„Ich wollte mal eine Autobiographie schreiben“, sagt Jeff Beck lachend. „Ich fing an, sie zu schreiben, und dann dachte ich: ‚Nein, sollen sie doch darin herumwühlen, wenn ich tot bin.'“

Es ist ein Tag im späten April, und der Gitarrist, 73, lehnt sich bequem in einem schwarzen Stuhl in seiner Hotelsuite in Tribeca zurück. Es ist ein großer Raum mit einem Kamin und einem Tisch, auf dem Schalen mit Obst und Schokoriegeln stehen. Er trägt ein gestreiftes, kapuzenähnliches Hemd und trinkt abwechselnd Cappuccino und Evian. Es ist gut, Jeff Beck zu sein, und er hat den Beweis dafür.

Er schreibt zwar nicht seine Memoiren, aber er hat kürzlich an einem abendfüllenden Dokumentarfilm über sein Leben mitgewirkt, Still on the Run: The Jeff Beck Story“ mitgewirkt, der seine ganze Geschichte erzählt, vom Klimpern auf einer selbstgebauten Gitarre als Teenager mit seinem Kumpel Jimmy Page über den Beitritt zu den Yardbirds bis hin zu seinem Aufstieg zum Solo-Phänomen, das mit einer einzigartigen Stimme spielt. Je nach Song kann Beck auf seinem Instrument eine menschliche Stimme nachahmen („Cause We Ended as Lovers“, „Nadia“), exotisches Flair in ansonsten geradlinige Popsongs einbringen (das „Heart Full of Soul“ der Yardbirds) oder seine sechs Saiten in den Himmel kreischen lassen („Beck’s Bolero“). Page, Eric Clapton, Rod Stewart, David Gilmour, Ron Wood, Slash und viele andere Künstler, mit denen er im Laufe der Jahre aufgetreten ist, helfen ihm in diesem Film beim Nachdenken. Der Film erzählt von seinem künstlerischen Schaffen, seinem launischen Temperament – wie dem Ausstieg bei den Yardbirds und der Auflösung der Jeff Beck Group, als beide kurz vor dem Erfolg standen -, von seinen bemerkenswerten Kollaborationen (wie der Zusammenarbeit mit Stevie Wonder) und natürlich von seinem Vermächtnis als Gitarrenidol. Und es geht um die Frage, warum er nie das gleiche Maß an Ruhm erlangte wie seine Kollegen und die Tatsache, dass er sich immer wieder neuen Ideen und neuen Klängen zuwandte, von Rock über Jazz-Fusion bis hin zu Elektro-Improvisationsmusik und wieder zurück.

Am Ende war er zufrieden damit, wie der Film herauskam. „Es war wie This Is Your Life in komprimierter Form“, sagt er. „Aber sie haben die blutigen Stellen weggelassen. Die hebe ich für mich auf.“

„Ich wollte versuchen, eine große Filmgesellschaft für einen richtigen Film zu gewinnen, vielleicht mit dem Titel All the Good Bits“, sagt er mit einem Schmunzeln. „Denn ich glaube nicht, dass irgendjemand, der eine lange Karriere hatte, die komödiantische Seite des Showbusiness, des Rock &Roll, was auch immer, wirklich gemacht hat. Es ist eine Schande, dass das Keith Moon Hovercraft nicht dabei ist – es ist einfach Gold wert, mit einem Hovercraft in die Kneipe zu fahren. Das ist so eine Sache, die Mike Myers und Dana Carvey machen könnten. wäre perfekt.“

Obwohl Beck in New York ist, um über seine bevorstehende Sommertour mit Ann Wilson und Paul Rodgers zu sprechen, weicht er auf die Frage aus, was seine Fans erwarten können. „Ich lasse die Enthüllung lieber musikalisch geschehen, als verbal“, sagt er. Auch über die Richtung der neuen Musik, an der er gerade arbeitet, hält er sich bedeckt. Alles, was er sagt, ist, dass „die Tournee die Richtung der Musik vorgeben wird“. Stattdessen verbringt der überraschend geschwätzige Gitarrist die nächste Stunde damit, über seine bisherige Karriere zu reflektieren.

Wie fühlt es sich an, diesen Film zu sehen und all die netten Dinge zu hören, die Jimmy Page, Eric Clapton, David Gilmour und Slash über Sie zu sagen hatten?
Ich muss zugeben, dass ich eine Träne verdrückt habe, besonders bei Eric. Ich hätte nie erwartet, dass er sich die Mühe machen würde, dabei zu sein. Ich habe sein Gesicht immer wieder studiert, nur um sicher zu gehen, dass da nicht noch etwas anderes vor sich geht . Aber nein, es war einfach überwältigend.

Im Film hat Eric gesagt, dass es ihn sehr wachgerüttelt hat, dich spielen zu hören.
Oh, mehr als einmal? Es ist lustig, wie sich Erics Charakter in meinem Kopf als ein echter Unruhestifter eingebrannt hat – eine Kraft, mit der man rechnen muss, jemand, der launisch ist, vielleicht sogar schlagkräftig. Und ich habe ihn erst kennen gelernt, als ich bei den Yardbirds war und diese Tat begangen hatte. Wir hatten ihn schon sehr verärgert, weil wir nach Amerika kamen, bevor er die Chance dazu hatte, und wir verkauften Platten – die beiden Ziele, die die meisten Rock & Roll-Gitarristen anstreben – und er spielte in einem Club mit John Mayall vor acht Leuten. Ich dachte: „Na ja, wenigstens bist du in deinem Handwerk engagiert“. Und dann, siehe da, kommt er mit Cream raus und haut uns alle um.

Wenn man alte Interviews mit euch beiden liest, scheint es, als ob er eine gewisse professionelle Konkurrenz zu dir empfand. Haben Sie das jemals gespürt?
Ich erinnere mich, dass er mich zu diesem Auftritt in Guilford eingeladen hat, in der Nähe seines Wohnortes, und ich dachte: „Warum fragt er mich?“ Ich dachte: „Offensichtlich wirst du nicht spielen, also geh hin und trink ein Bier.“ Auf dem Weg dorthin fragt er: „Willst du ‚Blackie‘ spielen?“ Und ich sagte: „Äh, den Song kenne ich nicht.“ Er sagte: „Nein, das ist meine Gitarre.“ Ich sagte: „Oh, hoppla.“ Das erste Missgeschick des Abends. Also sagte ich: „Ich habe keine Gitarre mitgebracht, also werde ich das machen.“ Dann, etwa eine Minute später, drehte er sich um, stand am Auto und sagte: „Das ist doch nicht so ein Ding, das man einfach so wegpusten kann, oder?“ Ich sagte: „Hör zu, entweder ich spiele oder ich spiele nicht.“ Und da war diese, wie soll ich sagen, unangenehme Rivalität dabei.

Ich habe später von Pattie, seiner Frau, erfahren, dass es die definitiv gab – besonders bei den Stevie Wonder Sachen. Er war nicht sehr amüsiert darüber, dass ich mit Stevie etwas Erfolgreiches gemacht habe. Ich glaube, das ist ihm vielleicht ein bisschen unter die Haut gegangen.

Hattest du dieses Gefühl ihm gegenüber?
Nein, ich dachte nur, er hat den Blues im Griff. Und er hat auch ein paar sehr gute Popsongs. Und ich habe beides nicht, wirklich. Ich will mich nicht als Blues-Gitarrist aufspielen, obwohl ich es liebe, den Blues zu spielen.

Du hast immer wieder frühe Rock & Roller wie Gene Vincent und den Jazz-Gitarristen Django Reinhardt als größere Einflüsse auf dich genannt als Blues-Künstler.
Das liegt daran, dass sie musikalisch die erste Atomexplosion waren. Das muss Jimmy auch so ergriffen haben. Ich glaube, dass James Burton im ersten Moment wichtiger war als zum Beispiel Earl Hooker. Aber erst bei den Treffen mit Jim in seinem Haus in unseren Teenagerjahren haben wir uns wirklich damit beschäftigt, wer was spielt. Wir waren wie Zeitungsreporter, die zu den Häusern der anderen gingen: „Ich habe gerade gehört, dass Buddy Holly nicht auf ‚That’ll Be the Day‘ gespielt hat.“ Und wir sagten: „Was?“ Es war jemand anderes; Grady Martin spielte die Gitarre. Das war schockierend für jemanden, der sich so unglaublich für diese Musiker einsetzte und an sie glaubte.

Wie sah Jimmy aus, als Sie ihn zum ersten Mal trafen?
Wenn man sich den Film ansieht und das Bild von mir mit ihm einfriert, hatte er ein winzig kleines Gesicht und kurze Haare. Vielleicht ein paar Jahre später klopft es an der Tür, und da steht ein anderer Mensch mit 1,80 m langen Haaren, und so hat sich die Mode geändert. Aber ja, er war aufgeregt. Und wir waren auch zwei Leute, die herausfinden wollten, wie die Dinge gemacht werden, und die generell Spaß an dieser Sache hatten, mit 100 Prozent Liebe zum Detail.

Ihre Mutter drängte Sie zum Klavier, aber das hat nicht funktioniert. Was haben deine Eltern von deiner Rockkarriere gehalten?
Wahrscheinlich habe ich ausgeblendet, wie es wirklich war, weil ich mich einfach nicht an irgendwelche Umwälzungen in der Familie erinnern will, von denen es viele gab. Aber irgendwie haben sie mich nicht daran gehindert, es zu tun. Sie haben sich zwar beschwert, aber sie haben mich nicht daran gehindert. Ich nehme an, sie dachten: „Wenn er die Gitarre hat, wird er nicht stehlen gehen.“ Die einzigen Freunde, die ich hatte, waren ziemlich zwielichtig; die meisten von ihnen waren nur einen Schritt vom Gefängnis entfernt.

Wussten sie deinen Erfolg jemals zu schätzen?
Nein, sie haben mich verprügelt.

Ich meinte deine Eltern, nicht deine Freunde.
Oh, nein, sie haben mich verprügelt. Das Lustige an den Eltern ist, dass sich die Nachbarn beschwert haben, dass ich zu laut spiele. Und an dem Tag, als ich bei Top of the Pops auftrat, schnitten sie verdächtig spät am Abend ihre Hecken, als ich nach Hause kam, nur um zu sagen: „Oh, ich habe dich im Fernsehen gesehen. Sehr, sehr gut.“ Ich sagte: „Ja, vor einem Jahr hättest du die Polizei gerufen.“

Es gab ein Profil von dir, das der Rolling Stone 1971 veröffentlichte, in dem du darüber sprichst, dass du den Yardbirds beigetreten bist, und sie dir sagten, dass du den Echo nicht benutzen kannst, um Chicago Blues zu spielen. Woran erinnern Sie sich daran?
Ich erinnere mich vage daran, dass Keith ein Purist war. Ich dachte: „Du kannst ein Purist sein und du kannst arm sein. Ich werde das tun, was ich für das Beste halte.“ Bevor sie mich gefragt haben, ob ich mitmachen will, war ich wohl auf dem Weg zu völlig avantgardistischer und experimenteller Musik – ein bisschen wie Eric Dolphy, Roland Kirk. Ich will mich nicht auf dieses musikalische Niveau begeben, aber die Mechanik von dem, was ich tat, bestand darin, den seltsamsten Lärm zu machen, den ich machen konnte. Dann kam Eric zu mir und erkannte, dass der Job genau in diese Richtung ging.

Lassen Sie uns über „Heart Full of Soul“ sprechen. Im Film wird erklärt, wie Sie das Spiel eines Sitarspielers auf Ihrer Gitarre nachahmen. Hatten Sie das vorher schon gemacht?
Ja, aber da war etwas in meinem Kopf, das Ravi Shankar dort platziert hatte. Er spielte Tonleitern auf einem dünnen Draht – der Rest sind Bordunsaiten – und er machte einfach die schnellsten Tonleitern. Ich war so beeindruckt von der Geschwindigkeit, der Intonation und der Feinststimmung. Ich dachte: „Das könnte man verwenden. Das ist ein Sound, den die Leute noch nie auf einer Pop-Platte gehört haben, abgesehen von den klassischen indischen Sachen.“ Ich war also schon auf diesem Weg; ich hätte dieses Riff nicht mitten in der Session abziehen können.

Der Film Blow-Up, in dem du mit den Yardbirds aufgetreten bist, wurde kurz in der Doku erwähnt, aber es wurde nicht erwähnt, dass du deine Gitarre wie Pete Townshend zerschlagen musstest. Wie denkst du darüber all die Jahre später?
Nun, The Who wurden natürlich gefragt, ob sie das machen wollen, und sie sagten nein. Ich war nicht in der Lage zu widersprechen, als sie uns eine Menge Geld zahlten, und es war ein richtiger, professioneller Film mit einem italienischen Produzenten/Regisseur, und er sagte einfach: „Du wirst deine Gitarre zerschlagen.“ Und ich sagte: „Nein, das werde ich nicht.“ Es war eine Sunburst Les Paul. Er sagte: „Wir kaufen dir eine neue.“ Er verstand nicht, dass man das mit den meisten Gitarren nicht macht. Also mieteten sie sechs Anfängergitarren, und sie waren so billig, dass sie in einer durchsichtigen Plastiktüte kamen. Ich erinnere mich, dass nicht viel von ihnen übrig war, als wir fertig waren. Ich dachte: „OK, wenn ihr wollt, dass ich Pete Townshend bin, dann mache ich das. Wer wird schon widersprechen, wenn das Geld da war?“ Ich dachte, Pete würde mich zurechtweisen, aber das tat ich nie.

Die Sache ist die, dass ich früher sowieso Verstärker zertrümmerte – eher aus Wut als aus Showbiz. Wenn sie knackten, waren sie am Ende, und sie landeten auf dem Boden. Vielleicht hat Pete uns spielen sehen. Ich bezweifle es, aber wenn er von der Band rekrutiert worden wäre, hätte er gesehen, wie ich das gemacht habe – den Verstärker zerschlagen und die Gitarre wirklich wie ein Stück Scheiße behandelt.

Hat dir Blow-Up gefallen?
Ich fand es dumm. Es war gute Unterhaltung, und es ist schwer, die Leute bei der Stange zu halten, aber wenn man einen Film vergrößert, verpixeln sie. Das macht es weniger klar. Der ganze Sinn der Geschichte bestand darin, diese Hecke zu sprengen, durch die eine Pistole ragte, und es wäre unklarer geworden. Aus forensischer Sicht machte es also keinen Sinn. Um der Unterhaltung willen war es gruselig. Aber sie hatten sicherlich das richtige Gespür für das psychedelische London und wie es war.

Sie verließen die Yardbirds mitten in einer Pauschaltournee namens Caravan of Stars. Haben Sie das jemals bereut?
Nein. Es war das Beste. Es hat mich viel gekostet, weil ich nicht wusste, dass ich nach dem Verlassen der Band nicht wusste, wohin ich gehen würde. Ich ging zurück zu dem Mädchen in Los Angeles. Das war ein großer Fehler. Ich wurde nur lauwarm empfangen. Ich dachte: „OK, ich bin ihr ein Klotz am Bein.“ Als sie wusste, dass ich in die Stadt kommen würde, war es gut.

Und dann lief mein Visum aus, also musste ich nach Hause gehen, und das war wahrscheinlich das Schlimmste, denn ich hatte nichts. Ich hatte meine Gitarre an Jim gegeben. Und ich wohnte wieder bei meiner Mutter und hatte kein Geld. Und dennoch hatte ich keine Lust, anzurufen und zu sagen: „Könnte ich zurückkommen? Ich fühle mich jetzt besser.“ Ich hätte nicht den Mut gehabt, das zu tun. Selbst wenn sie mich gefragt hätten, hätte ich es wahrscheinlich nicht getan. Wenn man so hart getreten wird, merkt man, dass es ein ernsthafter Weckruf ist, und dann steht man auf und tut etwas dagegen. Ich dachte: „OK, du musst jetzt loslegen.“

Ja, du besorgst dir einfach eine neue Gitarre und triffst ein paar neue Leute.
Ich hätte leicht nie wieder spielen können. Zum Glück kam ich dann mit Rod zurück.“

Als wir von Rod sprachen, sagte er im Film, dass du hart daran gearbeitet hast, die Songs auf deinem ersten Album „Truth“ der Jeff Beck Group so zu arrangieren, dass sie interessanter sind als der Standard-12-Takt-Blues. Was war Ihre Vision dabei?
Ich liebte Motown. Ich liebte die Musikalität und den Sound. Auf jeder Platte gab es großartige Songs mit Nuancen. Und dann war da noch der unvermeidliche Sound des Schlagzeugs und von James Jamerson. Ich konnte ihn nicht ignorieren. Und ich versuchte, ein kleines Stück von James Jamerson – diesen herrlichen Fatback-Sound, den er mit dem Schlagzeug hatte – auf die Gruppe mit Micky Waller zu übertragen. Wir hatten ein bisschen Motown-Feeling, aber es war härter. Wenn man die Motown-Spieler ein wenig außer Kontrolle bringen konnte, war es das, was ich wollte – der schwere Blues-Einfluss, aber vielleicht mit ein paar mehr Wendungen in den Akkordwechseln.

Sie lösten die Band zu einer Zeit auf, als Sie für Woodstock gebucht waren. Warum dachten Sie, dass die Jungs dem nicht gewachsen waren?
Weil die meisten Gigs Müll waren. Nichts für ungut, sie waren gut, aber es waren ziemlich einsame Orte. Ich meine, da war Luanne’s Club, wo man kaum auf der Bühne stehen konnte; man musste den Kopf beugen, damit er nicht an die Decke schlug. Billy Gibbons saß im Publikum, und er erinnert sich, dass ich versuchte, die Verstärker aufzustellen, und es war kaum Platz, um das Kabel oben an der Decke einzustecken. Niemand hatte je einen Verstärker dieser Größe gesehen.

Wir hatten also einfach noch nie vor einem großen Publikum gespielt. Wir waren im Fillmore West aufgetreten, was eine freudige Sache war, bis auf den Teil, wo jeder anfing, den Rauch in der Luft zu riechen, was dich stoned machte. Aber irgendwann, als die zweite Tournee anstand und man uns anbot, in Woodstock zu spielen, hatte ich das Gefühl, dass in der Band eine schlechte Stimmung herrschte. Es war eine Art Ronnie Wood und Rod und das war’s. Und ich war nirgendwo auf dem Bild zu sehen. Sie gingen los, und ich saß fest.

Es gab keine Kameradschaft.
Aus irgendeinem Grund hatte es sich verzogen. Als sie sagten, dass etwa 100.000 Leute in Woodstock sein würden und es dann 200.000 wurden, habe ich einfach abgeschaltet und dachte: „Ich will das nicht machen.“ Wenn sie es filmen, ist es zu nervenaufreibend. Lass uns wenigstens den Punkt erreichen, an dem wir einen Hit haben und mehr bedeuten als eine verherrlichte Bar-Band. Ich hatte meine Füße noch nicht gefunden.

Wann hattest du das Gefühl, dass du deine Füße gefunden hast?
Ich bin noch auf der Suche, Kumpel. Ich nehme an, es war die Arbeit mit George Martin. Wenn ich die Anerkennung von jemandem wie ihm hatte, hat das viel bewirkt.

Du hast erwähnt, dass die Leute im Fillmore gekifft haben. Du gehörst zu den Künstlern, bei denen man keine Geschichten über Alkoholismus oder Drogenkonsum hört.
Nein, das halte ich unter Verschluss. Ich verstehe, wie leicht man diesen Weg einschlagen kann. Aber ich gehöre zu den Leuten, die sich nicht einmal vorstellen können, auf einer Bühne zu stehen. Ich habe es einmal getan, wenn auch in einem kleinen Dorfsaal, und meine Beine gaben nach, als ich die Stufen hinaufging. Aber ich war getrieben. Irgendwie dachte ich: „Ich kann mich nicht umdrehen. Ich habe einen Anzug an. Ich bin gerade dieser kleinen Band beigetreten.“ Und als ich auf die Bühne kam, brauchte ich mir keine Sorgen zu machen, denn sie schrien den Sänger an und bemerkten mich nicht. Wenn sie mich gesehen hätten, wäre ich einfach weggelaufen.

Auf deinem Album Truth ist „Beck’s Bolero“ zu hören – ein Stück, das in einer unglaublichen Besetzung mit dir und Jimmy Page an der Gitarre, Nicky Hopkins am Klavier, John Paul Jones am Bass und Keith Moon am Schlagzeug aufgenommen wurde. Wer macht den Schrei, kurz bevor es schneller wird?
Keith. Nachdem er das gemacht hat, hat er eines der Snare-Mikrofone geklaut und von da an hört man die Snare nicht mehr. Ich erinnere mich nur an diesen monströsen Gargoyle-Schrei und dachte: „Das ist es, was wir wollen. Das ist genau das Richtige.“ Es waren nur zwei Takes und wir hatten es.

Du hast andere Songs mit dieser Besetzung aufgenommen-
Ja, die verschwanden.

Wie waren sie?
Es waren spontane Ideen, die ich hatte, damit wir so viel wie möglich aus dieser Besetzung mit Jimmy, John Paul Jones und Keith Moon herausholen konnten. Ich dachte nur: „Wir haben sie für einen Tag gebucht, lasst uns so viel Material aufnehmen“. Aber „Bolero“ war das Einzige, an dem wir gearbeitet haben, und als das abgemischt war und wirklich gut klang, haben wir einfach ein bisschen gejammt. Es gibt also vielleicht noch zwei oder drei andere Sachen. Weiß der Himmel, wo sie sind.

Du hast eine andere Jeff Beck Group zusammengestellt und gegen Ende dieser Besetzung hast du dich mit Stevie Wonder zusammengetan und mit ihm Musik geschrieben und ein Solo auf Talking Book aufgenommen. War es eine magische Erfahrung, mit ihm zu arbeiten?
Ja. 1970 war ich bereits mit Cozy bei Motown gewesen, was eine Ausbildung war, die ich nicht missen wollte. Ich saß dort 10 Tage lang und beobachtete James Jamerson und all diese Musiker. Als Stevie also zustimmte, dies zu tun, was eine Idee von Epic Records war, war ich begeistert. Ich sagte: „Ich liebe Stevie auf dem Album Music of My Mind“. Es war ein absoluter Meilenstein. Es war eine Revolution dessen, was ein Musikalbum mit all den Synthesizern sein konnte, und die Songs waren großartig. Ich war von ihnen fasziniert. Und das nächste, was du weißt, ist, dass ich das Nachfolgealbum mache, danke.

Es wäre mir egal gewesen, wenn nichts passiert wäre. Einfach nur da zu sitzen und ihm bei der Arbeit zuzusehen und zu erfahren, wie es gemacht wird, war großartig. Die Zeit verging wie im Fluge. Ich glaube, es waren drei oder vier Tage, und es war einfach unglaublich. Er konnte da sitzen und einen Song auf dem Keyboard entwerfen. Es war der erste Refrain – perfekt – und dann kam das Schlagzeug oder der Bass dazu.

Sein Hit „Superstition“ ist aus diesen Sessions entstanden. Du hast Schlagzeug gespielt und er mochte den Groove und schrieb den Keyboard-Part dazu. Was ist eigentlich aus der Version geworden, die du mit ihm aufgenommen hast? Ihr habt sie nie veröffentlicht, weil sich die zweite Jeff Beck Group aufgelöst hat.
Ich habe sie. Sie ist auf einer kleinen 3-Zoll-Spule. Sie wurde seit ’72 nicht mehr abgespielt, also weiß ich nicht, ob sie nur verfallen ist oder nicht. Aber alle Bänder, die ich finden kann, sind bereit, gebacken und bearbeitet zu werden.

Ist das ein Projekt, an dem du arbeitest?
Ich habe bereits das Live-Konzert gemacht, das es gab. Wir haben es neu abgemischt und den Sound verfeinert. Es klingt ziemlich gut. Die Version von „Superstition“, die ich mit BBA gemacht habe, ist ein großartiger Heavy-Metal-Song geworden.

Weiter zu „Blow by Blow“, das hauptsächlich instrumental war: Sie sagten in der Doku, dass Sie inspiriert wurden, als Sie John McLaughlin mit Miles Davis hörten. Was hat Sie dazu gebracht, sich hauptsächlich auf Instrumentalmusik zu konzentrieren?
Es war einfach das Wissen, dass John das gemacht hat. Das Mahavishnu Orchestra war eine klare Lektion, dass es ein Leben nach den Sängern gibt. Ich dachte, wenn ich eine einfachere Version davon machen könnte – denn wo ich wohne, gibt es keinen Billy Cobham, ich weiß nicht, wie es bei dir ist – wäre das gut. Die Betonung auf großartiges Spielen und nicht auf sensationelle Pop-Platten gefiel mir. Es war wichtiger, Teil dieses, wie soll ich sagen, Erfindungsreichtums zu sein, der sich musikalisch abspielte.

Eric Clapton sagte in der Doku, er habe das Gefühl, dass du ein Rockmusiker bist, der Jazz versteht.
Das hat mich sehr, sehr gefreut, aber ich verstehe Jazz nicht. Wenn du jemals den Clip von Chris Guest von Spinal Tap gesehen hast, in dem er über Jazz spricht, wo er sagt: „Warum spielen sie so leise? Wovor haben sie Angst?“ Ich dachte nur: „Das ist so lustig.“ Natürlich verstehe ich, was ich da höre. Aber das Tolle am Rock &Roll ist, dass er zwischen den Augen vereinfacht. Das ist es, was „Hound Dog“ und „Rock Around the Clock“ waren. Und erzähl mir nicht, dass du nicht auf und ab hüpfen willst, wenn du es hörst.

Du hast in den Achtzigern nicht sehr viele Platten gemacht. Und in anderen Interviews hast du gesagt, dass du das Gefühl hattest, dass dieses Jahrzehnt und die Neunziger nicht das Beste für dich waren. Warum ist das so?
Weil ich mir alles angehört habe, was zu dieser Zeit aufkam. Mir fielen Leute wie Michael Jackson auf, und ich dachte: „Fabelhaft, aber das ist nichts für mich.“ Dann gab es den ganzen Achtziger-Rock-&Roll-Metal-Zirkus von Quiet Riot, das ganze Big-Hair-Ding und Groupies, die alle die gleichen Haare hatten. Gott sei Dank bin ich da nie reingegangen. Die Möglichkeit, ein größeres Konzert zu spielen, war also nicht mehr gegeben, denn das war es, was sich verkaufte. Und es tut gut, wenn man nicht da ist. Man ist erfrischt.

Zu dieser Zeit kamen auch die Gitarrenschredder wie Joe Satriani und Steve Vai auf den Markt. Was hielten Sie damals davon?
Einerseits war ich froh, dass die Gitarre immer noch König war. Sie hielten eine große Fahne für die Gitarre hoch. Wenigstens waren es nicht ein Haufen Synthesizer, und die Gitarre wurde aus dem Bild gedrängt. Ich hatte großen Respekt vor Vai und Eddie Van Halen. Großartig. Sollen sie das haben. Solange es nicht in meinen Stil eingreift – und das tat es nicht – war ich glücklich.

Du hattest in den Achtzigern eine Menge Gastauftritte auf Alben von Mick Jagger und Tina Turner.
Nun, wer würde schon nein sagen, wenn ich angerufen werde? Ich wäre stolz darauf, dass sich jemand daran erinnert, dass ich überhaupt noch lebe.

Was erinnern Sie sich an die Arbeit mit Tina?
Es war unglaublich. Der Produzent wollte die Songs nicht lauter als etwa ein dB spielen, und das war ich nicht gewohnt, aber die Tracks waren der Hammer. „Steel Claw“ war sehr schnell, und „Private Dancer“ war großartig. Aber ich musste dieses Solo bei einem stadionähnlichen Song in Radiolautstärke machen, und Tina kam rein und fragte: „Wie läuft’s?“ Ich sagte: „Gut.“ Sie sagte: „Ich sage dir, was ich machen werde. Ich werde eine Führungsstimme machen, damit du das Feuer bekommst.“ Und dann, großartig. Ich saß einfach da. Ein Take. Das war alles. Und sie sagte: „Ich lasse dich in Ruhe.“ Und sie kam drei oder vier Stunden später zurück, und ich kämpfte immer noch mit dem Sound. Aber am Ende war es wirklich gut, weil es ihr gefiel und sie mich zum Essen einlud. Es war ziemlich gut.

In letzter Zeit gab es Berichte über Probleme zwischen Gibson und Guitar Center. Was halten Sie davon?
Nun, wer hätte vor 50 Jahren, als die Stratocaster in London auftauchte, jemals geglaubt, dass sie immer noch die Kultgitarre sein würde. Es ist mir egal, was andere sagen, die Les Paul ist nah dran, aber die Strat und die Tele sind immer noch das Handwerkszeug. Und jetzt sagst du mir, dass sie im Niedergang begriffen ist. Ich dachte, sie sei immer noch ziemlich stark.

Es ist wie mit den Schallplatten. Die Kaufgewohnheiten der Leute sind anders. Die Dinge ändern sich. Die Raves, die Raps und all das, das ist es, wohin es geht. Die Shuffle-Dance- und Trance-Clubs – da sind 10.000 Leute mit riesigen Lautsprechern und ein Typ mit Kopfhörern drin. Es ist unvermeidlich, dass das vorbei sein wird. Wenn nicht jetzt, dann in naher Zukunft. Ich klammere mich einfach an den grimmigen Tod.

Apropos Rave-Musik, ich mochte vieles von dem elektronischen Zeug, mit dem du bei You Had It Coming gearbeitet hast.
Wow. Es brauchte jemanden, der es produzierte, der verstand, wie es platziert werden sollte und nicht einfach irgendwo im Lager der Plattenfirma verschwand. Den Leuten, denen ich das Material vorgespielt habe, hat es gefallen. Es wurde einfach nicht ausreichend aufgenommen, also habe ich keine weitere Platte gemacht. Die Hardcore-Gitarrenfans wollen das nicht wirklich hören, und das ist mein Publikum. Es ist nie über das hinausgekommen. Hätten wir einen Hit oder so gehabt, wäre es anders gewesen. Aber ich habe gespürt, dass man auf diesem Weg nicht mehr allzu weit kommt. Ich glaube, sie wollen lieber echte Musik mit echten Spielern sehen.

Als du dein letztes Album „Loud Hailer“ herausgebracht hast, sagtest du, du wolltest weg vom „Gitarren-Nerd-Ding“.
Ich weiß es nicht. Immer, wenn ich am Bahnhof in den Zeitschriftenladen ging, sah ich Horden von Magazinen, auf denen „Nerd“ stand. Ich will nicht respektlos sein, aber ich möchte wirklich nicht lesen, wie man forensisch in den Saitendurchmesser geht. Lasst eurem Handwerk etwas Geheimnisvolles anhaften. Und Seite um Seite geht es um Gadgets und Elektronik. Ich nehme an, dass das in gewisser Weise gesund ist, aber dann spiegelt die Musik das nicht wider. Ich habe noch nichts gehört, was so weit von dem abweicht, was ich bereits als meine Lieblingsmusik kenne. Ist es also eine weitere Trickkiste, der wir zuhören, oder ist es ein Player?

Welche Musik bewegt dich derzeit am meisten?
Ich beschäftige mich mit jüngerer Musik, dieser Shuffle-Dance-Musik. Ich studiere die Leute nicht nur, um mich zu inspirieren oder musikalisch, sondern einfach um ihr Leben zu studieren. Wenn man YouTube-Clips von diesen Mädchen sieht, die zu ihren Songs tanzen, dann wollen sie sich einfach ausdrücken. Das ist hier offensichtlich sehr wichtig. Sie kümmern sich nicht darum, eine Rolle zu spielen. Sie hüpfen einfach auf und ab und machen diesen unglaublichen Tanz und erfinden ihre eigenen Schritte. Sie haben wahrscheinlich vier Liter Red Bull getrunken. Und das fasziniert mich.

Und sie stehen darauf, sich von Milliarden-Watt-Soundsystemen die Ohren wegblasen zu lassen. Sie denken: „Wie peinlich wäre es, wenn wir mit einem Schlagzeug auftauchen würden? Das wäre so schlimm. Die würden einfach abhauen.“ All die Bassanlagen und die schiere Wucht der Soundsysteme gab es noch nicht, als wir anfingen. Wir alle wollten diesen massiven, kraftvollen Sound, aber den gab es nicht. Deshalb haben wir laut gespielt und uns große Verstärker zugelegt. Aber ich halte mich immer auf dem Laufenden.

In der Doku nannte Jennifer Batten Sie einen „unbesungenen Helden der Massen“. Ich war neugierig, was Sie davon halten und ob Sie sich mit Ihrem Bekanntheitsgrad wohlfühlen.
Nun, wenn sie es gesagt hat, dann muss es so sein. Ich kann das nicht kommentieren. Ich kann nur sagen, dass ich nie groß rausgekommen bin, wahrscheinlich zum Glück. Wenn man sich umschaut und sieht, wer es zu etwas Großem gebracht hat, dann ist das ein wirklich mieser Ort, wenn man darüber nachdenkt. Vielleicht habe ich das Glück, dass mir das nicht passiert ist. Und so muss ich es auch sehen.