Desarrollo tempranoEdición
En 1857, Oscar Rejlander creó la primera imagen de «efectos especiales» del mundo combinando diferentes secciones de 32 negativos en una sola imagen, haciendo una impresión combinada montada. En 1895, Alfred Clark creó lo que se considera el primer efecto especial de una película. Mientras filmaba una recreación de la decapitación de María, Reina de Escocia, Clark dio instrucciones a un actor para que se acercara al bloque con el traje de María. Cuando el verdugo levantó el hacha por encima de su cabeza, Clark detuvo la cámara, hizo que todos los actores se congelaran e hizo que la persona que interpretaba a María saliera del plató. Colocó un maniquí de María en el lugar del actor, reinició la filmación y permitió que el verdugo bajara el hacha, cortando la cabeza del maniquí. Técnicas como ésta dominarían la producción de efectos especiales durante un siglo.
No sólo fue el primer uso del truco en el cine, sino también el primer tipo de truco fotográfico que sólo era posible en una película, y que se conoce como el «truco de la parada». Georges Méliès, uno de los primeros pioneros del cine, descubrió accidentalmente el mismo «truco de parada». Según Méliès, su cámara se atascó mientras filmaba una escena callejera en París. Cuando proyectó la película, descubrió que el «truco de la parada» había provocado que un camión se convirtiera en un coche fúnebre, que los peatones cambiaran de dirección y que los hombres se convirtieran en mujeres. Méliès, director de escena del Teatro Robert-Houdin, se inspiró para desarrollar una serie de más de 500 cortometrajes, entre 1914, en el proceso de desarrollo o invención de técnicas como las exposiciones múltiples, la fotografía de lapso de tiempo, las disoluciones y el color pintado a mano. Debido a su capacidad para manipular y transformar aparentemente la realidad con el cinematógrafo, al prolífico Méliès se le conoce a veces como el «Cinemago». Su película más famosa, Le Voyage dans la lune (1902), una parodia caprichosa de De la Tierra a la Luna, de Julio Verne, presentaba una combinación de acción real y animación, y también incorporaba un amplio trabajo de miniaturas y pintura mate.
De 1910 a 1920, las principales innovaciones en efectos especiales fueron las mejoras en el plano mate de Norman Dawn. Con el matte shot original, se colocaban trozos de cartón para bloquear la exposición de la película, que se expondría posteriormente. Dawn combinó esta técnica con el «glass shot». En lugar de utilizar cartones para bloquear ciertas zonas de la exposición de la película, Dawn se limitó a pintar ciertas zonas de negro para evitar que la luz expusiera la película. A partir de la película parcialmente expuesta, se proyecta un solo fotograma en un caballete, donde se dibuja el mate. Al crear el mate a partir de una imagen directamente de la película, resultaba increíblemente fácil pintar una imagen con el debido respeto a la escala y la perspectiva (el principal defecto del plano de cristal). La técnica de Dawn se convirtió en el libro de texto para las tomas de mate debido a las imágenes naturales que creaba.
Durante las décadas de 1920 y 1930, las técnicas de efectos especiales fueron mejoradas y refinadas por la industria cinematográfica. Muchas técnicas -como el proceso Schüfftan- eran modificaciones de las ilusiones del teatro (como el fantasma de la pimienta) y de la fotografía fija (como la doble exposición y la composición de mates). La retroproyección fue un refinamiento del uso de fondos pintados en el teatro, sustituyendo las imágenes en movimiento para crear fondos en movimiento. El moldeado de rostros se importó de la fabricación tradicional de máscaras. Junto con los avances del maquillaje, se podían crear máscaras fantásticas que se ajustaban perfectamente al actor. A medida que la ciencia de los materiales avanzaba, la fabricación de máscaras para las películas de terror seguía de cerca.
Muchos estudios crearon departamentos internos de «efectos especiales», que se encargaban de casi todos los aspectos ópticos y mecánicos de los trucos de las películas. Además, el reto de simular el espectáculo en movimiento fomentó el desarrollo del uso de miniaturas. La animación, que crea la ilusión de movimiento, se lograba con dibujos (sobre todo por Winsor McCay en Gertie the Dinosaur) y con modelos tridimensionales (sobre todo por Willis O’Brien en The Lost World y King Kong). Las batallas navales podían representarse con maquetas en estudio. Los tanques y los aviones podían volarse (y estrellarse) sin riesgo de muerte. Y lo que es más impresionante, se podían utilizar miniaturas y pinturas mate para representar mundos que nunca habían existido. La película Metrópolis de Fritz Lang fue uno de los primeros efectos especiales espectaculares, con un uso innovador de miniaturas, pinturas mate, el proceso de Schüfftan y una compleja composición.
Una importante innovación en la fotografía de efectos especiales fue el desarrollo de la impresora óptica. Esencialmente, una impresora óptica es un proyector que apunta al objetivo de una cámara, y se desarrolló para hacer copias de películas para su distribución. Hasta que Linwood G. Dunn perfeccionó el diseño y el uso de la impresora óptica, las tomas de efectos se realizaban como efectos en la cámara. Dunn demostró que podía utilizarse para combinar imágenes de forma novedosa y crear nuevas ilusiones. Uno de los primeros escaparates de Dunn fue Ciudadano Kane, de Orson Welles, donde localizaciones como Xanadú (y algunas de las famosas tomas de «enfoque profundo» de Gregg Toland) fueron creadas esencialmente por la impresora óptica de Dunn.
La era del colorEditar
El desarrollo de la fotografía en color requirió un mayor refinamiento de las técnicas de efectos. El color permitió el desarrollo de técnicas de mateado itinerante como la pantalla azul y el proceso de vapor de sodio. Muchas películas se convirtieron en hitos en los logros de los efectos especiales: Planeta Prohibido utilizó pinturas mate, animación y trabajo en miniatura para crear espectaculares entornos alienígenas. En Los Diez Mandamientos, John P. Fulton, A.S.C. de Paramount, multiplicó la multitud de extras en las escenas del Éxodo con una cuidadosa composición, representó las enormes construcciones de Ramsés con maquetas y dividió el Mar Rojo en una combinación todavía impresionante de mates itinerantes y tanques de agua. Ray Harryhausen extendió el arte de la animación stop-motion con sus técnicas especiales de composición para crear espectaculares aventuras fantásticas como Jasón y los Argonautas (cuyo clímax, una batalla de espadas con siete esqueletos animados, se considera un hito en los efectos especiales).
El boom de la ciencia ficciónEditar
Durante las décadas de 1950 y 1960 se desarrollaron numerosos efectos especiales nuevos que aumentarían drásticamente el nivel de realismo alcanzable en las películas de ciencia ficción.
Si se puede decir que una película estableció un nuevo punto de referencia para los efectos especiales, sería 2001: Una odisea del espacio, de 1968, dirigida por Stanley Kubrick, que reunió a su propio equipo de efectos (Douglas Trumbull, Tom Howard, Con Pederson y Wally Veevers) en lugar de utilizar una unidad de efectos interna. En esta película, las miniaturas de las naves espaciales estaban muy detalladas y cuidadosamente fotografiadas para conseguir una profundidad de campo realista. Las tomas de las naves espaciales se combinaron mediante rotoscopia dibujada a mano y un cuidadoso trabajo de control de movimiento, asegurando que los elementos se combinaran con precisión en la cámara, un sorprendente retroceso a la era muda, pero con resultados espectaculares. Los fondos de las vistas africanas de la secuencia «El amanecer del hombre» se combinaron con la fotografía del escenario sonoro mediante la entonces nueva técnica de proyección frontal. Las escenas situadas en entornos de gravedad cero se escenificaron con cables ocultos, planos de espejo y decorados giratorios a gran escala. El final, un viaje a través de escenarios alucinógenos, fue creado por Douglas Trumbull utilizando una nueva técnica denominada slit-scan.
Los años 70 supusieron dos profundos cambios en el sector de los efectos especiales. El primero fue económico: durante la recesión de la industria a finales de los 60 y principios de los 70, muchos estudios cerraron sus empresas de efectos especiales. Los técnicos se convirtieron en autónomos o fundaron sus propias empresas de efectos, a veces especializadas en técnicas concretas (óptica, animación, etc.).
El segundo fue precipitado por el éxito de taquilla de dos películas de ciencia ficción y fantasía en 1977. La Guerra de las Galaxias, de George Lucas, inauguró una era de películas de ciencia ficción con costosos e impresionantes efectos especiales. El supervisor de efectos John Dykstra, A.S.C. y su equipo desarrollaron muchas mejoras en la tecnología de efectos existente. Crearon un equipo de cámara controlado por ordenador, llamado «Dykstraflex», que permitía la repetición precisa del movimiento de la cámara, lo que facilitaba enormemente la composición del travelling. La degradación de las imágenes de la película durante la composición se redujo al mínimo gracias a otras innovaciones: el Dykstraflex utilizaba cámaras VistaVision que fotografiaban las imágenes de pantalla ancha horizontalmente a lo largo del material, utilizando una cantidad mucho mayor de película por fotograma, y en el proceso de composición se utilizaban películas de emulsión más fina. El equipo de efectos reunido por Lucas y Dykstra recibió el nombre de Industrial Light & Magic, y desde 1977 ha encabezado muchas innovaciones en materia de efectos.
Ese mismo año, la película de Steven Spielberg Encuentros cercanos del tercer tipo contó con un final con impresionantes efectos especiales a cargo del veterano de 2001 Douglas Trumbull. Además de desarrollar su propio sistema de control de movimiento, Trumbull también desarrolló técnicas para crear intencionadamente «lens flare» (las formas creadas por el reflejo de la luz en las lentes de la cámara) para proporcionar las indefinibles formas de los platillos volantes de la película.
El éxito de estas películas, y de otras posteriores, ha impulsado la inversión masiva de los estudios en películas de ciencia-ficción cargadas de efectos. Esto ha impulsado la creación de muchas casas de efectos independientes, un enorme grado de refinamiento de las técnicas existentes y el desarrollo de nuevas técnicas como las imágenes generadas por ordenador (CGI). También ha fomentado dentro de la industria una mayor distinción entre efectos especiales y efectos visuales; estos últimos se utilizan para caracterizar el trabajo de postproducción y óptico, mientras que «efectos especiales» se refiere más a menudo a los efectos mecánicos y en el plató.
Introducción de las imágenes generadas por ordenador (CGI)Editar
Desde la década de 1990, una profunda innovación en los efectos especiales ha sido el desarrollo de las imágenes generadas por ordenador (CGI), que ha cambiado casi todos los aspectos de los efectos especiales cinematográficos. La composición digital permite un mayor control y libertad creativa que la composición óptica, y no degrada la imagen como ocurre con los procesos analógicos (ópticos). Las imágenes digitales han permitido a los técnicos crear modelos detallados, «pinturas» mate e incluso personajes totalmente realizados con la maleabilidad del software informático.
Discutiblemente, el mayor y más «espectacular» uso de la CGI es la creación de imágenes fotorrealistas de personajes, escenarios y objetos de ciencia ficción/fantasía. Las imágenes pueden crearse en un ordenador utilizando las técnicas de los dibujos animados y la animación de modelos. The Last Starfighter (1984) utilizó naves espaciales generadas por ordenador en lugar de modelos físicos a escala. En 1993, los animadores de stop-motion que trabajaban en los dinosaurios realistas de Parque Jurásico, de Steven Spielberg, fueron reciclados en el uso de dispositivos de entrada por ordenador. En 1995, películas como Toy Story pusieron de manifiesto que la distinción entre las películas de acción real y las de animación ya no estaba clara. Otros ejemplos emblemáticos son un personaje formado por piezas rotas de una vidriera en El joven Sherlock Holmes, un personaje que cambia de forma en Willow, un tentáculo formado por agua en El abismo, el Terminator T-1000 en Terminator 2: El día del juicio, hordas y ejércitos de robots y criaturas fantásticas en las trilogías de La guerra de las galaxias (precuelas) y El señor de los anillos, y el planeta Pandora en Avatar.