser visto na cela do alto-esquerda.
Movendo-se cronologicamente para a inferior-direita, o Príncipe Sidarta; o futuro Buda, nasce imaculadamente do lado da Rainha Māyā enquanto ela segura o ramo de uma árvore, na presença dos quatro Dikpāla (figuras guardiãs) que seguram cada um um um pano sobre o qual podem ser vistas as minúsculas pegadas – uma representação anicónica subtil mas clara dos primeiros passos de Buda. (As minúsculas pegadas do Buda são visíveis apenas quando vistas de muito perto, portanto tente encontrá-las na próxima visita ao Museu).)
Na cena final, na parte inferior esquerda, o pano é apresentado pela rainha Māyā a uma divindade tutelar que lhe presta homenagem com o gesto de Anjali Mudra, com a cabeça curvada reverencialmente com as palmas das mãos pressionadas em respeito.
Caixão mostrando o ciclo da Paixão
Estes quatro painéis de marfim outrora formaram os lados de uma caixa quadrada, provavelmente feita em Roma na primeira metade do século V d.C. Uma história condensada de sete acontecimentos separados desdobrados na sua superfície. Cada placa fazia parte de um ciclo de Paixão, centrado nos últimos dias de Cristo.
A narrativa começa com Pilatos lavando as mãos (em cima à esquerda) e culmina com a aparição de Cristo aos discípulos após a Ressurreição (em baixo à direita). Jesus é o protagonista de cada cena. Ao girar a caixa, o cenário mudaria quase como um filme rodado. Cristo seria visto primeiro carregando a cruz, depois pendurado nela. Depois disso, o tom da narrativa se altera à medida que as composições se tornam mais simples. Vemos mulheres diante do túmulo vazio de Jesus e depois apóstolos rodeando Jesus na Incredulidade de Tomé.
Relatação artística permitiu que a história fosse enriquecida com significados adicionais. Colocadas nas bordas opostas da caixa, as imagens formavam ecos visuais e referências – as ações do discípulo Tomé, pronto para colocar seus dedos nas feridas de Cristo, replicam as de Longino perfurando as costelas de Jesus na Crucificação. Nesta última cena, Cristo é retratado vivo e com os olhos bem abertos, enquanto a figura de Judas está pendurada sem vida em uma árvore. A própria árvore forma um paralelo visual com as barras de madeira da cruz representada. Esta atenção aos detalhes permite aos espectadores ainda hoje experimentarem de novo os bem conhecidos relatos dos Evangelhos.
lintéis de Yaxchilan
Estas esculturas em relevo, conhecidas como os lintéis de Yaxchilan, são do antigo sítio Maia de Yaxchilán, no sudoeste do México. As esculturas foram colocadas acima das portas que levavam a um único espaço em um edifício da corte. Elas contam uma pequena história sobre Lady K’abal Xook, que foi uma líder na comunidade Maia no século 7-8 dC.
O primeiro lintel mostra a Lady Xook a puxar uma corda enfiada na língua e o seu sangue a cair numa tigela de casca de papel forrada pelos joelhos como parte de um ritual de derramamento de sangue. O parceiro de Lady Xook, Iztaamnaj B’ahlam, está perto com uma tocha. A sangria era um ritual comum entre as elites maias para honrar os deuses. Os glifos (escritos) gravados na imagem dizem-nos que esta cena teve lugar em 709 d.C.
A próxima lintel mostra o resultado da queima do papel embebido em sangue. Uma serpente cresce da fumaça e Lady Xook se comunica com um ancestral, talvez como parte de uma visão. No entanto, apesar de parecer seguir a história da escultura da lintel anterior, esta visão é datada do passado, até 681 d.C. O último lintel mostra a Senhora Xook a entregar ao seu parceiro um capacete de onça-pintada, simbolizando o seu endossado dirigente. A cena data de 724.
A um público contemporâneo não-Maio, esta sequência parecerá desconhecida. No entanto, a sua peça a tempo nesta narrativa é comovente. As sequências recordam-nos o poder de um gesto repetido e a intemporalidade de histórias culturais importantes. O artista que concebeu esta narrativa fez as obras com um sentido do papel que os antepassados desempenham na nossa experiência do presente e da nossa imaginação do futuro.
Bayeux Tapestry
A Bayeux Tapestry é uma das obras-primas da arte medieval mais imediatamente reconhecidas e uma importante fonte histórica para a Conquista Normanda da Inglaterra em 1066, mas também não é uma tapeçaria ou (com toda a probabilidade) foi feita em Bayeux!
É de facto um trabalho de bordado, construído com fios de lã de diferentes cores cosidos em oito tiras de linho. É incerto onde foi feita a Tapeçaria Bayeux, mas pode ter sido encomendada pelo meio-irmão de Guilherme da Normandia, Bispo Odo de Bayeux, para a consagração da sua catedral em 1077. Era conhecida por estar em Bayeux em 1476, embora esquecida da história até a sua redescoberta nos anos 1690. Por causa dos paralelos com os últimos manuscritos anglo-saxões da Cantuária, pensa-se que o bordado foi feito lá.
O bordado, se desenhado por homens normandos, é provável que tenha sido trabalhado por mulheres anglo-saxónicas. Conta a história da Conquista Normanda de cerca de 1064 – quando Haroldo vai em expedição ao norte da França, juntando-se a Guilherme numa campanha militar contra um lorde rebelde bretão. Depois retrata como Haroldo reivindica a coroa em 1066, levando o seu exército a uma sangrenta derrota no local agora conhecido como Batalha. Embora às vezes visto como uma obra de propaganda normanda, é bastante imparcial – talvez refletindo uma época em que os normandos esperavam integrar-se com seus inimigos anglo-saxões.
O estilo cartoon-esque da Tapeçaria Bayeux ressoa com o espectador moderno. Embora suas representações pareçam ingênuas, ela conta uma história viva e divertida – com cenas de sexo, sangue e sangue. Não admira que tenha sido imitado por cartunistas na história recente, especialmente por satiristas políticos. Com quase mil anos, é tão afiada hoje como era então.
A Tapeçaria Bayeux não está na colecção do Museu Britânico, mas o Museu tem uma série de moldes dos bordados. Você pode saber mais sobre a Tapeçaria Bayeux aqui.
Rolo de mãos japonesas
Muitas pessoas estão familiarizadas com a manga moderna, mas a forma de arte – com as suas linhas e imagens expressivas – é muito mais antiga do que você possa pensar. As raízes do mangá podem ser rastreadas até quase mil anos atrás, até os rolos de mãos japoneses pintados.
No ano 1200 d.C., um artista humorístico e anónimo produziu um conjunto de rolos de mão pintados que mostram coelhos e macacos a banhar-se num rio, rãs e coelhos a lutar, e outras cenas onde os animais se comportam como humanos. Conhecido como “Handscrolls of Frolicking Animals” (Chōjū giga), este trabalho é considerado por alguns como a base da manga moderna. O Conto dos Macacos feito no final dos anos 1500 mostra macacos agindo em situações humanas sérias e cômicas. Inclui exemplos iniciais de bolhas de expressão (fukidashi), e outras técnicas essenciais ao mangá moderno – figuras que aparecem várias vezes dentro de uma única ilustração, um forte senso de progressão visual, detalhes engraçados dentro de uma cena maior, e o domínio da ação visual sobre o texto.
Descubra mais sobre arte narrativa na exposição Mangá do Citi, até 26 de agosto.
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