African rock art

L’arte rupestre è la pratica di incidere, disegnare o dipingere immagini su superfici rocciose inamovibili, ed è una delle più antiche forme materiali di espressione umana nel mondo, risalente a 30.000 anni fa in Africa. In alcuni casi il significato dietro queste immagini enigmatiche è difficile da interpretare, ma a volte trasmettono chiare narrazioni e messaggi sulla vita sociale delle persone.

L’immagine qui sotto proviene dalle montagne dell’Acacus in Libia e mostra un momento intimo tra due persone, un individuo con un’acconciatura ornata che lava o si occupa dei capelli dell’altro. Fa parte di una scena più grande interpretata come preparativi per un matrimonio. Questa immagine splendidamente dipinta raffigura un momento personale e familiare che risuona.

Un altro esempio da Game Pass Shelter nelle montagne Drakensberg, Sudafrica, raffigura un’antilope eland con la faccia rivolta verso lo spettatore, raffigurata come se inciampasse in avanti. Afferrando la coda dell’antilope c’è un teriantropo (una figura mitologica in parte umana e in parte animale).

Per molti anni questa immagine è stata difficile da interpretare fino a quando il ricercatore di arte rupestre David Lewis-Williams ha usato le narrazioni orali del popolo San|Bushman dell’Africa meridionale per dare un senso all’immagine. Piuttosto che essere semplicemente illustrative, le immagini di eland e teriantropi trasmettono storie metaforiche sugli sciamani che interagiscono con il mondo degli spiriti.

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Rilievi di palazzi assiri

L’antica Assiria era una delle grandi civiltà del mondo antico, il cui cuore era situato nella regione settentrionale dell’attuale Iraq.
I re assiri costruivano su vasta scala. Ashurnasirpal II (883-859 a.C.) fu il primo re assiro a decorare ampiamente il suo palazzo con pannelli di pietra intagliata.

La maggior parte raffigura figure magiche protettive, come geni alati, che proteggevano il re da forze soprannaturali dannose. Alcune stanze del palazzo erano anche decorate con scene narrative. I temi principali includono la caccia reale, le campagne militari e i rituali di stato. I pannelli murali erano dipinti con colori vivaci, ma poche tracce di pigmento sopravvivono oggi.

Le scene narrative raffigurate sulle sculture del palazzo di Ashurnasirpal trasmettono la base politica e ideologica dell’impero assiro. Come protettore divinamente nominato dell’Assiria, era dovere del re mantenere l’ordine nel mondo sconfiggendo le forze del caos. Ashurnasirpal mostra la sua capacità di proteggere il regno uccidendo animali pericolosi e sconfiggendo i nemici dell’Assiria.

I pannelli murali sono tipicamente divisi in registri, un po’ come una moderna striscia di fumetti, che possono essere letti da sinistra a destra, o da destra a sinistra. Eventi che sono accaduti in momenti diversi nel tempo sono spesso rappresentati all’interno dello stesso spazio narrativo in modo che lo spettatore possa seguire ogni fase della storia nel giusto ordine.

Specchio cinese di bronzo

In Cina, scene narrative con figure storiche cominciarono ad essere usate dalla dinastia Han (202-220 a.C.) per la decorazione degli specchi. Con quattro gruppi di figure, questo specchio racconta la storia di un episodio decisivo durante gli anni di guerra epica tra due potenti stati del sud-est della Cina – Wu e Yue nel periodo tra 770-476 a.C.

La figura sulla sinistra che sembra essere sia in profondo dolore che indignazione (con i suoi occhi e la bocca spalancati e la barba svolazzante) è Wu Zixu, un eroico generale dello stato Wu. Viene mostrato con una lama in mano mentre si suicida e il motivo viene rivelato negli altri tre quarti dello specchio.

Dopo anni di conflitto, il re dello stato Yue e il suo ministro (le due figure alla sinistra di Wu Zixu) hanno un’idea per compromettere lo stato Wu, inviando belle donne al re di Wu. Le belle ragazze Yue vengono accettate dal re di Wu, che siede sul suo trono fiancheggiato e sostenuto da pannelli finemente decorati, mentre agita le mani per rifiutare il consiglio di Wu Zixu di rifiutare le ragazze Yue. Mentre Wu Zixu protesta, gli viene data una spada dal re Wu e gli viene ordinato di suicidarsi per aver offeso il suo re.

La terribile morte di questo fedele generale segna anche il destino inevitabile dello stato Wu. Con il suo re e le altre cariche corrotte, lo stato fu infine annesso dallo Yue nel 473 a.C., solo nove anni dopo la morte di Wu Zixu.

Pannello in pietra calcarea intagliata dal Grande Santuario di Amaravati

Tra le opere più importanti della letteratura buddista antica ci sono le storie di 550 vite precedenti del Buddha, conosciute come jātaka.

In queste storie, il Buddha assume varie forme come re altruisti, figli doverosi e in alcuni casi animali come elefanti, scimmie e capre. Con paralleli alle favole di Esopo, i jātaka offrivano una guida morale alle masse, mentre illustravano gli insegnamenti buddisti in modo convincente e drammatico. Il culmine dei jātaka fu l’ultima esistenza del Buddha come principe Siddhartha Gautama, che precedette la sua definitiva illuminazione.

Un esempio del jātaka finale del Buddha è un pannello di pietra calcarea intagliata dal Grande Santuario di Amaravati, che era uno dei più antichi, grandi e importanti monumenti buddisti dell’India antica, fondato intorno al 200 a.C. in quello che oggi è lo stato di Andhra Pradesh nel sud-est dell’India.

Il pannello risale al primo secolo d.C., quando le rappresentazioni del Buddha rimanevano “aniconiche” (non raffigurabili in forma umana). Presenta una narrazione del suo concepimento e della sua nascita con scene o ‘cellule’ che possono essere lette come un fumetto dall’alto a destra verso il basso a sinistra.

La prima scena in alto a destra raffigura la madre del Buddha, la regina Māyā, che sogna beatamente un elefante bianco che entra al suo fianco, rappresentando il concepimento del Buddha. Quando sente questo, il re chiede che il sogno sia interpretato dal saggio di corte, che predice che il bambino crescerà per diventare un grande imperatore o un grande leader spirituale. Questo può essere visto nella cella in alto a sinistra.

Spostandoci cronologicamente in basso a destra, il principe Siddharta; il futuro Buddha, nasce immacolato al fianco della regina Māyā mentre tiene il ramo di un albero, in presenza dei quattro Dikpāla (figure guardiane) che tengono ciascuno un panno sul quale si vedono le piccole impronte dei piedi – una sottile ma chiara rappresentazione aniconica dei primi passi del Buddha. (Le piccole impronte del Buddha sono visibili solo se viste da molto vicino, quindi cercate di trovarle la prossima volta che visitate il museo).

Nella scena finale in basso a sinistra, il panno viene presentato dalla regina Māyā a un nume tutelare che gli rende omaggio con il gesto dell’Anjali Mudra, la testa chinata in modo reverenziale con i palmi premuti insieme in segno di rispetto.

Casetta che mostra il ciclo della Passione

Questi quattro pannelli in avorio formavano un tempo i lati di una scatola quadrata, probabilmente realizzata a Roma nella prima metà del V secolo d.C. Sulla sua superficie si svolgeva una storia condensata di sette eventi separati. Ogni placca faceva parte di un ciclo della Passione, incentrato sugli ultimi giorni di Cristo.

La narrazione inizia con Pilato che si lava le mani (in alto a sinistra) e culmina con l’apparizione di Cristo ai discepoli dopo la Resurrezione (in basso a destra). Gesù è il protagonista di ogni scena. Ruotando la scatola, l’ambientazione cambierebbe quasi come una ripresa cinematografica. Si vedrebbe prima Cristo che porta la croce, poi appeso ad essa. Dopo di che, il tono della narrazione cambia e le composizioni diventano più semplici. Vediamo le donne in piedi davanti alla tomba vuota di Gesù e poi gli apostoli che circondano Gesù nell’Incredulità di Tommaso.

La resa artistica ha permesso di arricchire la storia con ulteriori significati. Posizionate ai bordi opposti della scatola, le immagini formavano echi e riferimenti visivi – le azioni del discepolo Tommaso, pronto a mettere le dita nelle ferite di Cristo, replicano quelle di Longino che trafigge le costole di Gesù alla Crocifissione. In quest’ultima scena, Cristo è ritratto vivo e con gli occhi spalancati, mentre la figura di Giuda è appesa senza vita su un albero. L’albero stesso forma un parallelo visivo con le barre di legno della croce rappresentata. Questa attenzione ai dettagli permette ancora oggi agli spettatori di rivivere i ben noti racconti dei Vangeli.

Gli architravi di Yaxchilan

Queste sculture in rilievo, note come gli architravi di Yaxchilan, provengono dall’antico sito Maya di Yaxchilán nel sud-ovest del Messico. Le sculture erano collocate sopra le porte che conducevano ad un unico spazio in un edificio di corte. Raccontano una breve storia su Lady K’abal Xook, che era un leader della comunità maya nel 7°-8° secolo d.C.

Il primo architrave mostra Lady Xook che tira una corda chiodata attraverso la sua lingua e il suo sangue che cade in una ciotola rivestita di carta di corteccia vicino alle sue ginocchia come parte di un rituale di salasso. Il compagno di Lady Xook, Iztaamnaj B’ahlam, sta vicino con una torcia. Il salasso era un rituale comune tra le élite maya per onorare gli dei. I glifi (scrittura) scolpiti nell’immagine ci dicono che questa scena ha avuto luogo nel 709 d.C.

L’architrave successivo mostra il risultato della combustione della carta intrisa di sangue. Un serpente cresce dal fumo e Lady Xook comunica con un antenato, forse come parte di una visione. Tuttavia, nonostante sembri seguire la storia dell’incisione dell’architrave precedente, questa visione è datata indietro nel tempo, all’AD 681. L’ultimo architrave mostra Lady Xook che porge al suo compagno un elmo di giaguaro, che simboleggia il suo dominio avallato. La scena è datata al 724 d.C.

Ad un pubblico contemporaneo non-Maya, questa sequenza sembrerà poco familiare. Tuttavia, il loro gioco sul tempo in questa narrazione è commovente. Le sequenze ci ricordano il potere di un gesto ripetuto e l’atemporalità di importanti storie culturali. L’artista che ha ideato questa narrazione ha realizzato le opere con un senso del ruolo che gli antenati giocano nella nostra esperienza del presente e nella nostra immaginazione del futuro.

Tappeto di Bayeux

L’arazzo di Bayeux è uno dei capolavori più immediatamente riconosciuti dell’arte medievale e un’importante fonte storica per la conquista normanna dell’Inghilterra nel 1066, ma non è un arazzo né (con tutta probabilità) è stato fatto a Bayeux!

Si tratta infatti di un lavoro di ricamo, costruito con fili di lana di diversi colori cuciti su otto strisce di lino. Non si sa dove sia stato fatto l’arazzo di Bayeux, ma potrebbe essere stato commissionato dal fratellastro di Guglielmo di Normandia, il vescovo Odo di Bayeux, per la consacrazione della sua cattedrale nel 1077. Si sapeva che si trovava a Bayeux nel 1476, ma fu dimenticato dalla storia fino alla sua riscoperta negli anni 1690. A causa dei paralleli con i manoscritti tardo anglosassoni di Canterbury, si pensa che il ricamo sia stato fatto lì.

Il ricamo, se disegnato da uomini normanni, è probabile che sia stato lavorato da donne anglosassoni. Racconta la storia della conquista normanna dal 1064 circa – quando Harold va in spedizione nel nord della Francia, unendosi a William in una campagna militare contro un signore bretone ribelle. Descrive poi come Harold reclama lui stesso la corona nel 1066, conducendo il suo esercito a una sanguinosa sconfitta nel luogo oggi noto come Battaglia. Anche se a volte è visto come un lavoro di propaganda normanna, è abbastanza imparziale – forse riflettendo un periodo in cui i Normanni speravano di integrarsi con i loro nemici anglosassoni.

Lo stile fumettistico dell’Arazzo di Bayeux risuona con lo spettatore moderno. Anche se le sue rappresentazioni sembrano ingenue, racconta una storia vivace e divertente – con scene di sesso, sangue e gore. Non c’è da stupirsi che sia stato imitato dai fumettisti nella storia recente, specialmente dai satirici politici. Con quasi 1000 anni di vita, è ancora oggi come allora.

L’Arazzo di Bayeux non è nella collezione del British Museum, ma il Museo ha una serie di calchi del ricamo. Puoi trovare maggiori informazioni sull’Arazzo di Bayeux qui.

Rotoli giapponesi

Molte persone hanno familiarità con i manga moderni, ma la forma d’arte – con le sue linee e immagini espressive – è molto più antica di quanto si possa pensare. Le radici dei manga possono essere fatte risalire a quasi mille anni fa, ai rotoli di carta dipinti giapponesi.

Intorno all’anno 1200, un artista anonimo e spiritoso produsse una serie di rotoli dipinti che mostrano conigli e scimmie che fanno il bagno in un fiume, rane e conigli che lottano, e altre scene in cui gli animali si comportano come gli umani. Conosciuto come i Rotoli di animali giocosi (Chōjū giga), questo lavoro è considerato da alcuni il fondamento del manga moderno. Il Racconto delle scimmie, realizzato alla fine del 1500, mostra scimmie che recitano situazioni umane serie e comiche. Include i primi esempi di bolle di discorso (fukidashi), e altre tecniche essenziali per il manga moderno – figure che appaiono più volte all’interno di una singola illustrazione, un forte senso di progressione visiva, dettagli divertenti all’interno di una scena più grande, e il predominio dell’azione visiva sul testo.

Scopri di più sull’arte narrativa nella mostra Manga di Citi, fino al 26 agosto.

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