Malgré la Grande Dépression qui s’est abattue sur le pays, les années 1930 ont été une période passionnante pour les arts. Des romanciers tels que William Faulkner, Zora Neal Hurston, John Steinbeck, John Dos Passos, James T. Farrell et F. Scott Fitzgerald ont tous produit des œuvres majeures dans les années 1930. Au théâtre, Eugene O’Neill et Clifford Odets ont écrit des pièces influentes. En danse, le jazz et le ballet ont fusionné dans l’œuvre de Martha Graham. Les peintres et les sculpteurs américains produisent d’immenses œuvres d’art publiques et commencent à se tourner vers un style plus abstrait. Le jazz, la musique hillbilly et le blues ont trouvé un large public dans les années 1930, tandis que le cinéma hollywoodien a adopté la couleur et développé son propre style distinctif.
Comme presque tout le monde, les artistes, les écrivains et les musiciens ont souffert du climat économique de la Dépression. Dans une telle période de crise, il y avait le sentiment que l’Amérique s’était perdue et que le pays manquait d’une culture distinctive qui lui soit propre. Dans un effort pour stimuler la fierté nationale tout en contribuant à fournir quelques emplois pour aider les Américains à traverser la Dépression, la Works Progress Administration (WPA) du gouvernement, l’un des programmes politiques du New Deal du président Franklin D. Roosevelt, a soutenu l’activité artistique régionale en accordant des fonds fédéraux aux arts. Dans de nombreux cas, cela signifiait que les artistes pouvaient continuer à être payés pour travailler alors que le marché pour leurs produits avait disparu. L’idée n’était pas seulement de développer une culture américaine moderne, mais aussi d’en redécouvrir une qui se perdait. Des artistes, des écrivains, des cinéastes et des musiciens ont parcouru le pays pour documenter et emprunter la culture populaire (commune). Certains étaient payés pour collecter et développer les formes d’art régionales de la nation. Des photographes tels que Walker Evans et Dorothea Lange ont tenté de capturer la souffrance des pauvres, tandis que de nombreux romanciers ont essayé de rendre compte de cette souffrance en se tournant vers le journalisme. Des artistes comme Edward Hopper, Georgia O’Keeffe et Charles Sheeler ont tous utilisé des paysages et des scènes régionales dans leurs œuvres et, ce faisant, ont été étroitement associés à certaines régions géographiques du pays. Les écrivains, eux aussi, étaient liés aux lieux sur lesquels ils écrivaient : Nathanael West s’est fait connaître comme romancier californien, tandis que James T. Farrell était associé à Chicago et William Faulkner au Sud.
Pendant la Dépression, les arts ont dû faire appel à un public de masse pour rester en activité. Il n’y avait plus assez d’argent pour soutenir les œuvres qui ne se vendaient pas bien. À Hollywood, de nombreux studios et théâtres indépendants ont été contraints de fermer, tandis que les grands studios se sont tournés vers les comédies musicales somptueuses, les thrillers, les films d’horreur et les drames populaires qui attiraient un public plus large. Les spectateurs qui cherchent à s’évader de leur vie quotidienne apprécient l’enfant star Shirley Temple et son style sucré de chansons et de danses. La musique swing, jouée par des orchestres dirigés par Count Basie, Benny Goodman et d’autres, divertit dans les salles de danse du pays. La technologie a également contribué à faire des années 30 une ère de divertissement de masse. La radio et le juke-box ont rendu les drames, les nouvelles nationales et la musique populaire accessibles même aux communautés éloignées et rurales.
Dans les beaux-arts et les arts du spectacle, les années 1930 ont vu un conflit entre les modernistes et les traditionalistes. Les modernistes cherchaient leur inspiration en Europe et s’associaient à la haute culture. Ils favorisaient les arts expérimentaux, tels que la peinture abstraite, la musique qui n’avait pas de mélodies ou de rythmes évidents, et les romans sans intrigue. Les traditionalistes se concentraient sur les thèmes américains et les images réalistes et s’associaient à ce que certains appelaient la « basse » culture. Ils retravaillaient les chansons populaires et racontaient les contes de l’Ouest. En fin de compte, ni la culture « haute » ni la culture « basse » n’ont dominé. Au contraire, la frontière entre les deux a commencé à s’estomper. Après avoir été à l’origine une simple musique de danse, le jazz, par exemple, est devenu une forme musicale mature et très complexe. Il est devenu le favori des intellectuels urbains de la classe moyenne, tout en étant populaire auprès des danseurs. Des écrivains tels que Raymond Chandler et Horace McCoy ont écrit des romans policiers qui ont été discutés comme de la littérature, plutôt que comme des thrillers bon marché, tandis que des peintres tels que Stuart Davis ont emprunté des images de la culture populaire et de la publicité pour créer leurs œuvres autrement abstraites. Dans tous les arts, la nouvelle culture nationale est devenue un divertissement de masse et une Americana populaire, montrant une profonde préoccupation pour la vie des Américains « ordinaires ».