J’ai toujours été intrigué (et légèrement déconcerté) par le processus par lequel les illustrateurs créent leur belle imagerie, donc je suis très heureux que l’un de mes artistes préférés de tous les temps Kelly Smith (aka Birdy & Me) a accepté de faire la lumière sur son processus – de la première idée tout le chemin à la pièce finie.
Pour ceux d’entre vous qui ne connaissent pas son travail, Kelly a le type de talent dont la plupart d’entre nous ne peuvent que rêver – la capacité de créer des images fantaisistes et pourtant vivantes qui fusionnent la mode et la beauté à la perfection. En bref, elle dessine la vie comme nous aimerions tous la vivre, pleine de fleurs, de teintes pastel et de vagues parfaitement ébouriffées. Ses illustrations ont été commandées par un nombre impressionnant de magazines et de marques, dont Vogue, Net-a-Porter, H&M et Elle, et elle est sur le point de publier le deuxième livre d’une série intitulée Sticker Fashionista. Je ne pourrais pas être plus ravie que Kelly ait pris un peu de son précieux temps pour nous montrer comment elle crée ses pièces étonnantes, parfait pour suivre si vous avez envie d’affiner vos compétences en illustration (il faut admettre qu’elle donne l’impression que c’est facile alors que j’imagine que c’est tout sauf le cas). A vous de jouer, Kelly !
Il y a tellement de styles et de techniques différents dans l’illustration, et il n’y a définitivement pas de bonne ou de mauvaise façon de faire. Chacun a sa propre méthode et c’est ce qui nous rend tous uniques ! Donc, ce que je vais vous montrer aujourd’hui, c’est mon processus en 10 étapes.
Ce que j’utilise :
- Papier
- Crayons (HB, B, 2B et une mine super douce comme 3H)
- Gomme à effacer
- Peinture aquarelle &brosses
- Scanner
- Adobe Photoshop.
1. INSPIRATION
L’inspiration est la première étape de tout processus créatif. Si vous n’avez pas d’idée immédiatement, tournez-vous vers ce qui vous inspire ; l’imagerie, la nature, les films, la musique – cela peut être n’importe quoi. Une fois que vous avez une idée, vous pouvez commencer à rassembler des images qui reflètent votre vision.
2. IMAGERIE DE RÉFÉRENCE
Créez votre image de référence. Certains illustrateurs travaillent à partir de leur imagination. D’autres, comme moi, travaillent à partir d’une imagerie de référence. J’aime photographier mes propres images et les coller avec diverses autres pour créer une seule image à partir de laquelle dessiner. Je suis assez exact avec cela en raison du style réaliste de mon travail.
Pour cette image particulière, je me suis photographié en tenant un objet de taille similaire à un crâne. J’ai ensuite utilisé des images de fleurs que j’avais photographiées, ainsi que les cheveux et les traits du visage de divers modèles qui avaient été collés ensemble.
3. COMMENCEZ À ÉCRIRE
En utilisant votre image de référence comme guide, commencez à esquisser un contour. Cela vous aidera à conserver vos proportions avant de commencer à finaliser le travail au crayon. Certaines personnes aiment dessiner des grilles pour rester à l’échelle. Comme je travaille à une échelle assez petite, je préfère dessiner des lignes grossières sur l’image de référence uniquement afin de pouvoir voir facilement où s’alignent certains traits ou certaines parties du corps.
4. CONTINUEZ À ÉBAUCHER
Commencez à affiner vos lignes et le travail au crayon existant. Ne vous inquiétez pas d’aller trop épais ou trop sombre, car vous pouvez effacer ces marques comme vous commencez à développer chaque zone. Nous sommes essentiellement en train de » remplir les lignes » et de développer la profondeur et le ton avec l’ombrage et un travail au crayon plus raffiné.
5.FAIRE UNE PAUSE
Prenez du recul par rapport à votre travail. Faites une pause – prenez un café ou une tasse de thé – et prenez 5 minutes de repos. Parfois, lorsque vous regardez quelque chose pendant trop longtemps, vous pouvez commencer à perdre la perspective. Il est vraiment agréable de prendre un peu de temps pour se concentrer sur autre chose pendant un petit moment et de revenir à un projet avec un regard neuf. Cela vous aide à repérer les défauts du travail, que vous pouvez ensuite corriger ou modifier.
6. SCAN
L’étape suivante consiste à déplacer l’illustration terminée sur l’ordinateur. J’aime le faire dès que j’ai terminé tout le travail au crayon, surtout avant d’appliquer toute peinture ou autre médium. Cela signifie que vous disposez d’une copie numérique parfaite de l’œuvre, au cas où vous feriez des erreurs ! Contrairement au crayon, la peinture ou l’encre ne s’efface pas !
7. AJOUTER DES AQUACOLORES À LA MAIN
Parfois, j’ajoute juste un peu de couleur numériquement dans photoshop, mais cette fois, j’ajoute de l’aquarelle. Il est bon de faire monter la couleur lentement, alors commencez par la couleur la plus claire et ajoutez ensuite des nuances plus foncées pour créer de la profondeur et de la texture.
8. RE-SCAN
Lorsque la peinture est sèche, scannez à nouveau l’illustration. Veillez à la maintenir parfaitement droite sur le verre pour que les deux scans s’alignent lorsque vous les superposez.
9. EDIT
Ajustez les couches/contraste/ombre sur le scan original jusqu’à ce que vous soyez satisfait des tonalités. Nettoyez les éventuelles poussières ou taches. J’utilise l’outil clone. Faites de même avec votre scan peint.
10. CALQUES D’IMAGES
Enfin, superposez vos deux scans de façon à ce qu’il ne vous reste qu’une seule image. Créez une, ou deux, couches supplémentaires, en fonction de la quantité de couleur que vous voulez appliquer numériquement. J’aime ajouter une couleur subtile au visage – un maquillage numérique si vous voulez!
TA DA!
Maintenant que j’ai terminé – sauvegarder, sauvegarder, sauvegarder ! Vous devriez maintenant vous retrouver avec un fichier numérique parfait de votre illustration.
Merci beaucoup Kelly ! Vous pouvez acheter une impression de l’un des dessins de Kelly ici, et assurez-vous de consulter son site Web pour plus de son magnifique travail et des mises à jour sur son nouveau livre qui sortira ce mois-ci.