Nonostante la Grande Depressione, che attanagliava il paese, gli anni ’30 furono un periodo eccitante per le arti. Romanzieri come William Faulkner, Zora Neal Hurston, John Steinbeck, John Dos Passos, James T. Farrell e F. Scott Fitzgerald produssero tutti opere importanti negli anni ’30. Nel teatro Eugene O’Neill e Clifford Odets scrissero opere influenti. Nella danza, il jazz e il balletto si fusero nel lavoro di Martha Graham. Pittori e scultori americani produssero enormi opere d’arte pubbliche e iniziarono a muoversi verso uno stile più astratto. Il jazz, la musica hillbilly e il blues trovarono un vasto pubblico negli anni ’30, mentre il cinema hollywoodiano abbracciò il colore e sviluppò un proprio stile distintivo.

Come quasi tutti gli altri, artisti, scrittori e musicisti soffrirono nel clima economico della Depressione. In un tale momento di crisi c’era la sensazione che l’America avesse perso la sua strada e che il paese mancasse di una propria cultura distintiva. Nel tentativo di accrescere l’orgoglio nazionale e allo stesso tempo contribuire a fornire alcuni posti di lavoro per aiutare gli americani a superare la Depressione, la Works Progress Administration (WPA) del governo, uno dei programmi politici del New Deal del presidente Franklin D. Roosevelt, sostenne l’attività artistica regionale dando finanziamenti federali alle arti. In molti casi questo significava che gli artisti potevano continuare ad essere pagati per lavorare quando il mercato per i loro beni era scomparso. L’idea era non solo di sviluppare una moderna cultura americana ma anche di riscoprirne una che si stava perdendo. Artisti, scrittori, registi e musicisti viaggiarono per il paese documentando e prendendo in prestito dalla cultura popolare (comune). Alcuni furono pagati per raccogliere e sviluppare le forme d’arte regionali della nazione. Fotografi come Walker Evans e Dorothea Lange cercarono di catturare la sofferenza dei poveri, mentre molti romanzieri cercarono di riportare la sofferenza rivolgendosi al giornalismo. Artisti come Edward Hopper, Georgia O’Keeffe e Charles Sheeler usarono tutti paesaggi e scene regionali nelle loro opere e, così facendo, si associarono strettamente a certe regioni geografiche del paese. Anche gli scrittori erano legati ai luoghi di cui scrivevano: Nathanael West divenne noto come romanziere californiano, mentre James T. Farrell fu associato a Chicago e William Faulkner al Sud.

Durante la Depressione le arti dovevano rivolgersi a un pubblico di massa per poter rimanere in affari. Non c’erano più abbastanza soldi per sostenere lavori che non vendevano bene. A Hollywood molti studios e teatri indipendenti furono costretti a chiudere, mentre i maggiori studios si rivolsero a sontuosi musical, thriller, film horror e drammi popolari che attiravano un pubblico più vasto. Il pubblico che cercava un’evasione dalla vita quotidiana apprezzava la star bambina Shirley Temple e il suo marchio zuccheroso di canto e danza. La musica swing, suonata da orchestre guidate da Count Basie, Benny Goodman e altri, intratteneva le sale da ballo di tutto il paese. Anche la tecnologia contribuì a rendere gli anni ’30 un’epoca di intrattenimento di massa. La radio e il jukebox resero il teatro, le notizie nazionali e la musica popolare accessibili anche alle comunità remote e rurali.

Nelle belle arti e nello spettacolo, gli anni ’30 videro un conflitto tra modernisti e tradizionalisti. I modernisti guardavano all’Europa per la loro ispirazione e si associavano alla cultura alta. Favorirono le arti sperimentali, come la pittura astratta, la musica che mancava di melodie o ritmi evidenti, e i romanzi senza trama. I tradizionalisti si concentravano su temi americani e immagini realistiche e si associavano a quella che alcuni chiamavano cultura “bassa”. Rielaboravano canzoni popolari e raccontavano storie del West. Alla fine, né la cultura “alta” né quella “bassa” dominarono. Piuttosto, il confine tra le due cominciò a sfumare. Dai suoi inizi come semplice musica da ballo, il jazz, per esempio, crebbe in una forma musicale matura e altamente complessa. Divenne il preferito degli intellettuali urbani della classe media, oltre ad essere popolare tra i ballerini. Scrittori come Raymond Chandler e Horace McCoy scrissero romanzi polizieschi che furono discussi come letteratura, piuttosto che come thriller a buon mercato, mentre pittori come Stuart Davis presero in prestito immagini dalla cultura popolare e dalla pubblicità per creare le loro opere altrimenti astratte. In tutte le arti la nuova cultura nazionale divenne una cultura di intrattenimento di massa, e popolare americana, mostrando una profonda preoccupazione per la vita degli americani “comuni”.