A música Ambient é descrita na Wikipédia como “um género de música que enfatiza o tom e a atmosfera sobre a estrutura ou ritmo musical tradicional”. A música foi popularizada e nomeada por Brian Eno a partir dos anos 70 com álbuns como Discreet Music and Ambient 1: Music for Airports.

Eno incluiu um ensaio intitulado “Ambient Music” no verso do seu livro A Year With Swollen Appendicies no qual descreve o evento que o inspirou a gravar Discreet Music. Depois de um acidente, Eno foi imobilizado numa cama de hospital onde um amigo lhe trouxe um disco de música de harpa do século XVII.

“Pedi-lhe que o pusesse à saída, o que ela fez, mas só depois de se ter ido embora é que percebi que o hi-fi estava demasiado calmo e que um dos altifalantes tinha desistido de qualquer forma. Estava chovendo muito lá fora, e eu mal podia ouvir a música acima da chuva – apenas as notas mais altas, como pequenos cristais, icebergs sônicos saindo da tempestade. Eu não conseguia me levantar e mudar isso, então fiquei ali deitado esperando que meu próximo visitante viesse e resolvesse o problema, e gradualmente fui seduzido por essa experiência de audição. Percebi que isto era o que eu queria que a música fosse – um lugar, um sentimento, uma tonalidade envolvente para o meu ambiente sonoro”. – Brian Eno, “Ambient Music” de A Year With Swollen Appendicies

Shortly after, Eno lançou Discreet Music, que ele descreve como “realmente o primeiro disco Ambient”, embora não tenha sido até 1978 Ambient 1: Music for Airports que Eno realmente usou a palavra “ambient” para descrever a música. Hoje, “ambient” é usado para descrever não só grande parte do trabalho de Eno, mas todo um gênero originário de antes de Eno ter cunhado o termo para música lançada por outros artistas contemporâneos.

Embora Brian Eno sozinho não possa ser creditado com a criação do gênero (mesmo que ele o tenha nomeado), ele é talvez o pioneiro mais significativo do gênero. Como tal, as suas contribuições para o género merecem uma atenção especial. Especificamente, um exame dos métodos que Eno usou para criar registros ambientais leva a uma importante revelação sobre a música.

Além de seu trabalho com música ambiente, Brian Eno influenciou significativamente a cena artística generativa, especialmente a música generativa. Tenho uma explicação completa da música generativa disponível, mas a breve definição é “música criada por um sistema que não termina nem se repete”. Embora Eno não tenha usado este termo até cerca de 1995, ele descreve técnicas que ele vinha usando já nos anos 70.

Em um ensaio intitulado “Generative Music” também de A Year With Swollen Appendices, Eno lista vários álbuns nos quais ele usou técnicas generativas: Discreet Music (1975), Ambient 1: Music for Airports (1978), Ambient 4: On Land (1982), Thursday Afternoon (1985), e Neroli (1993). Se o ensaio fosse escrito hoje e não em 1995, esta lista provavelmente também incluiria Reflection (2017), e Music for Installations (2018).

Para aqueles que conhecem a discografia de Eno, há uma semelhança notável entre estes álbuns: todos eles são ambientes. Na verdade, todos os discos de ambiente do Eno parecem ser generativos. E não, eu não esqueci o LUX de 2012; de acordo com Mother Jones, Eno não usa “ambient” para descrevê-lo, e mesmo assim, eu estou bastante confiante que técnicas generativas foram usadas no LUX de qualquer forma.

É possível que o uso de sistemas musicais infinitos seja o método de escolha do Eno para a gravação de álbuns ambientais. No entanto, eu acredito que há um significado maior. Considere que o Reflection de 2017 foi lançado simultaneamente como um álbum tradicional e um aplicativo iOS. O aplicativo é na verdade o mesmo sistema generativo que o Eno gravou para criar o álbum, lançado para o público. Isso significa que qualquer pessoa que possua o aplicativo pode simplesmente ligar o sistema para ouvir um suprimento infinito de música estilo Reflection. Em 1995, Eno indicou que vender sistemas generativos como o aplicativo Reflection sempre foi seu verdadeiro desejo:

“Meus discos, no entanto, eram sempre gravações da saída de um ou outro desses sistemas: apesar de poder produzir música original para sempre, o que ia no disco era uma seção de 30 minutos de sua saída, que seria então idêntica a cada vez que você o tocasse. No entanto, o que eu sempre quis foi vender o próprio sistema, para que um ouvinte soubesse que a música era sempre única”. – Brian Eno, “Generative Music” em A Year With Swollen Appendices

Se o lançamento de sistemas generativos fosse viável antes de 2017, é provável que Eno o tivesse feito para todos os seus álbuns de ambiente, em vez de simplesmente lançar gravações da saída.

“Ambient”

Por que o lançamento de música ambiente como sistemas generativos é importante para Brian Eno quando tantos outros artistas de ambiente estão satisfeitos com o lançamento de álbuns gravados tradicionais? Em um pequeno post sobre Reflection em seu site, Eno oferece uma explicação (ênfase minha):

“Acho que não entendo mais o que significa – parece ter inchado para acomodar alguns companheiros de cama bastante inesperados – mas ainda a utilizo para distingui-la de peças musicais que têm duração fixa e elementos ligados ritmicamente, trancados entre si”

Para colocar de outra forma, a pessoa que cunhou o termo “música ambiente” só usa essa palavra para descrever obras que são generativas. Embora Eno tenha descrito seus próprios álbuns de duração fixa como ambient, podemos assumir que o que ele realmente quer dizer é que o sistema fonte é a verdadeira peça de música ambiente.

Pessoalmente, eu concordo com a definição de Eno. Eu acho que para a música ser verdadeiramente ambiente, ela também deve ser generativa. Só cheguei a esta conclusão quando comecei a fazer e ouvir sistemas musicais generativos.

Quando penso em que aspectos de um ambiente são considerados parte do ambiente, penso naqueles que persistem nos meus sentidos por muito tempo enquanto estou nesse ambiente. Como atualmente sento na minha sala digitando isso, o ambiente da sala consiste em:

• Vista: As cores das paredes, do chão, do tecto e dos móveis. A estética de coisas como o sofá, a mesa de café, e o suporte de TV. A luz do sol da manhã das janelas, e a luz das luminárias.
• Smell: O café da manhã que eu cozinhei e comi na cozinha próxima. A minha chávena de chá.
• Som: O sistema HVAC da minha casa a soprar ar através dos respiradouros. O toque do meu teclado. Os ventiladores de zumbido no meu laptop e outros eletrônicos. O vento a empurrar nas paredes da minha casa. Os pássaros a cantar lá fora. O carro ocasional a passar pelo parque próximo.
• Touch: A temperatura e humidade da sala.

Nada das coisas que considero parte do ambiente do meu ambiente muda muito rapidamente ou frequentemente; são constantes e persistentes. São qualidades gerais do ambiente que provavelmente durarão mais do que eu estarei aqui sentado digitando isto (exceto talvez o cheiro do meu chá, já que eu eventualmente beberei tudo), e estão presentes independentemente de eu estar aqui para observá-los.

Para que a música seja verdadeiramente ambiente, eu acredito que ela deve se comportar de forma similar a outros elementos que são considerados ambientes. Especificamente, ela deve mudar muito lentamente, se for o caso, e deve durar o tempo que um ouvinte quiser ouvir, a fim de se integrar com o ambiente. É claro que este último requisito é diferente de pessoa para pessoa e de lugar para lugar, e é precisamente por isso que é necessária música sem um comprimento fixo.

Música gravada tradicional deixa de fazer parte do ambiente assim que termina. Isto seria como se a luz do sol da minha janela desaparecesse de repente. Enquanto você poderia juntar uma lista de música sem fim, a frequência com que ela muda também evita que a música se torne parte do ambiente, como se a luz do sol mudasse abruptamente de cor a cada poucos minutos. Compare isto com a música generativa, que é única, capaz de ser “uma tonalidade de ambiente sonoro” durante tanto tempo quanto você gostaria de ouvir. Isso ficou claro para mim quando eu tocava música generativa no meu escritório, saía por várias horas enquanto a música tocava, e mais tarde voltava ao mesmo humor musical persistente. Não tenho certeza se esta experiência poderia ser adequadamente replicada com música não-generativa.

Eu adoro ouvir artistas não-generativos, chamados de “ambiente” e acho sua música extremamente inspiradora. Especificamente, coisas como a série de obras ambientais selecionadas de Aphex Twin, a série The Disintegration Loops de William Basinski, Chihei Hatakeyama, Andy Othling/Lowercase Noises, e muitas outras continuam a ocupar enormes quantidades do meu consumo musical. Eu não sou quase audacioso o suficiente para expressar julgamentos negativos sobre esta música simplesmente porque ela não é generativa, nem tenho nenhum. Não estou nem sugerindo que todos os outros estejam usando o termo “ambiente” errado, pois não é assim que a linguagem funciona. Para ser honesto, estou um pouco desligado pela obsessão de tentar rotular cada centímetro da música. No entanto, pessoalmente não acho que este tipo de música se encaixe na minha própria definição de “ambient”, que é realmente apenas indicativo do meu próprio contrarianismo teimoso.

Eu acho que a melhor maneira de ilustrar porque eu acredito que a música ambiente é necessariamente criada por um sistema generativo é comparar a música com papel de parede. Se você colocar papel de parede no seu quarto, ele permanecerá como parte do ambiente geral do quarto até que alguém decida retirá-lo ou cobri-lo; o papel de parede nunca desaparece sozinho. Sinto que a música ambiente deve ser do mesmo jeito, e acho que o cara que inventou o nome pode concordar. Apenas um sistema generativo pode proporcionar essa experiência.

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