Przez tak długo, jak ludzie pełzali po powierzchni ziemi, byliśmy zafascynowani sztuką i ruchem. Wczesne rysunki jaskiniowe pokazują, że nawet prymitywny człowiek będzie próbował dać złudzenie ruchu poprzez pozowanie kończyn na swoich szkicach zwierząt.

Szybko do przodu do 1800 roku, a nawet przed wynalezieniem kamery filmowej, Edward Muybridge używał zdjęć wykonanych sekwencyjnie, aby pomóc w badaniu ruchu ludzi i zwierząt, obrazy, które są nadal często używane do dnia dzisiejszego.

Popraw swoje umiejętności

W dzisiejszych czasach jesteśmy otoczeni animacją w takiej czy innej formie, czy to film, telewizja czy bardziej tradycyjne metody. Więc z animacji wokół nas, jak ty jako animator wyróżniać się z tłumu i poprawić swoje umiejętności?

To, co następuje to 15 wskazówek, aby poprawić swoją animację postaci. Chociaż niektóre z nich są skierowane do animacji 3D, większość może być również stosowana do innych, bardziej fizycznych gatunków zbyt.

Obserwuj prawdziwe postacie

Tchnienie życia w raz nieożywiony obiekt może wydawać się prostym zadaniem, ale to te subtelne niuanse, które mogą pomóc w portretowaniu emocji i dać prawdziwe poczucie myśli i rozważań za każdym ruchem.

Obserwowanie ludzi, jak współdziałają, jak wyrażają siebie, a nawet jak się poruszają jest niezbędne w pomaganiu Ci uzyskać dobre zrozumienie, nie tylko ruchu, ale także czasu i wagi. Dlaczego nie poświęcić trochę czasu, by wyjść z domu, napić się kawy i obserwować świat wokół siebie? (Nie pomijasz pracy – to są badania!)

Studiuj psychologię ruchu

Aby naprawdę kogoś naśladować, musisz najpierw zrozumieć jego ruchy, nie tylko proces ruchu, ale także intencję. Nie sugeruję, abyś rzucił wszystko i zapisał się na lokalny uniwersytet, ale zamiast tego zrób trochę badań.

Wszystko co robimy ma swój cel, a sposób w jaki pozujemy i trzymamy się może wiele mówić. Zrozumienie procesów myślowych stojących za tym, dlaczego robimy to, co robimy i kiedy, pomoże ci podzielić się tym poprzez twoją animację.

Szukaj odniesień do świata rzeczywistego

Podczas animowania twarzy istotne jest posiadanie czegoś solidnego, do czego można się odnieść. Podczas pracy z artystami podkładającymi głos, większość najlepszych studiów animacji będzie ich nagrywać, gdy będą układać dźwięk dla swoich postaci. To wideo jest następnie przekazywane do animatora, aby odnieść się do pracy, pozwalając im uchwycić ekspresje aktorów, jak mówią i emote.

Jeśli to nie jest opcja, to dlaczego nie użyć własnej twarzy jako odniesienia? Chwyć lustro i powtórz słowa, a nawet po prostu odtwórz kluczowe wyrażenia, aby dać ci dobry punkt wyjścia do pracy.

Filmuj siebie

Nigdy nie można uzyskać dobrego wyczucia sposobu, w jaki dana animacja powinna odgrywać się siedząc przy biurku, a referencje online mogą cię zaprowadzić tylko tak daleko. Aby zrozumieć, jak i dlaczego postać powinna poruszać się w taki sposób, dlaczego nie nagrać siebie wykonującego tę czynność?

W dzisiejszych czasach wszyscy mamy dostęp do kamer wideo, w rzeczywistości większość z nas ma je w kieszeni. Więc zamiast po prostu używać swoich telefonów do selfies i Facebook, dlaczego nie wydostać się z fotela i nagrać siebie w akcji?

Act out sceny siebie, i bez względu na to, jak szorstki i żenujące może się wydawać, to nagranie da Ci istotny blok startowy, aby następnie pracować na górze. Możliwość pauzowania, przewijania i przeglądania w zwolnionym tempie gwarantuje, że uchwycisz wszystkie subtelności, które w przeciwnym razie zostałyby przeoczone.

Zachowaj prostotę swojego sprzętu

Animacja w 3D nie zależy tylko od talentu animatora. Większość z tego, co może on osiągnąć, zależy w dużej mierze od używanego przez niego riga. Szybki i ogólny system da ci główne narzędzia do wykorzystania, ale aby nadać postaci tę przewagę, rig musi być dostosowany do konkretnych potrzeb animatora.

Nieprofesjonalny rig może również zwiększyć obciążenie animatora. Jeśli wiele z podstawowych mechanik i systemów jest łatwo dostępnych, mogą one być przypadkowo edytowane, co skutkuje zepsutym rigiem.

Najlepsze rigi to te, które pozostawiają animatorowi animację. Po prostu podnoszą postać i poruszają nią bez skomplikowanych systemów, z którymi trzeba się zmagać, lub ciągłych wycieczek do artysty technicznego, ponieważ szczęka nagle znalazła się po drugiej stronie sceny, a oni nie wiedzą dlaczego.

Uformuj najpierw kluczowe pozy

Widzenie, jak kupa wielokątów lub gliny nagle ożywa i okazuje emocje, jest naprawdę satysfakcjonujące, ale to nie znaczy, że musisz pędzić naprzód i skupiać się na każdej pozie w szczegółach, dopracowując ją, zanim przejdziesz do następnej. Praca nad jednym małym obszarem na raz będzie oznaczać, że nie widzisz większego obrazu, a to może spowodować, że sekwencja nie będzie tak płynna i naturalna, jak powinna być.

Podążanie za systemem warstwowym zapewnia, że nie tracisz cennego czasu. Pierwszą warstwą powinny być szybkie pozy przy określonych klatkach, aby uzyskać wyczucie czasu. Następnie, gdy już je przybijesz, możesz przejść i powtórzyć proces, dodając coraz więcej szczegółów z każdym nowym przejściem.

Prowadź oczami

Jeśli obserwujesz ludzi, gdy idą o swoim codziennym życiu (nie w sposób stalkerski, ale po prostu mimochodem), zauważysz, że z każdym celowym ruchem przychodzi specyficzna sekwencja.

Najpierw oczy poruszają się tam, gdzie chcą iść, a następnie głowa podąża, a potem szyja. To trwa w dół ciała, aż w końcu przenieść do miejsca, gdzie ich ostrość została drawn.

Oczy są tym, co jesteśmy przyciągnięci do najbardziej, gdy patrzymy na kogoś, a w większości przypadków są one również pierwszą rzeczą, aby przenieść przed resztą ciała.

Zbadaj efekty grawitacji

Grawitacja wpływa na wszystko, chyba że jesteś w kosmosie. Z wiekiem toczymy nieustanną walkę o utrzymanie pozycji pionowej, co nigdy nie jest bardziej zauważalne niż przez nasze luźne, chwiejące się kawałki. To jest to przyciąganie grawitacyjne, w połączeniu z naszą własną masą fizyczną, która jest kluczowa do uchwycenia w każdym ruchu.

Chodzenie na przykład, jest prostym ruchem – ale wiele z tego, jak się poruszamy jest dyktowane przez naszą własną budowę fizyczną. Jeśli jesteś wysoki i szczupły, wtedy możesz być lżejszy na nogach, podczas gdy ktoś z pełniejszą sylwetką będzie miał cięższy upadek stopy, z ich talią zanurzającą się bardziej, jak wtedy próbują podnieść swoje górne ciało.

To może wydawać się oczywistą wskazówką, ale jest to ważne. Pamiętaj, aby nadać wagę swojej animacji.

Czas na ruchy swojej postaci

Światem rządzi czas. Nawet jeśli nasze dni są różne, wszyscy poruszamy się na dźwięk tego samego zegara. Jeśli chodzi o animację, ten czas jest pod twoją kontrolą. Jednak używać go nieodpowiedzialnie i wyniki mogą być trudne do odczytania, i skończyć dając widzowi złe wrażenie.

Happier, bardziej radosne ruchy są zwykle szybkie i ostre; dlatego działają dobrze w kreskówkach. Mogą one również pomóc dodać przesadę do ruchu, a także dodać nacisk, jak bohater rysuje z powrotem powoli, aby zasilić cios, który jest ponad w mgnieniu oka.

Slower ruchy mogą oznaczać przeciwieństwo, i są często używane, aby pokazać postać jest uczucie w dół, lub zdenerwowany.

Keep your character balanced

Jedną z pierwszych rzeczy uczymy się jako dzieci jest jak wspiąć się na nasze nogi i podjąć nasze pierwsze kroki. Nie jest to łatwe, ponieważ wymaga siły, a przede wszystkim równowagi. Z każdym krokiem uczymy się przesuwać swój środek ciężkości, aby nie upaść. Środek ciężkości jest ważnym elementem, aby wprowadzić do animacji too.

Spróbuj stojąc z rozstawionymi stopami i podnieść prawą nogę z podłogi, ale zrobić to przy zachowaniu talii nadal. Trudno oprzeć się chęci przesunięcia talii nad lewą nogę, aby nie upaść.

Gdy to robisz, przesuwasz swój środek ciężkości, aby utrzymać równowagę. I oczywiście, jeśli musisz to zrobić w prawdziwym życiu, będziesz musiał upewnić się, że twoje postacie też to robią.

Odzyskiwanie podstawowych animacji

Ta konkretna wskazówka działa tylko podczas animowania w świecie wirtualnym, ale ważne jest, aby zapisywać podstawowe animacje i mieć je w pogotowiu.

Nawet jeśli jest to podstawowy cykl chodu lub biegu, możesz wprowadzić go do sceny podczas pracy nad nową postacią i dać sobie przewagę.

Gdy już masz zastosowany ten podstawowy ruch, ze wszystkimi głównymi pozami i klatkami kluczowymi na miejscu, możesz poświęcić więcej czasu na dostosowanie czasu, wagi i stylu do osobowości danej postaci.

Użyj podstawowego modelu

Manipulowanie modelem o wysokiej rozdzielczości w rzutni może spowodować obciążenie systemu, zwłaszcza gdy model musi się deformować i poruszać za pomocą szkieletu lub innych złożonych deformatorów. Jest to bardziej zauważalne, gdy próbujesz odtworzyć animację w czasie rzeczywistym i odkrywasz, że widzisz tylko co dziesiątą klatkę.

Pracując nad ogólnym ruchem postaci, ukryj model wysokiej rozdzielczości i zamiast tego animuj za pomocą znacznie prostszego modelu proxy.

Może to być pomniejszona wersja postaci, a nawet kilka pudełek przeskalowanych tak, aby luźno pasowały do proporcji, ale ta wersja pozwoli ci płynnie pracować nad głównymi obszarami ruchu, zanim przywrócisz model o wysokiej szczegółowości do pracy nad drobniejszymi szczegółami.

Oczekiwanie, akcja, reakcja

Gdy rozłożysz każdy większy ruch, można go podzielić na trzy główne obszary – Oczekiwanie, Akcja i Reakcja. Jeśli weźmiemy prosty skok jako przykład, postać zgina się najpierw, aby zbudować siłę, to jest Anticipation. Sam skok jest Akcja, a następnie lądowanie, z impetem popychając je do przodu jest Reakcja.

Ta zasada działa z wielu ruchów, takich jak rzucanie cios lub swinging bat. Może być również stosowana w animacji twarzy, a nawet wyolbrzymiona dla bardziej komicznego efektu.

Offset your keys

Uzyskanie naturalnego przepływu elementu ciągnącego się za postacią, jak ogon, może być trudne. Korzeń pozostaje przymocowany do miednicy, ale ruch musi podążać w kierunku końcówki jak fala.

Szybkim sposobem na osiągnięcie tego ruchu jest animowanie podstawy, a następnie skopiowanie tej animacji do reszty stawów. Początkowo da to im wszystkim tę samą akcję, ale możesz wtedy wejść i edytować kluczowe klatki każdego przegubu, przesuwając je do przodu o klatkę lub dwie.

To zasadniczo opóźnia początkową akcję na wyższych przegubach, dając ruch podobny do fali.

Nie formuj każdej litery w mowie

Podczas animowania twarzy, a w szczególności ust, dobrym pomysłem jest próba nieuwzględniania każdej litery słowa, które wypowiada postać. Może to sprawić, że usta będą poruszać się zbyt szybko i często będą wyglądać nieregularnie.

Jeśli obserwujesz ludzi, gdy mówią, zobaczysz, że ich usta nie tworzą fizycznie każdej litery, zamiast tego otrzymujesz bardziej ogólny i organiczny ruch przepływający przez zdanie.

Przypomnij sobie na przykład proste „Cześć”. Jeśli wypowiesz to pozdrowienie patrząc w lustro, zobaczysz, że Twoje usta tworzą bardziej H-E-O, z językiem pojawiającym się na krótko, aby wydobyć dźwięk L.

Więcej od Anta w Vertex

Ant Ward będzie w Vertex odpowiadając na Twoje pytania, jako część naszej sekcji 'Ask an Artist’. Sesje te są fantastyczną okazją do spotkania jeden na jeden z artystą-weteranem, który może pomóc Wam pokonać blokadę w Waszej pracy lub omówić problematyczny obszar.

Ant jest artystą z ogromnym doświadczeniem w wielu dziedzinach CG. Jest stałym bywalcem na stronach 3D World od wielu lat i napisał wiele tutoriali, a także jest częścią naszego eksperckiego zespołu Q and A.

Aby zarezerwować bilet na Vertex 2018 przejdź na stronę Vertex, gdzie znajdziesz informacje na temat wszystkich aktywności tego dnia, od keynote talks po panel dyskusyjny i targi rekrutacyjne.

• Etyka cyfrowych ludzi
• Mocap stojący za Steppenwolfem z Justice League
• Scott Ross na konferencji Vertex