Per tutto il tempo in cui gli esseri umani hanno strisciato sulla superficie della terra siamo stati affascinati dall’arte e dal movimento. I primi disegni nelle caverne mostrano che anche gli uomini primitivi cercavano di dare l’illusione del movimento mettendo in posa gli arti nei loro schizzi di animali.

Passiamo al 1800 e ancora prima dell’invenzione della macchina da presa, Edward Muybridge usava fotografie scattate in sequenza per aiutare a studiare il movimento umano e animale, immagini che sono ancora oggi frequentemente usate.

Migliora le tue abilità

Al giorno d’oggi siamo circondati dall’animazione in una forma o nell’altra, che si tratti di film, televisione o metodi più tradizionali. Quindi, con l’animazione intorno a noi, come puoi tu, come animatore, distinguerti dalla massa e migliorare le tue abilità?

Quelli che seguono sono 15 consigli per migliorare la tua animazione dei personaggi. Anche se alcuni di questi sono rivolti all’animazione 3D, la maggior parte può essere applicata anche ad altri generi più fisici.

Osserva i personaggi della vita reale

Soffiare la vita in un oggetto una volta inanimato può sembrare un compito semplice, ma sono quelle sottili sfumature che possono aiutare a ritrarre le emozioni e dare una vera sensazione di pensiero e considerazione dietro ogni movimento.

Osservare le persone, come interagiscono, come si esprimono e anche come si muovono è essenziale per aiutarvi a ottenere una buona comprensione, non solo del movimento ma anche del tempo e del peso. Perché non prendersi del tempo per uscire, prendere un caffè e osservare il mondo intorno a sé? (Non stai saltando il lavoro – è ricerca!)

Studiare la psicologia del movimento

Per imitare veramente qualcuno devi prima capire i suoi movimenti, non solo il processo di movimento ma anche l’intenzione. Non ti sto suggerendo di mollare tutto e iscriverti all’università locale, ma piuttosto di fare una piccola ricerca.

Tutto ciò che facciamo ha uno scopo, e il modo in cui ci atteggiamo e ci teniamo può parlare molto. Capire i processi di pensiero dietro al perché facciamo quello che facciamo, e quando, vi aiuterà a condividere questo attraverso la vostra animazione.

Cercare riferimenti nel mondo reale

Quando si anima la faccia è essenziale avere qualcosa di solido a cui fare riferimento. Quando si lavora con i doppiatori, la maggior parte dei migliori studi di animazione li registrano mentre stendono l’audio dei loro personaggi. Questo video viene poi passato all’animatore per fare riferimento mentre lavora, permettendogli di catturare le espressioni degli attori mentre parlano e si esprimono.

Se questa non è un’opzione, perché non usare la propria faccia come riferimento? Prendete uno specchio e ripetete le parole, o anche solo ricreate le espressioni chiave per darvi un buon punto di partenza da cui lavorare.

Filmati da solo

Non potrai mai avere una buona sensazione di come una certa animazione dovrebbe svolgersi stando seduto ad una scrivania, e i riferimenti online possono portarti solo fino ad un certo punto. Per capire come e perché un personaggio dovrebbe muoversi nel modo in cui si muove, perché non registrarsi mentre si esegue quell’azione?

Tutti abbiamo accesso a videocamere al giorno d’oggi, infatti la maggior parte di noi le ha in tasca. Quindi, invece di usare i vostri telefoni solo per i selfies e Facebook, perché non uscire dalla vostra sedia e registrarvi in azione?

Attuate la scena voi stessi, e non importa quanto ruvida e imbarazzante possa sembrare, questa registrazione vi darà un blocco di partenza essenziale su cui poi lavorare. Essere in grado di mettere in pausa, riavvolgere e rivedere al rallentatore assicura di catturare tutte le sottigliezze che altrimenti si perderebbero.

Mantieni il tuo rig semplice

Animare con successo in 3D non dipende solo dal talento dell’animatore. La maggior parte di ciò che possono ottenere dipende pesantemente dal rig che stanno usando. Un sistema rapido e generico vi darà gli strumenti principali da usare, ma per dare al vostro personaggio quel vantaggio, il rig deve essere fatto su misura per le esigenze specifiche dell’animatore.

Un rig non professionale può anche aumentare il carico di lavoro dell’animatore. Se molte delle meccaniche e dei sistemi sottostanti sono facilmente accessibili, potrebbero essere accidentalmente modificati, con il risultato di un rig rotto.

I migliori rig sono quelli che lasciano l’animatore ad animare. Prendono semplicemente il personaggio e lo muovono senza sistemi complicati con cui confrontarsi, o continui viaggi dall’artista tecnico perché la mascella è improvvisamente dall’altra parte della scena e non sanno perché.

Forma prima le pose chiave

Vedere un mucchio di poligoni o argilla che improvvisamente prende vita e mostra emozioni è veramente gratificante, ma questo non significa che devi correre avanti e concentrarti su ogni posa in dettaglio, perfezionandola prima di passare alla successiva. Lavorare su una piccola area alla volta significa non vedere il quadro generale e questo può far sì che la sequenza non sia così fluida o naturale come dovrebbe essere.

Seguire un sistema di stratificazione assicura che non si perda tempo prezioso. Il primo livello dovrebbe essere costituito da pose rapide a fotogrammi specifici, per avere un senso del tempo. Poi, una volta che hai inchiodato quelli, puoi andare avanti e ripetere il processo, aggiungendo sempre più dettagli ad ogni nuovo passaggio.

Conduci con gli occhi

Se osservi le persone mentre si muovono nella loro vita quotidiana (non in un modo da stalker, ma solo di passaggio), noterai che con ogni movimento intenzionale arriva una sequenza specifica.

Prima gli occhi si muovono verso dove vogliono andare, e poi la testa segue e poi il collo. Questo continua lungo il corpo fino a quando alla fine si spostano dove il loro obiettivo è stato attirato.

Gli occhi sono ciò da cui siamo più attratti quando guardiamo qualcuno, e nella maggior parte dei casi sono anche la prima cosa a muoversi prima del resto del corpo.

Studiare gli effetti della gravità

La gravità ha effetti su tutto, a meno che tu non sia nello spazio. Quando invecchiamo, siamo in una lotta costante per rimanere in piedi, il che non è mai più evidente che attraverso i nostri pezzi sciolti e traballanti. È questa attrazione gravitazionale, combinata con la nostra massa fisica, che è cruciale da catturare in ogni movimento.

Per esempio, camminare è un movimento semplice, ma molto di come ci muoviamo è dettato dalla nostra costituzione fisica. Se siete alti e magri, allora potreste essere più leggeri sui vostri piedi, mentre qualcuno con una figura più piena avrà una caduta dei piedi più pesante, con la vita che si immerge di più mentre cerca di sollevare la parte superiore del corpo.

Questo può sembrare un consiglio ovvio, ma è importante. Ricordati di dare peso alla tua animazione.

Tempo i movimenti del tuo personaggio

Il mondo è governato dal tempo. Anche se le nostre giornate sono diverse, ci muoviamo tutti al suono dello stesso orologio. Per quanto riguarda l’animazione, questo tempo è sotto il vostro controllo. Ma se lo si usa in modo irresponsabile, i risultati possono essere difficili da leggere e finire per dare allo spettatore l’impressione sbagliata.

I movimenti più felici e gioiosi sono di solito veloci e nitidi; ecco perché funzionano bene nei cartoni animati. Possono anche aiutare ad aggiungere esagerazione ad un movimento, e anche aggiungere enfasi quando l’eroe si ritrae lentamente per dare potenza al pugno, che è finito in un lampo.

I movimenti più bassi possono significare il contrario, e sono spesso usati per mostrare che il personaggio si sente giù, o turbato.

Mantieni il tuo personaggio in equilibrio

Una delle prime cose che impariamo da bambini è come salire sui nostri piedi e fare i nostri primi passi. Fare questo non è un’impresa facile perché richiede forza e, soprattutto, equilibrio. Ad ogni passo si impara a spostare il proprio centro di gravità per assicurarsi di non cadere. Il centro di gravità è un elemento importante da portare anche nell’animazione.

Prova a stare in piedi con i piedi divaricati e solleva la gamba destra da terra, ma fallo mantenendo la vita ferma. È difficile resistere all’impulso di muovere la vita sopra il piede sinistro, per non cadere.

Quando fate questo state spostando il vostro centro di gravità per mantenere l’equilibrio. E naturalmente, se dovete farlo nella vita reale, dovrete assicurarvi che anche i vostri personaggi lo facciano.

Riciclare le animazioni di base

Questo particolare consiglio funziona davvero solo quando si anima nel mondo virtuale, ma è importante salvare le animazioni di base e tenerne una buona scorta a portata di mano.

Anche se si tratta di un ciclo di camminata o di corsa di base, potete portarlo in una scena quando lavorate su un nuovo personaggio e darvi un vantaggio.

Una volta che avete applicato questo movimento di base, con tutte le pose principali e i fotogrammi chiave a posto, potete poi dedicare più tempo a regolare i tempi, il peso e lo stile per soddisfare la personalità di quel particolare personaggio.

Usa un modello di base

Manipolare un modello ad alta risoluzione nella finestra di viewport può finire per causare uno sforzo al vostro sistema, specialmente quando il modello deve deformarsi e muoversi con uno scheletro o altri deformatori complessi. Questo è più evidente quando si tenta di riprodurre l’animazione in tempo reale e si scopre che si sta vedendo solo ogni decimo fotogramma.

Quando si lavora con il movimento complessivo del personaggio, nascondere il modello ad alta risoluzione e invece animare con un modello proxy molto più semplice.

Questa potrebbe essere una versione ridotta del personaggio, o anche alcune scatole in scala per adattarsi vagamente alle proporzioni, ma questa versione vi permetterà di lavorare in modo fluido sulle principali aree di movimento prima di riportare il modello ad alto dettaglio per il lavoro più fine.

Anticipazione, azione, reazione

Quando si scompone ogni movimento principale può essere diviso in tre aree principali – anticipazione, azione e reazione. Se prendiamo un semplice salto come esempio, il personaggio si piega prima per accumulare potenza, questa è l’Anticipazione. Il salto stesso è l’Azione e poi l’atterraggio, con lo slancio che li spinge in avanti è la Reazione.

Questo principio funziona con molti movimenti, come tirare un pugno o oscillare una mazza. Può anche essere usato nell’animazione facciale, e anche esagerato per un effetto più comico.

Offset dei tasti

Realizzare il flusso naturale di un elemento che si trascina dietro il personaggio, come una coda, può essere difficile. La radice rimane fissata al bacino, ma il movimento deve poi seguire la punta come un’onda.

Un modo veloce per ottenere questo movimento è quello di animare la base, e poi copiare questa animazione al resto delle articolazioni. Inizialmente questo darà loro la stessa azione, ma potete poi andare a modificare i fotogrammi chiave su ogni articolazione, spostandoli in avanti di un fotogramma o due.

Questo essenzialmente ritarda l’azione iniziale sulle articolazioni superiori, dandovi il movimento simile a un’onda.

Non formare ogni lettera nel discorso

Quando si anima la faccia, e in particolare la bocca, è una buona idea cercare di non includere ogni singola lettera della parola che il personaggio sta dicendo. Questo può far muovere la bocca troppo velocemente, e spesso dare un aspetto erratico.

Se osservate le persone mentre parlano vedrete che le loro labbra non formano fisicamente ogni lettera, invece quello che si ottiene è un movimento più generale e organico che scorre attraverso la frase.

Prendiamo un semplice ‘Ciao’ per esempio. Se pronunci questo saluto guardandoti allo specchio vedrai che le tue labbra formano più una H-E-O, con la lingua che fa una breve apparizione per fare il suono L.

Più da Ant al Vertex

Ant Ward sarà al Vertex per rispondere alle tue domande, come parte della nostra sezione ‘Ask an Artist’. Queste sessioni sono una fantastica opportunità per avere un faccia a faccia con un artista veterano, che può aiutarvi a superare un blocco nel vostro lavoro, o a parlare di un’area problematica.

Ant è un artista con una grande esperienza in molte aree della CG. È stato un regolare sulle pagine di 3D World per molti anni e ha scritto numerosi tutorial, oltre a far parte del nostro esperto team di Q e A.

Per prenotare un biglietto per Vertex 2018 vai sul sito di Vertex, dove troverai informazioni su tutte le attività della giornata, dai discorsi chiave alla tavola rotonda e alla fiera del reclutamento.

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