Depuis que les humains rampent à la surface de la terre, nous avons entretenu une fascination pour l’art et le mouvement. Les premiers dessins rupestres montrent que même les hommes primitifs essayaient de donner l’illusion du mouvement en posant les membres sur leurs croquis d’animaux.

Plus loin dans les années 1800 et avant même l’invention de la caméra cinématographique, Edward Muybridge utilisait des photographies prises séquentiellement pour aider à étudier le mouvement humain et animal, des images qui sont encore fréquemment utilisées à ce jour.

Améliorez vos compétences

De nos jours, nous sommes entourés par l’animation sous une forme ou une autre, que ce soit le cinéma, la télévision ou des méthodes plus traditionnelles. Alors avec l’animation tout autour de nous, comment pouvez-vous, en tant qu’animateur, vous démarquer de la foule et améliorer vos propres compétences ?

Ce qui suit est 15 conseils pour améliorer votre animation de personnages. Bien que certains d’entre eux soient destinés à l’animation 3D, la plupart peuvent également être appliqués à d’autres genres plus physiques aussi.

Observez des personnages réels

Insuffler la vie à un objet autrefois inanimé peut sembler une tâche simple, pourtant ce sont ces nuances subtiles qui peuvent aider à dépeindre l’émotion et donner un véritable sentiment de pensée et de considération derrière chaque mouvement.

Observer les gens, comment ils interagissent, comment ils s’expriment et même comment ils se déplacent est essentiel pour vous aider à acquérir une bonne compréhension, non seulement du mouvement mais aussi du timing et du poids. Pourquoi ne pas prendre le temps de sortir, de prendre un café et d’observer le monde qui vous entoure ? (Vous ne séchez pas le travail – c’est de la recherche !)

Étudier la psychologie du mouvement

Pour vraiment imiter quelqu’un, vous devez d’abord comprendre ses mouvements, non seulement le processus de mouvement mais aussi dans l’intention. Je ne vous suggère pas de tout laisser tomber et de vous inscrire à votre université locale, mais plutôt de faire quelques recherches.

Tout ce que nous faisons a un but, et la façon dont nous nous posons et nous tenons peut en dire long. Comprendre les processus de pensée derrière pourquoi nous faisons ce que nous faisons, et quand, vous aidera à partager cela à travers votre animation.

Seek out real-world references

Lorsque vous animez le visage, il est essentiel d’avoir quelque chose de solide auquel se référer. Lorsque vous travaillez avec des artistes voix-off, la plupart des meilleurs studios d’animation les enregistrent pendant qu’ils posent l’audio de leurs personnages. Cette vidéo est ensuite transmise à un animateur pour qu’il s’y réfère pendant qu’il travaille, ce qui lui permet de capturer les expressions des acteurs lorsqu’ils parlent et émettent.

Si ce n’est pas une option, alors pourquoi ne pas utiliser votre propre visage comme référence ? Attrapez un miroir et répétez les mots, ou même simplement recréer les expressions clés pour vous donner un bon point de départ pour travailler.

Filmez-vous

Vous ne pourrez jamais avoir une bonne impression de la façon dont une certaine animation devrait se dérouler en étant assis à un bureau, et les références en ligne ne peuvent vous mener qu’à une certaine limite. Pour comprendre comment et pourquoi un personnage doit bouger de la manière dont il le fait, pourquoi ne pas vous enregistrer en train de réaliser cette action ?

Nous avons tous accès à des caméras vidéo de nos jours, en fait la plupart d’entre nous en ont dans leur poche. Alors au lieu d’utiliser vos téléphones uniquement pour les selfies et Facebook, pourquoi ne pas vous lever de votre siège et vous enregistrer en action ?

Réalisez vous-même la scène, et peu importe à quel point elle peut sembler rude et embarrassante, cet enregistrement vous donnera un bloc de départ essentiel pour ensuite travailler par-dessus. Pouvoir faire une pause, revenir en arrière et le revoir au ralenti vous assure de saisir toutes les subtilités qui seraient autrement manquées.

Gardez votre rig simple

L’animation réussie en 3D ne dépend pas seulement du talent de l’animateur. La plupart de ce qu’ils peuvent réaliser repose fortement sur le rig qu’ils utilisent. Un système rapide et générique vous donnera les principaux outils à utiliser, mais pour donner à votre personnage cet avantage, le rig doit être adapté aux besoins spécifiques de l’animateur.

Un rig non professionnel peut également ajouter à la charge de travail de l’animateur. Si une grande partie de la mécanique et des systèmes sous-jacents sont facilement accessibles, ils pourraient être accidentellement modifiés, ce qui entraînerait un rig cassé.

Les meilleurs rigs sont ceux qui laissent l’animateur animer. Ils prennent simplement le personnage et le déplacent sans avoir à faire face à des systèmes compliqués ou à des voyages constants vers l’artiste technique parce que la mâchoire est soudainement de l’autre côté de la scène et qu’ils ne savent pas pourquoi.

Former d’abord les poses clés

Voir un tas de polygones ou d’argile prendre soudainement vie et montrer de l’émotion est vraiment gratifiant, mais cela ne signifie pas que vous devez vous précipiter et vous concentrer sur chaque pose en détail, la peaufiner avant de passer à la suivante. En travaillant sur une petite zone à la fois, vous ne verrez pas l’ensemble du tableau et cela peut avoir pour conséquence que la séquence ne soit pas aussi fluide ou naturelle qu’elle devrait l’être.

Suivre un système de superposition vous assure de ne pas perdre un temps précieux. La première couche devrait être des poses rapides à des images spécifiques, pour avoir un sens du timing. Puis, une fois que vous les avez clouées, vous pouvez passer et répéter le processus, en ajoutant de plus en plus de détails à chaque nouveau passage.

Menez avec les yeux

Si vous observez les gens dans leur vie quotidienne (pas de manière à les harceler, mais juste en passant), vous remarquerez qu’à chaque mouvement volontaire correspond une séquence spécifique.

D’abord, les yeux se déplacent vers l’endroit où ils veulent aller, puis la tête suit et ensuite le cou. Cela continue le long du corps jusqu’à ce qu’ils se déplacent finalement là où leur attention a été attirée.

Les yeux sont ce qui nous attire le plus lorsque nous regardons quelqu’un, et dans la plupart des cas, ils sont aussi la première chose à bouger avant le reste du corps.

Etudier les effets de la gravité

La gravité a un effet sur tout, sauf si vous êtes dans l’espace. En vieillissant, nous sommes dans une lutte constante pour rester debout, ce qui n’est jamais plus visible qu’à travers nos morceaux lâches et bancals. C’est cette attraction gravitationnelle, combinée à notre propre masse physique, qui est cruciale à capturer dans chaque mouvement.

Marcher, par exemple, est un mouvement simple – mais une grande partie de la façon dont nous nous déplaçons est dictée par notre propre corpulence physique. Si vous êtes grand et mince, alors vous pouvez être plus léger sur vos pieds, tandis que quelqu’un avec une figure plus pleine aura une chute de pied plus lourde, avec sa taille plongeant davantage alors qu’il essaie ensuite de lever le haut de son corps.

Ce conseil peut sembler évident, mais il est important. N’oubliez pas de donner du poids à votre animation.

Chronométrez les mouvements de votre personnage

Le monde est régi par le temps. Même si nos journées sont différentes, nous bougeons tous au son de la même horloge. Lorsqu’il s’agit d’animation, ce temps est sous votre contrôle. Pourtant, utilisez-le de manière irresponsable et les résultats peuvent être difficiles à lire, et finir par donner une mauvaise impression au spectateur.

Les mouvements plus joyeux sont généralement rapides et nets ; c’est pourquoi ils fonctionnent bien dans les dessins animés. Ils peuvent également aider à ajouter de l’exagération à un mouvement, et aussi ajouter de l’emphase lorsque le héros recule lentement pour renforcer son coup de poing, qui se termine en un éclair.

Les mouvements plus lents peuvent signifier le contraire, et sont souvent utilisés pour montrer que le personnage se sent déprimé, ou contrarié.

Gardez votre personnage en équilibre

L’une des premières choses que nous apprenons en tant qu’enfants est comment grimper sur nos pieds et faire nos premiers pas. Faire cela n’est pas un exploit facile car cela demande de la force et surtout de l’équilibre. À chaque pas, vous apprenez à déplacer votre centre de gravité pour vous assurer de ne pas tomber. Le centre de gravité est un élément important à faire entrer dans l’animation aussi.

Essayez de vous tenir debout avec les pieds écartés et soulevez votre jambe droite du sol, mais faites-le en gardant votre taille immobile. Il est difficile de résister à l’envie de déplacer votre taille sur votre pied gauche, pour vous empêcher de tomber.

Lorsque vous faites cela, vous déplacez votre centre de gravité pour maintenir l’équilibre. Et bien sûr, si vous devez le faire dans la vie réelle, vous devrez vous assurer que vos personnages le font aussi.

Recyclez les animations de base

Cette astuce particulière ne fonctionne vraiment que lorsque vous animez dans le monde virtuel, mais il est important de sauvegarder les animations de base, et d’en garder un stock sain à portée de main.

Même s’il s’agit d’un cycle de marche ou de course basique, vous pouvez l’apporter dans une scène lorsque vous travaillez sur un nouveau personnage et vous donner une longueur d’avance.

Une fois que vous avez appliqué ce mouvement de base, avec toutes les poses principales et les images clés en place, vous pouvez alors consacrer plus de temps à ajuster le timing, le poids et le style en fonction de la personnalité de ce personnage particulier.

Utiliser un modèle de base

Manipuler un modèle haute résolution dans le viewport peut finir par causer une contrainte sur votre système, surtout lorsque le modèle doit se déformer et se déplacer avec un squelette ou d’autres déformateurs complexes. Cela est plus perceptible lorsque vous essayez de jouer l’animation en temps réel et que vous découvrez que vous ne voyez qu’une image sur dix.

Lorsque vous travaillez avec le mouvement global de votre personnage, cachez le modèle haute résolution et animez plutôt avec un modèle proxy beaucoup plus simple.

Cela pourrait être une version réduite du personnage, ou même quelques boîtes mises à l’échelle pour s’adapter vaguement aux proportions, mais cette version vous permettra de travailler de manière fluide sur les principales zones de mouvement avant de ramener ensuite le modèle haute résolution pour le travail de détail plus fin.

Anticipation, action, réaction

Lorsque vous décomposez chaque mouvement majeur, il peut être divisé en trois zones principales – Anticipation, Action, et Réaction. Si nous prenons un simple saut comme exemple, le personnage se penche d’abord pour accumuler de la puissance, c’est l’Anticipation. Le saut lui-même est l’Action, puis l’atterrissage, avec l’élan qui les pousse en avant est la Réaction.

Ce principe fonctionne avec de nombreux mouvements, comme lancer un coup de poing ou balancer une batte. Il peut également être utilisé sur l’animation faciale, et même exagéré pour un effet plus comique.

Décalage de vos touches

Réaliser le flux naturel d’un élément traînant derrière votre personnage, comme une queue, peut être délicat. La racine reste fixée au bassin mais le mouvement doit ensuite suivre jusqu’à l’extrémité comme une vague.

Une façon rapide d’obtenir ce mouvement est d’animer la base, puis de copier cette animation sur le reste des articulations. Initialement, cela leur donnera à toutes la même action, mais vous pouvez ensuite entrer et éditer les images clés sur chaque articulation, en les décalant vers l’avant d’une image ou deux.

Cela retarde essentiellement cette action initiale sur les articulations supérieures, vous donnant le mouvement semblable à une vague.

Ne pas former chaque lettre dans la parole

Lorsqu’on anime le visage, et en particulier la bouche, c’est une bonne idée d’essayer de ne pas inclure chaque lettre du mot que le personnage dit. Cela peut faire bouger la bouche trop rapidement, et souvent donner une apparence erratique.

Si vous observez les gens quand ils parlent, vous verrez que leurs lèvres ne forment pas physiquement chaque lettre, au lieu de cela, ce que vous obtenez est un mouvement plus général et organique qui coule à travers la phrase.

Prenez un simple « Bonjour » par exemple. Si vous prononcez cette salutation en vous regardant dans un miroir, vous verrez que vos lèvres forment plutôt un H-E-O, la langue faisant une brève apparition pour faire le son L.

Plus de Ant au Vertex

Ant Ward sera au Vertex pour répondre à vos questions, dans le cadre de notre section « Demandez à un artiste ». Ces sessions sont une occasion fantastique d’avoir un tête à tête avec un artiste vétéran, qui peut vous aider à surmonter un blocage dans votre travail, ou à parler d’une zone problématique.

Ant est un artiste avec une énorme expérience dans de nombreux domaines de la CG. Il est un habitué des pages de 3D World depuis de nombreuses années et a écrit de nombreux tutoriels, tout en faisant partie de notre équipe de questions-réponses experte.

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