Solange der Mensch auf der Oberfläche der Erde herumkroch, waren wir von Kunst und Bewegung fasziniert. Frühe Höhlenzeichnungen zeigen, dass sogar primitive Menschen versuchten, die Illusion von Bewegung zu erzeugen, indem sie die Gliedmaßen auf ihren Tierskizzen in Pose setzten.

Schnell vorwärts ins 19. Jahrhundert und noch vor der Erfindung der Filmkamera, benutzte Edward Muybridge Fotos, die er nacheinander aufnahm, um die Bewegung von Menschen und Tieren zu studieren, Bilder, die auch heute noch häufig verwendet werden.

Verbessern Sie Ihre Fähigkeiten

Heutzutage sind wir von Animation in der einen oder anderen Form umgeben, sei es in Film, Fernsehen oder traditionelleren Methoden. Wie können Sie sich als Animator von der Masse abheben und Ihre eigenen Fähigkeiten verbessern?

Im Folgenden finden Sie 15 Tipps zur Verbesserung Ihrer Charakteranimation. Obwohl einige davon auf 3D-Animation abzielen, können die meisten auch auf andere, eher physische Genres angewandt werden.

Beobachten Sie reale Charaktere

Einem einst unbelebten Objekt Leben einzuhauchen, mag eine einfache Aufgabe sein, aber es sind diese subtilen Nuancen, die helfen können, Emotionen darzustellen und ein echtes Gefühl von Gedanken und Überlegungen hinter jeder Bewegung zu vermitteln.

Menschen zu beobachten, wie sie interagieren, wie sie sich ausdrücken und sogar wie sie sich bewegen, ist wichtig, um ein gutes Verständnis nicht nur für Bewegung, sondern auch für Timing und Gewicht zu bekommen. Warum nehmen Sie sich nicht ein wenig Zeit, um rauszugehen, einen Kaffee zu trinken und die Welt um Sie herum zu beobachten? (Sie schwänzen nicht die Arbeit – es ist Forschung!)

Studieren Sie die Psychologie der Bewegung

Um jemanden wirklich zu imitieren, müssen Sie zuerst seine Bewegungen verstehen, nicht nur den Bewegungsablauf, sondern auch die Absicht. Ich schlage nicht vor, dass du alles hinschmeißt und dich an deiner örtlichen Universität einschreibst, sondern dass du ein wenig recherchierst.

Alles, was wir tun, hat einen Zweck, und die Art und Weise, wie wir posieren und uns halten, kann Bände sprechen. Wenn du die Gedankengänge verstehst, die dahinter stehen, warum wir tun, was wir tun, und wann wir es tun, wird dir das helfen, dies in deiner Animation zu vermitteln.

Suchen Sie nach realen Referenzen

Bei der Gesichtsanimation ist es wichtig, etwas Handfestes zu haben. Bei der Arbeit mit Synchronsprechern nehmen die meisten großen Animationsstudios diese auf, während sie den Ton für ihre Figuren festlegen. Dieses Video wird dann an die Animationszeichner weitergegeben, damit sie die Mimik der Schauspieler während des Sprechens und der Emotionen einfangen können.

Wenn das nicht möglich ist, warum nehmen Sie nicht Ihr eigenes Gesicht als Referenz? Nehmen Sie sich einen Spiegel und wiederholen Sie den Text, oder stellen Sie einfach nur die wichtigsten Ausdrücke nach, um einen guten Ausgangspunkt für Ihre Arbeit zu haben.

Filme dich selbst

Du kannst nie ein gutes Gefühl dafür bekommen, wie eine bestimmte Animation ablaufen sollte, während du am Schreibtisch sitzt, und Online-Referenzen können dich nur so weit bringen. Um zu verstehen, wie und warum sich eine Figur so bewegen sollte, wie sie es tut, sollten Sie sich selbst bei der Ausführung dieser Aktion aufnehmen?

Wir alle haben heutzutage Zugang zu Videokameras, die meisten von uns haben sie sogar in der Tasche. Anstatt eure Handys nur für Selfies und Facebook zu benutzen, könnt ihr euch auch einfach mal aus dem Sessel erheben und euch selbst in Aktion aufnehmen?

Spielt die Szene selbst nach, und egal wie grob und peinlich sie euch vorkommen mag, diese Aufnahme wird euch einen wichtigen Grundstein liefern, auf dem ihr dann aufbauen könnt. Die Möglichkeit, die Aufnahme anzuhalten, zurückzuspulen und in Zeitlupe zu betrachten, stellt sicher, dass Sie alle Feinheiten erfassen, die Ihnen sonst entgehen würden.

Halten Sie Ihr Rigg einfach

Eine erfolgreiche 3D-Animation hängt nicht nur vom Talent des Animators ab. Das meiste, was sie erreichen können, hängt von dem Rig ab, das sie verwenden. Ein schnelles und allgemeines System gibt Ihnen die wichtigsten Werkzeuge an die Hand, aber um Ihrer Figur den letzten Schliff zu geben, muss das Rig auf die speziellen Bedürfnisse des Animators zugeschnitten sein.

Ein unprofessionelles Rig kann auch die Arbeitsbelastung des Animators erhöhen. Wenn viele der zugrundeliegenden Mechanismen und Systeme leicht zugänglich sind, könnten sie versehentlich bearbeitet werden, was zu einem kaputten Rig führt.

Die besten Rigs sind diejenigen, die dem Animator die Animation überlassen. Sie nehmen die Figur einfach auf und bewegen sie, ohne komplizierte Systeme, mit denen man sich herumschlagen muss, oder ständige Ausflüge zum technischen Zeichner, weil der Kiefer plötzlich auf der anderen Seite der Szene ist und man nicht weiß, warum.

Formen Sie zuerst die Schlüsselposen

Einen Haufen Polygone oder Knete plötzlich zum Leben erwecken und Emotionen zeigen zu sehen, ist wirklich lohnend, aber das bedeutet nicht, dass man vorpreschen und sich auf jede Pose im Detail konzentrieren muss, um sie zu verfeinern, bevor man zur nächsten kommt. Wenn man immer nur an einem kleinen Bereich arbeitet, verliert man den Blick für das große Ganze, und das kann dazu führen, dass die Sequenz nicht so flüssig und natürlich ist, wie sie sein sollte.

Wenn Sie ein Schichtensystem verwenden, verschwenden Sie keine wertvolle Zeit. Die erste Ebene sollten schnelle Posen zu bestimmten Bildern sein, um ein Gefühl für das Timing zu bekommen. Wenn Sie diese dann fest im Griff haben, können Sie den Prozess wiederholen und bei jedem Durchgang mehr und mehr Details hinzufügen.

Führen Sie mit den Augen

Wenn Sie Menschen in ihrem Alltag beobachten (nicht als Stalker, sondern nur im Vorbeigehen), werden Sie feststellen, dass jede zielgerichtete Bewegung eine bestimmte Abfolge hat.

Zuerst bewegen sich die Augen dorthin, wo sie hinwollen, dann folgt der Kopf und dann der Hals.

Die Augen sind das, was uns am meisten anzieht, wenn wir jemanden ansehen, und in den meisten Fällen sind sie auch das erste, was sich vor dem Rest des Körpers bewegt.

Studiere die Auswirkungen der Schwerkraft

Die Schwerkraft wirkt sich auf alles aus, es sei denn, du bist im Weltraum. Wenn wir älter werden, sind wir in einem ständigen Kampf, aufrecht zu bleiben, was sich nirgends deutlicher bemerkbar macht als durch unsere wackeligen, wackeligen Teile. Es ist diese Anziehungskraft in Verbindung mit unserer eigenen Körpermasse, die bei jeder Bewegung von entscheidender Bedeutung ist.

Das Gehen zum Beispiel ist eine einfache Bewegung – aber die Art und Weise, wie wir uns bewegen, wird zu einem großen Teil von unserem eigenen Körperbau bestimmt. Wenn Sie groß und schlank sind, sind Sie vielleicht leichter auf den Beinen, während jemand mit einer fülligeren Figur einen schwereren Fußfall hat und seine Taille mehr eintaucht, während er versucht, seinen Oberkörper anzuheben.

Dies mag wie ein offensichtlicher Tipp erscheinen, aber er ist wichtig. Denke daran, deiner Animation Gewicht zu verleihen.

Timere die Bewegungen deiner Figur

Die Welt wird von der Zeit regiert. Auch wenn unsere Tage unterschiedlich sind, bewegen wir uns alle zum Klang der gleichen Uhr. Bei der Animation hast du diese Zeit unter Kontrolle. Wenn man sie jedoch unverantwortlich einsetzt, kann das Ergebnis schwer lesbar sein und dem Betrachter einen falschen Eindruck vermitteln.

Freudigere, fröhlichere Bewegungen sind in der Regel schnell und scharf; deshalb funktionieren sie gut in Zeichentrickfilmen. Sie können auch dazu beitragen, eine Bewegung zu übertreiben und zu betonen, wenn der Held sich langsam zurückzieht, um den Schlag zu verstärken, der dann blitzschnell vorbei ist.

Niedrigere Bewegungen können das Gegenteil bedeuten und werden oft verwendet, um zu zeigen, dass die Figur niedergeschlagen oder verärgert ist.

Halten Sie Ihre Figur im Gleichgewicht

Eines der ersten Dinge, die wir als Kinder lernen, ist, wie wir auf unsere Füße klettern und unsere ersten Schritte machen. Das ist kein leichtes Unterfangen, denn dazu braucht man Kraft und vor allem das Gleichgewicht. Mit jedem Schritt lernt man, seinen Schwerpunkt zu verlagern, um nicht zu stürzen. Der Schwerpunkt ist ein wichtiges Element für die Animation.

Versuchen Sie, mit gespreizten Füßen zu stehen und heben Sie Ihr rechtes Bein vom Boden ab, aber halten Sie dabei Ihre Taille ruhig. Es ist schwierig, dem Drang zu widerstehen, die Taille über den linken Fuß zu bewegen, damit du nicht fällst.

Wenn du das tust, verlagerst du deinen Schwerpunkt, um das Gleichgewicht zu halten. Und wenn du das im wirklichen Leben tun musst, musst du natürlich dafür sorgen, dass deine Figuren es auch tun.

Grundlegende Animationen wiederverwenden

Dieser besondere Tipp funktioniert wirklich nur, wenn du in der virtuellen Welt animierst, aber es ist wichtig, grundlegende Animationen zu speichern und einen gesunden Vorrat davon bereitzuhalten.

Selbst wenn es sich um einen einfachen Geh- oder Laufzyklus handelt, kann man ihn in eine Szene einbringen, wenn man an einer neuen Figur arbeitet, und sich einen Vorsprung verschaffen.

Wenn Sie diese Basisbewegung mit allen wichtigen Posen und Keyframes angewendet haben, können Sie mehr Zeit darauf verwenden, das Timing, das Gewicht und den Stil an die Persönlichkeit der jeweiligen Figur anzupassen.

Verwenden Sie ein einfaches Modell

Das Manipulieren eines hochauflösenden Modells im Ansichtsfenster kann zu einer Überlastung Ihres Systems führen, besonders wenn das Modell sich mit einem Skelett oder anderen komplexen Deformern verformen und bewegen muss. Dies wird noch deutlicher, wenn Sie versuchen, die Animation in Echtzeit abzuspielen und feststellen, dass Sie nur jedes zehnte Bild sehen.

Wenn Sie mit der Gesamtbewegung Ihrer Figur arbeiten, blenden Sie das hochauflösende Modell aus und animieren Sie stattdessen mit einem viel einfacheren Proxymodell.

Dies könnte eine verkleinerte Version der Figur sein oder sogar ein paar Kästchen, die so skaliert sind, dass sie locker zu den Proportionen passen, aber diese Version wird es Ihnen ermöglichen, flüssig an den Hauptbewegungsbereichen zu arbeiten, bevor Sie dann das hochauflösende Modell für die feinere Detailarbeit zurückholen.

Vorwegnahme, Aktion, Reaktion

Wenn man jede größere Bewegung aufschlüsselt, lässt sie sich in drei Hauptbereiche aufteilen – Vorwegnahme, Aktion und Reaktion. Wenn wir einen einfachen Sprung als Beispiel nehmen, beugt sich die Figur zuerst, um Kraft aufzubauen, das ist die Erwartung. Der Sprung selbst ist die Aktion, und die Landung mit dem Schwung, der sie vorwärts treibt, ist die Reaktion.

Dieses Prinzip funktioniert bei vielen Bewegungen, z. B. wenn man einen Schlag ausführt oder einen Schläger schwingt. Es kann auch für Gesichtsanimationen verwendet werden, und sogar für einen komischen Effekt übertrieben werden.

Versetze deine Tasten

Es kann schwierig sein, den natürlichen Fluss eines Elements zu erreichen, das hinter deiner Figur herzieht, wie ein Schwanz. Die Wurzel bleibt am Becken fixiert, aber die Bewegung muss dann wie eine Welle bis zur Spitze durchlaufen.

Ein schneller Weg, diese Bewegung zu erreichen, besteht darin, die Basis zu animieren und diese Animation dann auf den Rest der Gelenke zu kopieren. Dann können Sie die Keyframes der einzelnen Gelenke bearbeiten und um ein oder zwei Frames nach vorne verschieben.

Dadurch wird die anfängliche Aktion an den höheren Gelenken im Wesentlichen verzögert und Sie erhalten die wellenartige Bewegung.

Bilden Sie nicht jeden Buchstaben in der Sprache

Beim Animieren des Gesichts und insbesondere des Mundes ist es eine gute Idee, nicht jeden einzelnen Buchstaben des Wortes, das die Figur sagt, einzubeziehen. Das kann dazu führen, dass sich der Mund zu schnell bewegt und oft unberechenbar wirkt.

Wenn Sie Menschen beim Sprechen beobachten, werden Sie feststellen, dass ihre Lippen nicht physisch jeden Buchstaben formen, sondern eine allgemeine und organische Bewegung, die durch den Satz fließt.

Nehmen Sie zum Beispiel ein einfaches „Hallo“. Wenn du diesen Gruß in den Mund nimmst, während du in den Spiegel schaust, wirst du sehen, dass deine Lippen eher ein H-E-O formen, wobei die Zunge kurz auftaucht, um den L-Laut zu bilden.

Mehr von Ant bei Vertex

Ant Ward wird bei Vertex im Rahmen unserer „Ask an Artist“-Sektion deine Fragen beantworten. Diese Sitzungen sind eine fantastische Gelegenheit, sich mit einem erfahrenen Künstler auszutauschen, der Ihnen helfen kann, eine Blockade in Ihrer Arbeit zu überwinden oder einen Problembereich zu besprechen.

Ant ist ein Künstler mit großer Erfahrung in vielen Bereichen des CG. Er ist seit vielen Jahren ein regelmäßiger Gast auf den Seiten von 3D World und hat zahlreiche Tutorials geschrieben, außerdem ist er Teil unseres Expertenteams für Fragen und Antworten.

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