Art rupestre africain

L’art rupestre est la pratique de la gravure, du dessin ou de la peinture d’images sur des surfaces rocheuses inamovibles, et constitue l’une des plus anciennes formes matérielles d’expression humaine au monde, remontant à 30 000 ans en Afrique.

Les chercheurs en art rupestre se débattent avec les questions de la signification de l’art rupestre, des histoires que les images racontent et de la manière dont nous pouvons les interpréter et les comprendre. Dans certains cas, le sens derrière ces images énigmatiques est difficile à interpréter, mais parfois elles transmettent des récits et des messages clairs sur la vie sociale des gens.

L’image ci-dessous provient des montagnes Acacus en Libye et montre un moment intime entre deux personnes, un individu avec une coiffure ornée lavant ou s’occupant des cheveux d’un autre. Elle fait partie d’une scène plus large interprétée comme les préparatifs d’un mariage. Cette image magnifiquement peinte dépeint un moment personnel et familier qui résonne.

Un autre exemple provenant de Game Pass Shelter dans les montagnes du Drakensberg, en Afrique du Sud, représente une antilope éland, le visage tourné vers le spectateur, représentée comme si elle trébuchait en avant. Saisissant la queue de l’éland est un thérianthrope (une figure mythologique mi-humaine, mi-animale).

Pendant de nombreuses années, cette image était difficile à interpréter jusqu’à ce que le chercheur en art rupestre David Lewis-Williams utilise les récits oraux du peuple San|Bushman d’Afrique australe pour lui donner un sens. Plutôt que d’être simplement illustratives, les images d’éland et de thérianthropes véhiculent des histoires métaphoriques sur les chamans qui interagissent avec le monde des esprits.

Vous pouvez découvrir plus d’art rupestre africain grâce à notre grand projet de recherche ici.

Les reliefs de palais assyriens

L’Assyrie ancienne était l’une des grandes civilisations du monde antique, dont le cœur était situé dans la région nord de l’Irak actuel.
Les rois assyriens construisaient à une échelle somptueuse. Ashurnasirpal II (883-859 av. J.-C.) fut le premier roi assyrien à décorer largement son palais avec des panneaux de pierre sculptée.

La majorité représente des figures protectrices magiques, comme des génies ailés, qui protégeaient le roi des forces surnaturelles néfastes. Certaines pièces du palais étaient également décorées de scènes narratives. Les principaux thèmes abordés sont la chasse royale, les campagnes militaires et les rituels d’État. Les panneaux muraux étaient peints dans des couleurs vives, mais peu de traces de pigment survivent aujourd’hui.

Les scènes narratives représentées sur les sculptures du palais d’Ashurnasirpal transmettent les bases politiques et idéologiques de l’empire assyrien. En tant que protecteur divinement désigné de l’Assyrie, il était du devoir du roi de maintenir l’ordre dans le monde en vainquant les forces du chaos. Ashurnasirpal montre sa capacité à protéger le royaume en tuant des animaux dangereux et en vainquant les ennemis de l’Assyrie.

Les panneaux muraux sont généralement divisés en registres, un peu comme une bande dessinée moderne, qui peuvent être lus de gauche à droite, ou de droite à gauche. Les événements qui se sont produits à différents moments dans le temps sont souvent représentés dans le même espace narratif afin que le spectateur puisse suivre chaque étape de l’histoire dans le bon ordre.

Miroir chinois en bronze

En Chine, les scènes narratives mettant en scène des personnages historiques ont commencé à être utilisées à partir de la dynastie Han (202-220 avant JC) pour la décoration des miroirs. Avec quatre groupes de figures, ce miroir raconte l’histoire d’un épisode décisif pendant les années de guerre épique entre deux puissants États du sud-est de la Chine – Wu et Yue dans la période entre 770-476 avant JC.

Le personnage de gauche qui semble à la fois en proie à un profond chagrin et à l’indignation (avec ses yeux et sa bouche grands ouverts et sa barbe volante) est Wu Zixu, un général héroïque de l’État Wu. Il est représenté tenant une lame en train de se suicider et la raison pour laquelle il est révélé dans les trois autres quarts du miroir.

Après des années de conflit, le roi de l’état Yue et son ministre (les deux personnages à gauche de Wu Zixu) ont une idée pour compromettre l’état Wu, en envoyant de belles femmes au roi de Wu. Les belles filles de Yue ont été acceptées par le roi de Wu, qui est assis sur son trône flanqué et soutenu par des panneaux finement décorés, tout en agitant ses mains pour décliner le conseil de Wu Zixu de rejeter les filles de Yue. Comme Wu Zixu proteste, le roi Wu lui donne une épée et lui ordonne de se suicider pour avoir offensé son roi.

La mort épouvantable de ce fidèle général signale également le sort inévitable de l’état Wu. Son roi et d’autres fonctions étant corrompus, l’état est finalement annexé par les Yue en 473 av. J.-C., seulement neuf ans après la mort de Wu Zixu.

Panneau de calcaire sculpté provenant du Grand sanctuaire d’Amaravati

Parmi les œuvres les plus importantes de la littérature bouddhiste ancienne, on trouve les récits de 550 vies antérieures du Bouddha, connus sous le nom de jātakas.

Dans ces histoires, le Bouddha prend diverses formes telles que des rois désintéressés, des fils consciencieux et dans certains cas des animaux comme des éléphants, des singes et des chèvres. En parallèle avec les fables d’Esope, les jātakas offraient des conseils moraux aux masses, tout en illustrant les enseignements bouddhistes de manière convaincante et dramatique. Le point culminant des jātakas fut l’existence finale du Bouddha en tant que prince Siddhartha Gautama, qui précéda son éventuelle illumination.

Un exemple du jātaka final du Bouddha est un panneau de calcaire sculpté provenant du Grand Sanctuaire d’Amaravati, qui était l’un des plus anciens, des plus grands et des plus importants monuments bouddhistes de l’Inde ancienne, fondé vers 200 avant JC dans ce qui est aujourd’hui l’État de l’Andhra Pradesh, dans le sud-est de l’Inde.

Le panneau date du premier siècle de notre ère, lorsque les représentations du Bouddha restaient  » aniconiques  » (non représentables sous forme humaine). Il présente un récit de sa conception et de sa naissance avec des scènes ou « cellules » qui peuvent être lues comme une bande dessinée du haut à droite au bas à gauche.

La première scène en haut à droite représente la mère du Bouddha, la reine Māyā, rêvant béatement d’un éléphant blanc entrant à ses côtés, représentant la conception du Bouddha. Lorsqu’il apprend cela, le roi demande que le rêve soit interprété par le sage de la cour, qui prédit que l’enfant grandira pour devenir soit un grand empereur, soit un grand chef spirituel. C’est ce que l’on peut voir dans la cellule en haut à gauche.

Dans l’ordre chronologique, en bas à droite, le prince Siddhartha ; le futur Bouddha, naît immaculé du côté de la reine Māyā alors qu’elle tient la branche d’un arbre, en présence des quatre Dikpāla (figures tutélaires) qui tiennent chacun un tissu sur lequel on peut voir les minuscules empreintes de pieds – une représentation aniconique subtile mais claire des premiers pas du Bouddha. (Les minuscules empreintes du Bouddha ne sont visibles que lorsqu’on les regarde de très près, essayez donc de les trouver lors de votre prochaine visite au musée.)

Dans la scène finale en bas à gauche, le tissu est présenté par la reine Māyā à une divinité tutélaire qui lui rend hommage par le geste de l’Anjali Mudra, la tête inclinée révérencieusement, les paumes pressées l’une contre l’autre en signe de respect.

Coffret montrant le cycle de la Passion

Ces quatre panneaux d’ivoire formaient autrefois les côtés d’une boîte carrée, probablement fabriquée à Rome dans la première moitié du Ve siècle de notre ère. Une histoire condensée de sept événements distincts se déroulait sur sa surface. Chaque plaque faisait partie d’un cycle de la Passion, centré sur les derniers jours du Christ.

Le récit commence avec Pilate se lavant les mains (en haut à gauche) et culmine avec l’apparition du Christ aux disciples après la résurrection (en bas à droite). Jésus est le protagoniste de chaque scène. En faisant tourner la boîte, le décor changeait presque comme un plan de film. On voit d’abord le Christ portant la croix, puis suspendu à celle-ci. Ensuite, le ton du récit change, les compositions devenant plus simples. On voit des femmes se tenant devant le tombeau vide de Jésus, puis des apôtres entourant Jésus dans l’Incrédulité de Thomas.

Le rendu artistique a permis d’enrichir le récit de significations supplémentaires. Placées sur les bords opposés de la boîte, les images formaient des échos et des références visuelles – les gestes du disciple Thomas, prêt à mettre ses doigts dans les plaies du Christ, répliquent ceux de Longinus perçant les côtes de Jésus lors de la crucifixion. Dans cette dernière scène, le Christ est représenté vivant et les yeux grands ouverts, tandis que le personnage de Judas est suspendu sans vie à un arbre. L’arbre lui-même forme un parallèle visuel avec les barres de bois de la croix représentée. Cette attention aux détails permet aux spectateurs, même aujourd’hui, de faire une nouvelle expérience des récits bien connus des Évangiles.

Les linteaux de Yaxchilán

Ces sculptures en relief, connues sous le nom de linteaux de Yaxchilán, proviennent de l’ancien site maya de Yaxchilán, dans le sud-ouest du Mexique. Les sculptures ont été placées au-dessus des portes qui menaient à un espace unique dans un bâtiment de la cour. Elles racontent une courte histoire sur Lady K’abal Xook, qui était un leader de la communauté maya au 7e-8e siècle de notre ère.

Le premier linteau montre Lady Xook tirant une corde cloutée à travers sa langue et son sang tombant dans un bol tapissé de papier d’écorce près de ses genoux dans le cadre d’un rituel de saignée. Le partenaire de Lady Xook, Iztaamnaj B’ahlam, se tient à proximité avec une torche. La saignée était un rituel courant chez les élites mayas pour honorer les dieux. Les glyphes (écriture) gravés sur l’image nous indiquent que cette scène s’est déroulée en 709 après JC.

Le linteau suivant montre le résultat de la combustion du papier imbibé de sang. Un serpent pousse à partir de la fumée et Lady Xook communique avec un ancêtre, peut-être dans le cadre d’une vision. Cependant, bien qu’elle semble s’inscrire dans le prolongement de l’histoire de la sculpture du linteau précédent, cette vision est datée d’avant 681. Le dernier linteau montre Lady Xook remettant à son partenaire un casque de jaguar, symbole de sa domination avalisée. La scène date de 724 ap. J.-C.

Pour un public contemporain non-Maya, cette séquence semblera peu familière. Cependant, leur jeu sur le temps dans ce récit est émouvant. Les séquences nous rappellent le pouvoir d’un geste répété et l’intemporalité des histoires culturelles importantes. L’artiste qui a conçu ce récit a réalisé les œuvres avec un sens du rôle que jouent les ancêtres dans notre expérience du présent et notre imagination du futur.

Tapisserie de Bayeux

La tapisserie de Bayeux est l’un des chefs-d’œuvre d’art médiéval les plus instantanément reconnus et une source historique importante pour la conquête normande de l’Angleterre en 1066, mais ce n’est pas non plus une tapisserie et (selon toute probabilité) elle n’a pas été fabriquée à Bayeux !

C’est en fait un travail de broderie, construit à partir de fils de laine de différentes couleurs cousus sur huit bandes de lin. On ne sait pas exactement où la Tapisserie de Bayeux a été réalisée, mais elle pourrait avoir été commandée par le demi-frère de Guillaume de Normandie, l’évêque Odo de Bayeux, pour la consécration de sa cathédrale en 1077. On savait qu’il se trouvait à Bayeux en 1476, mais il a été oublié de l’histoire jusqu’à sa redécouverte dans les années 1690. En raison de parallèles avec des manuscrits anglo-saxons tardifs de Canterbury, on pense que la broderie a été réalisée dans cette ville.

La broderie, si elle a été conçue par des hommes normands, est susceptible d’avoir été travaillée par des femmes anglo-saxonnes. Elle raconte l’histoire de la conquête normande à partir de 1064 environ – lorsque Harold part en expédition dans le nord de la France, rejoignant Guillaume dans une campagne militaire contre un seigneur breton rebelle. Il décrit ensuite comment Harold revendique lui-même la couronne en 1066, menant son armée à une défaite sanglante à l’endroit connu aujourd’hui sous le nom de Battle. Bien que parfois considérée comme une œuvre de propagande normande, elle est assez impartiale – reflétant peut-être une époque où les Normands espéraient s’intégrer à leurs ennemis anglo-saxons.

Le style cartoonesque de la Tapisserie de Bayeux résonne chez le spectateur moderne. Bien que ses représentations semblent naïves, elle raconte une histoire vivante et divertissante – avec des scènes de sexe, du sang et du gore. Il n’est pas étonnant qu’elle ait été imitée par des caricaturistes dans l’histoire récente, notamment par des satiristes politiques. Vieille de près de 1 000 ans, elle est aussi vive aujourd’hui qu’à l’époque.

La tapisserie de Bayeux ne fait pas partie de la collection du British Museum, mais le musée possède une série de moulages de la broderie. Vous pouvez en savoir plus sur la Tapisserie de Bayeux ici.

Mainscrolls japonais

Beaucoup de gens sont familiers avec le manga moderne, mais cette forme d’art – avec ses lignes et ses images expressives – est beaucoup plus ancienne que vous ne le pensez. Les racines du manga remontent à près de mille ans, jusqu’aux rouleaux de mains japonais peints.

Aux alentours de l’an 1200, un artiste anonyme et plein d’humour a produit un ensemble de rouleaux de mains peints qui montrent des lapins et des singes se baignant dans une rivière, des grenouilles et des lapins luttant, et d’autres scènes où les animaux se comportent comme des humains. Connue sous le nom de Rouleaux de mains d’animaux gambadant (Chōjū giga), cette œuvre est considérée par certains comme le fondement du manga moderne. Le Conte des singes réalisé à la fin des années 1500 montre des singes jouant des situations humaines sérieuses et comiques. Il comprend des exemples précoces de bulles de parole (fukidashi), ainsi que d’autres techniques essentielles au manga moderne – des personnages apparaissant plusieurs fois dans une même illustration, un sens aigu de la progression visuelle, des détails amusants dans une scène plus vaste et la prédominance de l’action visuelle sur le texte.

Découvrez-en davantage sur l’art narratif dans l’exposition Manga de Citi, jusqu’au 26 août.

Soutenu par Citi.

Partenaire logistique IAG Cargo.