Afrykańska sztuka naskalna

Sztuka naskalna to praktyka grawerowania, rysowania lub malowania obrazów na nieruchomych powierzchniach skalnych i jest jedną z najstarszych materialnych form ludzkiej ekspresji na świecie, sięgającą 30 000 lat wstecz w Afryce.

Badacze sztuki naskalnej zmagają się z pytaniami, co oznacza sztuka naskalna, jakie historie opowiadają obrazy i jak możemy je interpretować i rozumieć. W niektórych przypadkach znaczenie kryjące się za tymi enigmatycznymi obrazami jest trudne do zinterpretowania, ale czasami przekazują one jasne narracje i wiadomości o życiu społecznym ludzi.

Poniższy obraz pochodzi z Gór Akacjowych w Libii i przedstawia intymny moment między dwojgiem ludzi, osobnika z ozdobną fryzurą myjącego lub zajmującego się włosami drugiej osoby. Jest to część większej sceny interpretowane jako przygotowania do ślubu. Ten pięknie namalowany obraz przedstawia osobisty i znajomy moment, który rezonuje.

Inny przykład z Game Pass Shelter w Górach Drakensberg, RPA, przedstawia antylopę eland z twarzą zwróconą w stronę widza, ukazaną jakby potykającą się do przodu. Chwytając ogon elandu jest therianthrope (mitologiczna postać częściowo ludzka, częściowo zwierzęca).

Przez wiele lat obraz ten był trudny do zinterpretowania, dopóki badacz sztuki naskalnej David Lewis-Williams nie wykorzystał ustnych narracji ludu San|Bushman z południowej Afryki, aby nadać mu sens. Zamiast po prostu ilustracji, obrazy eland i therianthropes przekazać metaforyczne historie o szamanów interakcji ze światem duchów.

Możesz odkryć więcej afrykańskiej sztuki naskalnej poprzez nasz główny projekt badawczy tutaj.

Asyryjskie reliefy pałacowe

Starożytna Asyria była jedną z wielkich cywilizacji starożytnego świata, której serce znajdowało się w północnym regionie dzisiejszego Iraku.
Królowie asyryjscy budowali na wielką skalę. Aszurnasirpal II (883-859 p.n.e.) był pierwszym asyryjskim królem, który szeroko dekorował swój pałac rzeźbionymi kamiennymi panelami.

Większość z nich przedstawia magiczne figury ochronne, takie jak skrzydlate geny, które chroniły króla przed szkodliwymi siłami nadprzyrodzonymi. Niektóre pomieszczenia pałacowe były również dekorowane scenami narracyjnymi. Główne tematy to królewskie polowanie, kampanie wojskowe i rytuały państwowe. Panele ścienne były malowane w żywych kolorach, ale niewiele śladów pigmentu przetrwało do dziś.

Sceny narracyjne przedstawione na rzeźbach pałacowych Aszurnasirpala przekazują polityczne i ideologiczne podstawy imperium asyryjskiego. Jako bosko powołany obrońca Asyrii, obowiązkiem króla było utrzymanie porządku na świecie poprzez pokonanie sił chaosu. Aszurnasirpal pokazuje swoją zdolność do ochrony królestwa poprzez zabijanie niebezpiecznych zwierząt i pokonywanie wrogów Asyrii.

Panele ścienne są zazwyczaj podzielone na rejestry, podobnie jak współczesne paski komiksowe, które można czytać od lewej do prawej lub od prawej do lewej. Wydarzenia, które miały miejsce w różnych momentach w czasie są często przedstawiane w tej samej przestrzeni narracyjnej, więc widz może śledzić każdy etap historii w odpowiedniej kolejności.

Chińskie brązowe lustro

W Chinach, sceny narracyjne z udziałem postaci historycznych zaczęły być używane od dynastii Han (202-220 pne) do dekoracji na lustrach. Z czterema grupami postaci, to lustro opowiada historię decydującego epizodu podczas lat epickiej wojny między dwoma potężnymi państwami w południowo-wschodnich Chinach – Wu i Yue w okresie między 770-476 pne.

Postać po lewej, która wydaje się być w głębokim smutku i oburzeniu (z jego szeroko otwartymi oczami i ustami i latającą brodą) to Wu Zixu, bohaterski generał państwa Wu. On jest pokazany trzymając ostrze popełnia samobójstwo, a powód jest ujawniony w pozostałych trzech ćwiartkach lustra.

Po latach konfliktu, król państwa Yue i jego minister (dwie postacie na lewo od Wu Zixu) wpadli na pomysł kompromisu z państwem Wu, wysyłając piękne kobiety do króla Wu. Piękne dziewczyny z Yue zostały zaakceptowane przez króla Wu, który siedzi na swoim tronie otoczonym i wspartym pięknie zdobionymi panelami, podczas gdy potrząsając rękami odrzuca radę Wu Zixu, aby odrzucić dziewczyny z Yue. Jak Wu Zixu protestuje, otrzymał miecz przez króla Wu i nakazał popełnić samobójstwo za obrazę swojego króla.

Straszna śmierć tego lojalnego generała również sygnalizuje nieuchronny los państwa Wu. Z jego królem i innymi skorumpowanymi urzędami, państwo zostało ostatecznie zaanektowane przez Yue w 473 r. p.n.e., zaledwie dziewięć lat po śmierci Wu Zixu.

Rzeźbiony wapienny panel z Wielkiego Sanktuarium Amaravati

Pośród najważniejszych dzieł starożytnej literatury buddyjskiej znajdują się historie 550 poprzednich żyć Buddy, znane jako jātakas.

W tych historiach, Buddha przybiera różne formy, takie jak bezinteresowni królowie, posłuszni synowie i w niektórych przypadkach zwierzęta, takie jak słonie, małpy i kozy. Z podobieństwami do bajek Ezopa, jātaki oferowały moralne wskazówki dla mas, jednocześnie ilustrując buddyjskie nauki w fascynujący i dramatyczny sposób. Kulminacją jātakas była ostatnia egzystencja Buddy jako Książę Siddhartha Gautama, która poprzedziła jego ostateczne oświecenie.

Jednym z przykładów końcowej jātaki Buddy jest rzeźbiony wapienny panel z Wielkiego Sanktuarium Amaravati, które było jednym z najstarszych, największych i najważniejszych buddyjskich zabytków w starożytnych Indiach, założonym około 200 r. p.n.e. w tym, co jest obecnie stanem Andhra Pradesh w południowo-wschodnich Indiach.

Panel pochodzi z pierwszego wieku AD, kiedy przedstawienia Buddy pozostał „aniconic” (nie do przedstawienia w ludzkiej postaci). Przedstawia narrację o jego poczęciu i narodzinach ze scenami lub „komórkami”, które można czytać jak komiks od prawego górnego rogu do lewego dolnego.

Pierwsza scena w prawym górnym rogu przedstawia matkę Buddhy, królową Māyā, błogo śniącą o białym słoniu wchodzącym w jej bok, reprezentującym poczęcie Buddhy. Słysząc o tym, król żąda, by sen został zinterpretowany przez nadwornego mędrca, który przepowiada, że dziecko wyrośnie albo na wielkiego cesarza, albo na wielkiego duchowego przywódcę. Można to zaobserwować w komórce po lewej stronie u góry.

Przesuwając się chronologicznie na dolną-prawą stronę, Książę Siddhartha; Buddha-to-be, rodzi się nieskazitelnie z boku Królowej Māyā, gdy ta trzyma gałąź drzewa, w obecności czterech Dikpāli (postaci strażników), z których każda trzyma tkaninę, na której można dostrzec maleńkie ślady stóp – subtelne, lecz wyraźne anikoniczne przedstawienie pierwszych kroków Buddhy. (Maleńkie odciski stóp Buddy są widoczne tylko wtedy, gdy są oglądane z bardzo bliska, więc spróbuj je znaleźć przy następnej wizycie w Muzeum.)

W ostatniej scenie na dole po lewej stronie, tkanina jest prezentowana przez królową Māyā bóstwu opiekuńczemu, które składa jej hołd gestem Anjali Mudra, głową pochyloną z szacunkiem, z dłońmi ściśniętymi w szacunku.

Szkatułka przedstawiająca cykl pasyjny

Te cztery panele z kości słoniowej tworzyły niegdyś boki kwadratowej szkatułki, wykonanej prawdopodobnie w Rzymie w pierwszej połowie V wieku naszej ery. Na jej powierzchni rozwijała się skondensowana opowieść o siedmiu odrębnych wydarzeniach. Każda tablica stanowiła część cyklu pasyjnego, koncentrującego się na ostatnich dniach Chrystusa.

Narracja rozpoczyna się od umycia rąk przez Piłata (lewy górny róg), a kulminacją jest ukazanie się Chrystusa uczniom po zmartwychwstaniu (prawy dolny róg). Jezus jest głównym bohaterem każdej sceny. Po obróceniu pudełka sceneria zmieniała się niemal jak w filmie. Najpierw widzimy Chrystusa niosącego krzyż, potem wiszącego na nim. Następnie ton narracji zmienia się, a kompozycje stają się prostsze. Widzimy kobiety stojące przed pustym grobem Jezusa, a następnie apostołów otaczających Jezusa w Niewiarygodności Tomasza.

Artystyczne oddanie pozwoliło na wzbogacenie opowieści o dodatkowe znaczenia. Umieszczone na przeciwległych krawędziach kartonu obrazy tworzą wizualne echa i odniesienia – działania ucznia Tomasza, gotowego włożyć palce w rany Chrystusa, powielają działania Longinusa przebijającego żebra Jezusa podczas ukrzyżowania. W tej ostatniej scenie Chrystus ukazany jest żywy i z szeroko otwartymi oczami, podczas gdy postać Judasza wisi bez życia na drzewie. Samo drzewo stanowi wizualną paralelę do drewnianych prętów przedstawionego krzyża. Ta dbałość o szczegóły pozwala widzom nawet dzisiaj doświadczyć na nowo znanych relacji z Ewangelii.

Nadproża Yaxchilan

Te rzeźby reliefowe, znane jako nadproża Yaxchilan, pochodzą ze starożytnego miejsca Majów Yaxchilán w południowo-zachodnim Meksyku. The rzeźba umieszczać nad drzwi który prowadzić w pojedynczy przestrzeń w sądowy budynek. Opowiadają one krótką historię o Lady K’abal Xook, która była przywódczynią społeczności Majów w 7-8 wieku naszej ery.

Pierwsze nadproże przedstawia Lady Xook przeciągającą przez język nabijany ćwiekami sznur, a jej krew spada do wyłożonej korą papierową miski przy jej kolanach jako część rytuału upuszczania krwi. Partner Lady Xook, Iztaamnaj B’ahlam, stoi nieopodal z pochodnią. Upuszczanie krwi było powszechnym rytuałem wśród elit Majów, mającym na celu oddanie czci bogom. Glify (pismo) wyryte na obrazie mówią nam, że ta scena miała miejsce w AD 709.

Następne nadproże ukazuje efekt spalenia papieru nasączonego krwią. Z dymu wyrasta wąż, a Lady Xook komunikuje się z przodkiem, być może w ramach wizji. Jednak, mimo iż wydaje się, że jest to kontynuacja historii z poprzedniego nadproża, wizja ta jest datowana na rok 681. Ostatnie nadproże ukazuje Lady Xook wręczającą swojemu partnerowi hełm jaguara, symbolizujący jego zatwierdzoną władzę. Scena ta datowana jest na AD 724.

Dla współczesnego, nie-majowego odbiorcy, sekwencja ta będzie wydawać się nieznana. Jednakże, ich gra na czasie w tej narracji jest poruszająca. Sekwencje te przypominają nam o sile powtarzanego gestu i o ponadczasowości ważnych kulturowych opowieści. Artysta, który wymyślił tę narrację, stworzył prace z poczuciem roli, jaką przodkowie odgrywają w naszym doświadczaniu teraźniejszości i w naszej wyobraźni o przyszłości.

Gobelin z Bayeux

Gobelin z Bayeux jest jednym z najbardziej natychmiastowo rozpoznawalnych arcydzieł sztuki średniowiecznej i ważnym źródłem historycznym dla podboju Anglii przez Normanów w 1066 roku, ale ani nie jest gobelinem, ani (według wszelkiego prawdopodobieństwa) nie został wykonany w Bayeux!

Jest to w rzeczywistości praca hafciarska, zbudowana z różnokolorowych nici wełnianych naszytych na osiem pasów płótna. Nie jest pewne, gdzie gobelin z Bayeux został wykonany, ale być może został on zamówiony przez przyrodniego brata Wilhelma z Normandii, biskupa Odo z Bayeux, na konsekrację jego katedry w 1077 roku. Wiadomo, że znajdował się w Bayeux w 1476 roku, ale został zapomniany przez historię aż do jego ponownego odkrycia w latach 90-tych XVI wieku. Ze względu na paralele z późnymi anglosaskimi manuskryptami z Canterbury, uważa się, że haft został wykonany właśnie tam.

Hafty, jeśli zostały zaprojektowane przez normańskich mężczyzn, prawdopodobnie zostały wykonane przez anglosaskie kobiety. Opowiada historię podboju normańskiego od około 1064 roku – kiedy Harold wyrusza na wyprawę do północnej Francji, dołączając do Wilhelma w kampanii wojskowej przeciwko zbuntowanemu bretońskiemu lordowi. Następnie przedstawia, jak Harold sam sięga po koronę w 1066 roku, prowadząc swoją armię do krwawej klęski w miejscu znanym dziś jako Bitwa. Choć czasem postrzegana jako dzieło normańskiej propagandy, jest dość bezstronna – być może odzwierciedlając czasy, gdy Normanowie mieli nadzieję na integrację ze swymi anglosaskimi wrogami.

Karykaturalny styl gobelinu z Bayeux rezonuje ze współczesnym widzem. Choć jego przedstawienia wydają się naiwne, opowiada on żywą i zabawną historię – ze scenami seksu, krwi i gore. Nic dziwnego, że w najnowszej historii był on naśladowany przez karykaturzystów, zwłaszcza przez satyryków politycznych. Mający prawie 1000 lat, jest tak samo ostry dzisiaj, jak był wtedy.

Tapet z Bayeux nie znajduje się w kolekcji British Museum, ale Muzeum posiada serię odlewów haftu. Więcej na temat Gobelinu z Bayeux można dowiedzieć się tutaj.

Japońskie zwoje dłoni

Wiele osób jest zaznajomionych z nowoczesną mangą, ale ta forma sztuki – z jej ekspresyjnymi liniami i obrazami – jest o wiele starsza niż mogłoby się wydawać. Korzenie mangi sięgają niemal tysiąca lat wstecz, do malowanych japońskich handcrolli.

Około roku AD 1200, dowcipny, anonimowy artysta stworzył zestaw malowanych zwojów, które pokazują króliki i małpy kąpiące się w rzece, żaby i króliki siłujące się i inne sceny, w których zwierzęta zachowują się jak ludzie. Praca ta, znana jako Zwój Rozbrykanych Zwierząt (Chōjū giga), uważana jest przez niektórych za fundament współczesnej mangi. Opowieść o małpach z końca 1500 roku przedstawia małpy odgrywające poważne i komiczne ludzkie sytuacje. Zawiera wczesne przykłady dymków (fukidashi) oraz inne techniki istotne dla współczesnej mangi – postacie pojawiające się wielokrotnie w ramach jednej ilustracji, silne poczucie wizualnego postępu, zabawne szczegóły w ramach większej sceny oraz dominacja akcji wizualnej nad tekstem.

Odkryj więcej na temat sztuki narracyjnej na wystawie Citi Manga, do 26 sierpnia.

Wspierane przez Citi.

Partner logistyczny IAG Cargo.

.