Sviluppo inizialeModifica
Nel 1857, Oscar Rejlander creò la prima immagine al mondo con “effetti speciali” combinando diverse sezioni di 32 negativi in un’unica immagine, creando una stampa combinata montata. Nel 1895, Alfred Clark creò quello che è comunemente accettato come il primo effetto speciale cinematografico. Durante le riprese di una rievocazione della decapitazione di Maria, regina di Scozia, Clark ordinò a un attore di salire sul blocco nei panni di Maria. Mentre il boia portava l’ascia sopra la sua testa, Clark fermò la telecamera, fece fermare tutti gli attori e fece uscire dal set la persona che interpretava Maria. Mise un manichino di Maria al posto dell’attore, ricominciò le riprese e permise al boia di portare l’ascia verso il basso, tagliando la testa del manichino. Tecniche come queste avrebbero dominato la produzione di effetti speciali per un secolo.
Non fu solo il primo uso del trucco nel cinema, fu anche il primo tipo di trucco fotografico possibile solo in un film, e chiamato “stop trick”. Georges Méliès, un pioniere del cinema, scoprì accidentalmente lo stesso “trucco dello stop”. Secondo Méliès, la sua cinepresa si bloccò mentre filmava una scena di strada a Parigi. Quando proiettò il film, scoprì che il “trucco dello stop” aveva fatto sì che un camion si trasformasse in un carro funebre, che i pedoni cambiassero direzione e che gli uomini si trasformassero in donne. Méliès, direttore di scena al Teatro Robert-Houdin, fu ispirato a sviluppare una serie di più di 500 cortometraggi, tra il 1914, sviluppando o inventando tecniche come le esposizioni multiple, la fotografia time-lapse, le dissolvenze e il colore dipinto a mano. A causa della sua capacità di manipolare e trasformare apparentemente la realtà con il cinematografo, il prolifico Méliès è a volte indicato come il “Cinemagista”. Il suo film più famoso, Le Voyage dans la lune (1902), una stravagante parodia di From the Earth to the Moon di Jules Verne, presentava una combinazione di azione dal vivo e animazione, e incorporava anche un ampio lavoro di miniature e matte painting.
Dal 1910 al 1920, le principali innovazioni negli effetti speciali furono i miglioramenti del matte shot di Norman Dawn. Con il matte shot originale, dei pezzi di cartone venivano messi a bloccare l’esposizione della pellicola, che sarebbe stata esposta in seguito. Dawn combinò questa tecnica con il “glass shot”. Invece di usare il cartone per bloccare alcune aree dell’esposizione della pellicola, Dawn ha semplicemente dipinto alcune aree di nero per impedire alla luce di esporre la pellicola. Dalla pellicola parzialmente esposta, un singolo fotogramma viene poi proiettato su un cavalletto, dove viene poi disegnato il matte. Creando il matte da un’immagine direttamente dalla pellicola, è diventato incredibilmente facile dipingere un’immagine con il giusto rispetto della scala e della prospettiva (il difetto principale della ripresa in vetro). La tecnica di Dawn divenne il libro di testo per le riprese opache grazie alle immagini naturali che creava.
Durante gli anni 1920 e 1930, le tecniche degli effetti speciali furono migliorate e perfezionate dall’industria cinematografica. Molte tecniche – come il processo di Schüfftan – erano modifiche di illusioni provenienti dal teatro (come il fantasma di Pepe) e dalla fotografia (come la doppia esposizione e il compositing opaco). La retroproiezione era un perfezionamento dell’uso di sfondi dipinti nel teatro, sostituendo le immagini in movimento per creare sfondi mobili. Il lifecasting dei volti fu importato dalla mascheratura tradizionale. Insieme ai progressi del trucco, si potevano creare maschere fantastiche che si adattavano perfettamente all’attore. Man mano che la scienza dei materiali progrediva, la mascheratura dei film dell’orrore la seguiva da vicino.
Molti studios crearono reparti interni di “effetti speciali”, che erano responsabili di quasi tutti gli aspetti ottici e meccanici dei trucchi cinematografici. Inoltre, la sfida di simulare lo spettacolo in movimento incoraggiò lo sviluppo dell’uso delle miniature. L’animazione, creando l’illusione del movimento, fu realizzata con disegni (in particolare da Winsor McCay in Gertie the Dinosaur) e con modelli tridimensionali (in particolare da Willis O’Brien in The Lost World e King Kong). Le battaglie navali potevano essere rappresentate con modelli in studio. Carri armati e aeroplani potevano volare (e schiantarsi) senza rischi per la vita. La cosa più impressionante è che si potevano usare miniature e matte painting per rappresentare mondi che non erano mai esistiti. Il film Metropolis di Fritz Lang fu uno dei primi effetti speciali spettacolari, con un uso innovativo di miniature, matte painting, il processo Schüfftan e un complesso compositing.
Un’importante innovazione nella fotografia con effetti speciali fu lo sviluppo della stampante ottica. Essenzialmente, una stampante ottica è un proiettore che punta nell’obiettivo di una macchina fotografica, ed è stata sviluppata per fare copie di film per la distribuzione. Fino a quando Linwood G. Dunn non ha perfezionato il design e l’uso della stampante ottica, le riprese con effetti sono state realizzate come effetti in camera. Dunn dimostrò che poteva essere usata per combinare le immagini in modi nuovi e creare nuove illusioni. Una delle prime vetrine per Dunn fu Citizen Kane di Orson Welles, dove location come Xanadu (e alcune delle famose inquadrature “deep focus” di Gregg Toland) furono essenzialmente create dalla stampante ottica di Dunn.
L’era del coloreModifica
Lo sviluppo della fotografia a colori richiese un maggiore affinamento delle tecniche degli effetti. Il colore permise lo sviluppo di tecniche opache itineranti come il bluescreen e il processo ai vapori di sodio. Molti film divennero punti di riferimento nella realizzazione degli effetti speciali: Il pianeta proibito usava matte painting, animazione e miniature per creare spettacolari ambienti alieni. In I dieci comandamenti, John P. Fulton, A.S.C. della Paramount, moltiplicò le folle di comparse nelle scene dell’Esodo con un attento compositing, raffigurò le massicce costruzioni di Ramses con modelli e divise il Mar Rosso in una combinazione ancora impressionante di opachi itineranti e vasche d’acqua. Ray Harryhausen estese l’arte dell’animazione stop-motion con le sue speciali tecniche di compositing per creare spettacolari avventure fantasy come Giasone e gli Argonauti (il cui climax, una battaglia di spade con sette scheletri animati, è considerato una pietra miliare negli effetti speciali).
Il boom della fantascienzaModifica
Durante gli anni ’50 e ’60 furono sviluppati numerosi nuovi effetti speciali che avrebbero aumentato drasticamente il livello di realismo raggiungibile nei film di fantascienza.
Se si può dire che un film abbia stabilito un nuovo punto di riferimento per gli effetti speciali, è 2001: Odissea nello spazio del 1968, diretto da Stanley Kubrick, che ha assemblato la sua squadra di effetti (Douglas Trumbull, Tom Howard, Con Pederson e Wally Veevers) piuttosto che usare un’unità di effetti interni. In questo film, le miniature delle astronavi erano altamente dettagliate e accuratamente fotografate per una profondità di campo realistica. Le inquadrature delle astronavi erano combinate attraverso il rotoscoping disegnato a mano e un attento lavoro di controllo del movimento, assicurando che gli elementi fossero combinati con precisione nella macchina da presa – un sorprendente ritorno all’era del muto, ma con risultati spettacolari. Gli sfondi dei panorami africani nella sequenza “Dawn of Man” sono stati combinati con la fotografia di scena tramite la nuova tecnica di proiezione frontale di allora. Le scene ambientate in ambienti a gravità zero erano messe in scena con fili nascosti, inquadrature a specchio e set rotanti su larga scala. Il finale, un viaggio attraverso scenari allucinogeni, fu creato da Douglas Trumbull usando una nuova tecnica chiamata slit-scan.
Gli anni ’70 portarono due profondi cambiamenti nel commercio degli effetti speciali. Il primo fu economico: durante la recessione dell’industria alla fine degli anni ’60 e all’inizio degli anni ’70, molti studios chiusero le loro case di effetti interni. I tecnici divennero freelance o fondarono le proprie compagnie di effetti, a volte specializzandosi in tecniche particolari (ottica, animazione, ecc.).
Il secondo fu precipitato dal successo di due film di fantascienza e fantasy nel 1977. Star Wars di George Lucas ha inaugurato un’era di film di fantascienza con effetti speciali costosi e impressionanti. Il supervisore degli effetti John Dykstra, A.S.C. e la troupe svilupparono molti miglioramenti nella tecnologia degli effetti esistenti. Crearono un impianto di ripresa controllato dal computer chiamato “Dykstraflex” che permetteva la ripetizione precisa del movimento della telecamera, facilitando enormemente il compositing dell’opaco viaggiante. La degradazione delle immagini della pellicola durante il compositing fu minimizzata da altre innovazioni: la Dykstraflex utilizzava telecamere VistaVision che fotografavano immagini in formato widescreen orizzontalmente lungo la pellicola, utilizzando molto più film per fotogramma, e nel processo di compositing furono utilizzati filmati con emulsione più sottile. La squadra di effetti messa insieme da Lucas e Dykstra fu soprannominata Industrial Light & Magic, e dal 1977 ha guidato molte innovazioni negli effetti.
Lo stesso anno, il film di Steven Spielberg Incontri ravvicinati del terzo tipo vantava un finale con impressionanti effetti speciali del veterano del 2001 Douglas Trumbull. Oltre a sviluppare il proprio sistema di controllo del movimento, Trumbull ha anche sviluppato tecniche per creare intenzionalmente il “lens flare” (le forme create dalla luce che si riflette nelle lenti della telecamera) per fornire le forme indefinibili dei dischi volanti del film.
Il successo di questi film, e altri da allora, ha spinto gli studios a investire massicciamente in film di fantascienza ricchi di effetti. Questo ha alimentato la creazione di molte case di effetti indipendenti, un enorme grado di perfezionamento delle tecniche esistenti e lo sviluppo di nuove tecniche come le immagini generate al computer (CGI). Ha anche incoraggiato all’interno dell’industria una maggiore distinzione tra effetti speciali ed effetti visivi; quest’ultimo è usato per caratterizzare la post-produzione e il lavoro ottico, mentre “effetti speciali” si riferisce più spesso agli effetti meccanici e sul set.
Introduzione delle immagini generate dal computer (CGI)Edit
Dagli anni ’90, una profonda innovazione negli effetti speciali è stata lo sviluppo delle immagini generate dal computer (CGI), che ha cambiato quasi ogni aspetto degli effetti speciali cinematografici. Il compositing digitale permette molto più controllo e libertà creativa del compositing ottico, e non degrada l’immagine come nei processi analogici (ottici). Le immagini digitali hanno permesso ai tecnici di creare modelli dettagliati, “dipinti opachi”, e persino personaggi completamente realizzati con la malleabilità del software del computer.
Gli usi più grandi e più “spettacolari” della CGI sono probabilmente la creazione di immagini foto-realistiche di personaggi, ambienti e oggetti di fantascienza/fantasy. Le immagini possono essere create al computer usando le tecniche dei cartoni animati e della model animation. The Last Starfighter (1984) usava astronavi generate al computer invece di modelli fisici in scala. Nel 1993, gli animatori in stop-motion che lavoravano ai dinosauri realistici di Jurassic Park di Steven Spielberg furono riqualificati nell’uso di dispositivi di input del computer. Nel 1995, film come Toy Story hanno sottolineato il fatto che la distinzione tra film d’azione e film d’animazione non era più chiara. Altri esempi di riferimento includono un personaggio fatto di pezzi rotti di una vetrata in Young Sherlock Holmes, un personaggio che cambia forma in Willow, un tentacolo formato dall’acqua in The Abyss, il Terminator T-1000 in Terminator 2: Judgment Day, orde ed eserciti di robot e creature fantastiche nelle trilogie di Star Wars (prequel) e The Lord of the Rings, e il pianeta, Pandora, in Avatar.